Gustavo Fontán

La casa - Novedades

2012-01-17T16:07:00.000-08:00

Hola amigos.

Como ya les hemos contado, estamos en la etapa final de la postproducción de LA CASA.

Se cierra de esta manera no sólo la trilogía que llamamos “El ciclo de la casa” sino una etapa que empezó ya hace varios años con EL ARBOL y siguió con ELEGIA DE ABRIL.

Las tres fueron filmadas en el mismo y único escenario: una casa centenaria en Banfield en la que vivieron varias generaciones.

Nos guió una intención: volver a mirar lo cercano, esforzar la mirada para ver más allá de las apariencias, convencidos de que los problemas estéticos son siempre y, antes que nada, problemas gnoseológicos.

Dice Roberto Raschella, en LA CASA ENCONTRADA: “Y aunque todos nuestros años han pasado/ delante de estas cosas, un día y otro día,/ tan poco sabemos de ellas. Sabemos poco/ de los animales dignísimos de amor,/ sabemos poco de las ropas plegadas/ sobre la cama –porque algo significan-,/ sabemos poco de los rincones/ en cada patio vivido, acaso abismos/ hacia una herida lejanía. Sabemos poco/ de los techos que recogen/ la luz del mundo en la mañana,/ y nos dicen que todavía estamos vivos”.

Como consecuencia de esta experiencia (colectiva) quedan tres películas.

Pronto LA CASA estará lista para que todos los espectadores que quieran acompañarnos puedan completar y darle verdadero sentido a este recorrido.

Saludos

Gustavo

Hola, amigos!

2011-12-18T17:49:00.000-08:00

Amigos:

Hace mucho que pienso en lo que Diana Bellessi dice bellamente en su último libro, La pequeña voz del mundo: “La poesía es la expresión de la desnuda intemperie de un sujeto hablándole a otro, tan cerca y tan lejos”.

Por eso, en este tiempo tan proclive a las reflexiones, quiero compartir con ustedes algunas lecturas.

Un fuerte abrazo y los mejores deseos.

Gustavo

PARA QUE LOS HOMBRES, de Juan L. Ortiz
De La rama hacia el este, 1940

Para que los hombres no tengan vergüenza de la belleza de las flores,
para que las cosas sean ellas mismas: formas sensibles o profundas
de la unidad o espejos de nuestro esfuerzo
por penetrar el mundo,
con el semblante emocionado o pasajero de nuestros sueños,
o la armonía de nuestra paz en las soledad de nuestro pensamiento,
para que podamos mirar y tocar sin pudor
las flores, sí, todas las flores,
y seamos iguales a nosotros mismos en la hermandad delicada,
para que las cosas no sean mercancías,
y se abra como una flor toda la nobleza del hombre:
iremos todos hasta nuestro extremo límite,
nos perderemos en la hora del don con la sonrisa
anónima y segura de una simiente en la noche de la tierra.

CARTA XVII, de Liliana Lukin
De Cartas, 1992

mi querida: una extraña a la otra
y más amor hay cuanto más cartas

(extraño el amor que nos tenemos cuando no estamos
ese cultivo del lugar del otro en la estimación)

una extraña soy ___una mujer extraña
que extraña todo el tiempo ___encontrar
caras que den felicidad

cuanto más cartas más motivo
para el amor y el secreto: escribir para inventar
motivos de amor ___escribir para saber ___escribir

(extraños que aprenden a tocar la cuerda del otro:
caras extrañas que den felicidad)

una extraña soy que se desliza seriamente
por las aristas de la alegría de estar
y como más amor hay cuanto más cartas
escribamos ___extrañemos ___vayamos al encuentro
querida mía ___y que nos dé felicidad

de Tímida hierba de agosto, de Roberto Raschella

Porque a veces es cuestión
de acompañarse nada más,
es cuestión de tenerse
las tristezas en las propias manos
y después mezclarlas una a una,
como un pan de centeno
y un poco de agua en la boca,

es cuestión de caminar y caminar
detrás del instante y de la brizna
ardientes de metamorfosis
en otro instante, en otra brizna,
y mirarse de nuevo las manos
y sentir que ellas endurecieron
de mantenida pasión, es cuestión

de hacer el fuego
con el buen fundamento y
colocar cada leño
en el vibrante punto del aire
y de la piedra hacia afuera,
de amar el verano,
de amar el invierno,
de esperar que el fruto
sazone otra vez,

es cuestión de vivir
nada más, de estar un tiempo
más sobre la tierra.

Visto

2011-11-13T03:34:00.000-08:00

Amigos, comparto con ustedes dos instantes robados a la realidad.

Un abrazo

Gustavo

Visto

-1-
La casa de la esquina tiene un pequeño jardín un poco elevado de la vereda, no más de medio metro. Allí, sobre el pasto alto, alguien abandonó tres gatitos, de pelaje claro, de pocos días de vida.

Una mujer que camina por la vereda escucha los maullidos y no puede evitar detenerse y acariciarlos. Uno, fundamentalmente, se aferra a sus dedos casi con desesperación.

La mujer, después de algunos instantes, sigue su camino. Pero el gatito no está dispuesto a dejarla: salta y la persigue. Ella, que se ha detenido para cruzar la calle, lo escucha maullar y lo descubre junto a su zapato. Las ruedas cercanas de los autos ponen en evidencia el peligro.

La mujer lo recoge y lo lleva de nuevo al jardín junto a los hermanos. Esta vez no lo acaricia. Se va y ya no mira hacia atrás. Se apresura, huye, no ve al gato que vuelve a saltar, que vuelve a correr tras ella, que se aventura a la calle sin darle posibilidad de frenar al colectivo.

Ella sigue su camino; no se vuelve.

La veo irse. Pronto ya no la veo.

-2-

Hay un grupo de gente detenida en el cruce de las calles centrales de mi barrio. Unas veinte personas que miran la escena, conmocionadas, inmóviles.

En la calle, hay una vieja camioneta Chevrolet mal estacionada; la posición oblicua al cordón delata cierta urgencia. No es posible saber quién es el conductor en el grupo de gente.Detrás de la camioneta, a pocos metros de ella, hay un carro con algunos cartones mal acomodados.

El caballo que tira del carro, ni muy pequeño ni muy grande, tiene una herida a la altura de su anca. Es probable que alguna saliente de la camioneta haya trazado ese tajo largo y hondo por el que mana sangre. El charco abundante junto a sus patas permite entender la gravedad de la situación.

Pronto se acumula más gente. Todos tenemos la misma reacción: miramos la escena sin saber cómo ayudar, abrumados desde que el muchacho de unos veinte años, el dueño del carro y del caballo, se sentó en la calle junto al animal y empezó a llorar. Un llanto desgarrado, solitario. Esa tristeza también es compartida por el animal: aunque mantiene su cabeza erguida, con dignidad, ha vuelto los ojos hacia el muchacho y no lo deja de mirar. El muchacho y el caballo están unidos por ese tajo, arrancados del mundo.

Sólo podemos guardar silencio ante tremenda intimidad.

La pared (fragmento), por Alicia Silva Rey

2011-10-02T07:35:00.000-07:00

Hola amigos.

A raíz de la publicación de su libro La solitudine (Ed. Casi incendio la casa, 2009), ya les hablé de Alicia Silva Rey.

Alicia está escribiendo desde hace un tiempo un texto maravilloso que se llama La pared.

Con su permiso comparto un fragmento con ustedes.

Gustavo

La pared (Fragmento)

La medianera como tope del camino de lajas. Alta, blanca, lisa. Se puso de espaldas a la pared, como si primero hubiera tenido que alzarse a sí misma desde los talones, apoyando luego las plantas de los pies y finalmente las puntas de los dedos en un movimiento que se le antojaba contrario al de la danza, opuesto al equilibrio, deseado.

Realizó luego la inflexión contraria, puntas, plantas, talones.

La puntada en los huesos, la reminiscencia de la infección.

Puesta de espaldas contra la pared blanca del fondo.

Palpó con la palma de las manos, con la nuca, con las pantorrillas, su textura como si se tratara de un señuelo de otras cosas, “materiales”, se dijo a sí misma que pensaría, “otras cosas materiales”, como si ningún significante hubiera estado en condiciones de definir aquello para lo cual la textura de la pared se comportaba como señuelo; “materiales” era aludir a la condición de lo viviente pero en su carácter de opaco real impenetrable.

Opaco real impenetrable, “material”. Como aquello que se permuta por las monedas del sueño, como lo que del sueño no se permuta por nada que no sea esa cosa definitiva “opaca real impenetrable”.

Giró sobre su cuerpo, su casa. Su cuerpo su casa. Su cuerpo su caza.

Posó la superficie entera de ese cuerpo sobre la pared, ya de espaldas a la casa a la cual, con solo darse vuelta o retroceder desde donde se había posicionado en sí misma, podía darle alcance.

De espaldas a la verdadera casa, sujeta a la cosa material opaca impenetrable que tironeaba desde ella hacia ella.

Si se desprende si
retoma el camino de lajas si
abre la puerta cerrada y
pasa
al otro lado
que la aguarda
en su concreta causa de imposibilidad –no, no a las alegorías, nada de fábulas-.

El aire cavando el interior de la piedra. El lento innumerable estallarse de la piedra en miríadas de partículas pero sin modificaciones externas o visibles; piedra en trance.

Luego cosería con mano impropia aquellas prendas desgarradas. La costura debía corregir y aún reponer las partes ausentes. Cortar, hundir, coincidir, traspasar. A mano alzada, toda aguja, con pequeñísimas puntadas, lo perdido reaparecía a causa de su costura invisible. La tela de reposición, idéntica a la que ya no estaba, copiaba y remedaba a la auténtica. Como si estuviera recordando al revés. Alzó la cabeza, la ventana aún conservaba sus colgajos de niebla que no tardaría en evaporar. Como ciertas sustancias de la materia, en su propio vapor, el mar sublima. Cosería hasta alcanzar la perfección.

Casas viejas...

2011-09-15T17:43:00.000-07:00

Hola amigos.

A raíz de la nota sobre las “casas viejas” que publicamos en la entrada anterior, me llegaron numerosos mensajes que agregan matices, vertientes, amplifican y mejoran la idea. Quiero compartir con ustedes dos de estos mensajes, los de Fernando Domínguez y Claudio Pérez.

“Mi papá nació en una casita perdida en un pueblo de Galicia. Muchas veces hablaba de la casa. Parece que para abrir la puerta era necesario hacer un movimiento preciso, eso que llamamos "más maña que fuerza", porque la madera se había hinchado con la humedad. Debajo de una de las habitaciones, pasaba un arroyo...

Cuando vivía en Barcelona, un día me tomé el bus y me fui a Galicia a ver la casa. Tardé bastante en encontrarla: unos vecinos me ayudaron. El arroyo estaba seco y la casa había sido derrumbada por una higuera que mi bisabuelo había plantado delante de la puerta de entrada, y que ahora había caído sobre la casa.
Ya en Buenos Aires le conté a mi papá el destino de la casa. Cuando terminé el relato, se quedó en silencio unos segundos y después me dijo: Yo todavía sé cómo se abre la puerta.”

Fernando Domínguez

“Lo que en tu nota es el concepto de destrucción, de un des-hacer que parece nos caracteriza tanto o más que el hacer, la frase de Berger, tu empecinamiento en salvar lo que, sabemos, va a perecer en aras del dinero, me hicieron pensar en destrucciones más violentas y masivas.
W.G. Sebald, el escritor austriaco fallecido no hace muchos años, tan particular en sus temas y formas, tiene un libro tremendo (como diría Thorpe) titulado Historia Natural de la Destrucción, acerca de los furibundos bombardeos aliados sobre las ciudades alemanas hacia el final de la Segunda Guerra.
Sólo la Royal Air Force inglesa arrojó más de un millón de toneladas de bombas sobre suelo alemán. Tres millones de viviendas fueron destruidas. Sebald dice que el desastre no se refleja cabalmente en las obras de la literatura alemana posterior a 1945. Dice que creció “con el sentimiento de que se me ocultaba algo, en casa, en la escuela y también por parte de los escritores alemanes, cuyos libros leía con la esperanza de poder saber más sobre las monstruosidades que había en el trasfondo de mi propia vida”.

Había, entiendo, tanto en el ámbito de lo cotidiano, como en el literario, una necesidad de eludir el registro de aquello que los pondría en contacto con la catástrofe, porque era su propia y dolorosa catástrofe.
En el 2002 murió en el zoológico de Kabul, una las capitales de Afganistán, el león Marjal, que se hizo famoso como el León de Kabul. Había sobrevivido a la monarquía, a la ocupación soviética, a la guerra civil, a los talibanes y a los bombardeos estadounidenses. Estaba rengo y tuerto debido a la explosión de una granada que lo catapultó a los medios como símbolo de la destrucción de Kabul. La Asociación Mundial de Protección de Animales había puesto en marcha un programa para trasladar a todos los animales del zoológico de Kabul a la India. Pero no llegó a tiempo para Marjal acosado, además de por las heridas y el pánico, por los años. Curiosamente lo había regalado Alemania.
Para salvar al mundo de Sadam Hussein y sus armas químicas, Estados Unidos y sus aliados destruyeron Bagdad y una vez destruida la ciudad acicatearon y promovieron a bandas de andrajosos y hambrientos para que destruyeran la Biblioteca de Bagdad, incumpliendo las normas de la Convención de la Haya de 1954 que exige a las fuerzas de ocupación proteger los bienes culturales. Por esa violación, que no tiene plazo de prescripción, Bush decidió reingresar a la Unesco, que EE. UU. había abandonado en 1985, para poder manejar información y tener acceso a expedientes judiciales que incriminaban a los oficiales de su ejército. No sé cuántas toneladas de bombas derramó Estado Unidos en Irak, pero el daño principal lo causaron las que llevaban uranio empobrecido, el desecho de la industria atómica bélica. Son mucho más baratas que la ojivas nucleares y no despiertan tanta oposición. Igual causan un daño tremendo que exhibirán las generaciones futuras de famélicos y analfabetos.
Pero la historia no termina, no ha terminado como quería Fukuyama. Desde hace 6 meses, las fuerzas de la OTAN bombardean Trípoli, buscando eliminar a Kadafi, que, es posible, tal vez merezca la pena de muerte. Pero se lo persigue con una muerte sin pena. Una muerte sin dolor, sin remordimiento, una muerte que causa cientos de miles de muertes de gente inocente.

Es como que la destrucción se ha instalado entre los seres humanos y ya no causa asombro. Por eso es muy importante tu esfuerzo por pensar y rescatar lo que se está destruyendo. Y no es un esfuerzo menor. Ante el tamaño y el despliegue de la destrucción sólo las frágiles acciones del arte alumbran otra posibilidad, otra manera de escribir las historias, la historia”.

Claudio L. Pérez

Hasta la próxima!

Gustavo

Vestigios de mundos pasados que resisten el avance de la modernidad

2011-08-24T16:55:00.000-07:00

Nota publicada en el diario TIEMPO ARGENTINO, el 20-8-2011

Vestigios de mundos pasados que resisten el avance de la modernidad

Como en un diario de rodaje, el director de cine Gustavo Fontán, reciente ganador de un premio Konex como documentalista, adelanta detalles de La casa, película en la que se encuentra trabajando en torno a viejos edificios a punto de ser demolidos.

"El papel histórico del capitalismo es destruir la historia, cortar todo vínculo con el pasado y orientar todos los esfuerzos y toda la imaginación hacia lo que está a punto de ocurrir. El capital sólo puede existir como tal si está continuamente reproduciéndose: su realidad presente depende de su satisfacción futura. Esta es la metáfora del capital.”

Cuando John Berger escribió este fragmento en su libro Puerca tierra, parecía estar pensando en Banfield, el barrio donde vivo desde hace 50 años. Ahí, como seguramente en muchos otros barrios, están demoliendo casas a gran velocidad. Puede pasar que uno falte algunas semanas y al volver encuentre que ciertas calles presentan un paisaje diferente; que allí donde estaba la casa de los Artucio, o la casa de la pajarera, o la de las hermanas solteronas, haya un hueco o los cimientos incipientes de una torre.

Ninguna de esas casas tiene menos de 60 años y algunas alcanzan los 80 o 100. Algunas estuvieron descuidadas durante muchos años y presentan una imagen desdibujada, triste. Son, en los momentos finales, una especie de desgarro, la mueca que expresa la tensión entre lo que fueron y su pronta desaparición.

Pero muchas otras son cuidadas, pintadas, barridas, habitadas, hasta poco antes de su derrumbe. En ellas no existe ese punto intermedio, esa especie de presagio, y la violencia que otorga su desaparición es mayor.

Desde hace algunos meses vamos con nuestra cámara a filmar la demolición de algunas de estas casas. Las etapas son simples y rigurosas: en primer lugar se saca todo lo reciclable, es decir lo que se puede vender: puertas, ventanas, hierros, tejas, chapas, tablas del parqué. Luego, a mazazos, se voltean cielorrasos y paredes (en esta etapa vuela por un buen rato un polvo fino que vuelve todo un poco impreciso, fantasmal). Por último, una pala mecánica y un camión se encargan de cargar y llevarse las evidencias, lo que queda del cuerpo.

Durante los momentos que compartimos, los trabajadores de la empresa de demoliciones nos explican con lujo de detalles cómo y dónde golpear para que una franja del cielorraso caiga entera, o en cuánto tiempo levantan la madera del piso de alguna habitación, tratando de no dañarlo. También suelen contarnos algunos hallazgos.

Por ejemplo, en una casa que demolieron hace unos días había una bodega en el sótano donde quedaban dos botellas de vino de 1964. O en otra, los antiguos propietarios habían dejado un ropero repleto de vestidos, muy viejos todos, que por alguna razón (las especulaciones eran muchas) no quisieron llevarse o tirar a la basura o quemar.

En el tiempo que estamos dentro de las casas, a mí también me sorprenden algunos descubrimientos: un zapato en un rincón de lo que queda de cocina o una vieja silla en el patio, o el modo como la luz sigue entrando por las aberturas y roza el interior carcomido. En una de las casas que filmamos, detrás del hueco donde hubo una ventana, había florecido un inmenso jazmín del cabo y el perfume dulce se mezclaba con el olor a muerte que provoca el derrumbe.

Hace poco filmamos la demolición del techo de una casa que yo había visitado unos años atrás. Fue una visita circunstancial: Aurora, la única habitante que quedaba en la vivienda, y con la que solíamos intercambiar saludos cuando nos cruzábamos en la calle, insistió en regalarme unos brotes de madreselva y un geranio que todavía conservo en una pequeña maceta de barro. No estuve ahí más de media hora; sin embargo, al volver a entrar recuperé inmediatamente la imagen de mi vecina inclinada sobre las plantas, sus ojos oscuros, su voz de canario.

En la casa de Aurora, mientras caía el cielorraso con la precisión de quien sabe golpear en el lugar exacto, y todo se llenaba de esa nube blanca que vuelve impreciso todo (incluso a nuestra cámara y a nosotros mismos), pensé que en estas demoliciones había algo de profanación.
Y lo sigo pensando todavía. Porque el derrumbe viene a cortar, con la cuchillada certera del capital, un hilo histórico. No se demuelen solamente casas viejas, se pone fin a cierta forma de vida. Esas casas fueron levantadas y habitadas con la conciencia de la continuidad familiar. En ellas vivieron los bisabuelos, y luego los abuelos, y luego los padres, y luego los hijos. Y las casas se encargaron de conservar esta memoria en objetos y en palabras.

Estoy seguro que en esa trama (de objetos y palabras) está el relato de cada una de estas casas: el lugar donde estaba el gallinero (ya es muy raro que alguna lo conserve), la habitación donde nació el padre o la madre, los frutales que hubo, quién los plantó y cómo se los cuida, en qué momento se deben limpiar las canaletas de los techos; las cartas y los zapatos, las fiestas, y las muertes. Palabras y objetos que circularon de generación en generación prolongando una herencia y un conocimiento único. Esa trama sólo vive en un espacio; no hay mudanza posible para esa trama.

A todo esto se le pone fin. Tal vez el cine, es nuestro deseo, pueda robarle un instante al devenir y “salvar” para todos algún fragmento de esos relatos.

Gustavo Fontán

2011-08-17T18:20:00.000-07:00

Hola, amigos!

Estamos en pleno rodaje de LA CASA. Como es el cierre de la trilogía que llamamos “El ciclo de la casa” se mueven distintos estados emocionales en todo el grupo.

Suelo visitar mientras ruedo (durante el rodaje estas visitas no se parecen a las de otros momentos) libros, poemas, pinturas, con la esperanza de encontrar una nota, un color, una palabra, que despierte la reflexión o el alma.

Esta noche el encuentro fue grande, y me gustaría compartirlo con ustedes.

El poema es de una inmensa poeta argentina, OLGA OROZCO, y pertenece a un libro de 1946, “DESDE LEJOS”

LA CASA

Temible y aguardada como la muerte misma
se levanta la casa.
No será necesario que llamemos con todas nuestras lágrimas.
Nada. Ni el sueño, ni siquiera la lámpara.

Porque día tras día
aquellos que vivieron en nosotros un llanto contenido hasta palidecer
han partido,
y su leve ademán ha despertado una edad sepultada,
todo el amor de las antiguas cosas a las que acaso dimos, sin saberlo,
la duración exacta de la vida.

Ellos nos llaman hoy desde su amante sombra,
reclinados en las altas ventanas
como en un despertar que sólo aguarda la señal convenida
para restituir cada mirada a su propio destino;
y a través de las ramas soñolientas el primer huésped de la memoria nos saluda;
el pájaro del amanecer que entreabre con su canto las lentísimas puertas
como a un arco del aire por el que penetramos a un clima diferente.

Ven. Vamos a recobrar ese paciente imperio de la dicha
lo mismo que a un disperso jardín que el viento recupera.
Contemplemos aún los claros aposentos,
las pálidas guirnaldas que mecieron una noche estival,
las aéreas cortinas girando todavía en el halo de la luz como las mariposas de la lejanía,
nuestra imagen fugaz
detenida por siempre en los espejos del implacable destierro,
las flores que murieron por sí solas para rememorar el fulgor inmortal de la melancolía,
y también las estatuas que despertó, sin duda a nuestro paso,
ese rumor tan dulce de la hierba;
y perfumes, colores y sonidos en que reconocemos un instante del mundo;
y allá, tan sólo el viento sedoso y envolvente
de un día sin vivir que abandonamos, dormidos sobre el aire.

Nadie pudo ver nunca la incesante morada
donde todo repite nuestros nombres más allá de la tierra.
Más nosotros sabemos que ella existe, como nosotros mismos,
por el solo deseo de volver a vivir, entre el afán del polvo y la tristeza,
aquello que quisimos.

Nosotros lo sabemos porque a través del resplandor nocturno
el porvenir se alzó como una nube del último recinto,
el oculto, el vedado,
con nuestra sombra eterna entre la sombra.

Acaso lo sabían ya nuestros corazones.

OLGA OROZCO

Hasta la próxima!

Gustavo

Comienza el rodaje de LA CASA, de Gustavo Fontán

2011-07-10T12:45:00.000-07:00

¡Hola, amigos!

Hace unos días empezamos el rodaje de LA CASA.La película cierra la trilogía que llamamos “El ciclo de la casa” (EL ARBOL y ELEGIA DE ABRIL, la completan).

Desde hace un tiempo venimos pensando en lo siguiente: ¿cómo una película se transforma en la expresión de una experiencia?

De pronto, en PUERCA TIERRA, de John Berger, encuentro la siguiente reflexión:

“El acto de escribir no es más que el acto de aproximarse a una experiencia sobre lo que se escribe; del mismo modo se espera que el texto escrito sea otro acto de aproximación parecida”.

Lo conversamos en el grupo.

En vez de “escribir” leemos “filmar”. En eso estamos.

Intentamos filmar los fantasmas que habitan una casa. Intentamos que las emociones accionadas por este contacto pueblen las imágenes.

Intentamos no perder las preguntas.

Un abrazo.

Gustavo

Retrospectiva de Gustavo Fontán

2011-05-25T06:30:00.000-07:00

KINO PALAIS
Espacio de Artes Audiovisuales
Palais de Glace - Palacio Nacional de las Artes

Abarcando desde el documental periférico al cine de autor, desde el video de creación al cine experimental, Kino Palais es una ventana abierta al espectador activo.

Programación: Tomás Dotta.

PROGRAMACIÓN DE JUNIO 2011 Entrada libre y gratuita. Por favor consulte los horarios de cada función.

RETROSPECTIVA: GUSTAVO FONTÁN

A través de diversas formas artísticas Gustavo Fontán trabaja en la poética y la ontología del cine. Su obra como cineasta, poeta y dramaturgo circula en un ámbito intermediático. En El árbol se extiende entre la ficción y el documental; en El canto del cisne ensaya sobre poesía y locura, armado de dos condiciones fundantes: espera y paciencia. La soledad, el paso o el peso del tiempo se alivian en la serena contemplación, como también ocurre en El paisaje invisible.
Alguna vez Fontán señaló el impacto que sobre él tuvo cierto propósito de R. W. Fassbinder: no hay que hacer cine sobre las cosas, sino con las cosas. Aunque de un film a otro sus senderos parecen bifurcarse, de pronto convergen de modo tan inesperado como necesario. Si La orilla que se abisma parte del documental hacia esa poiesis de la mirada y la escucha que implica filmar (o presenciar) una película, La Madre postula su bella y delicada vocación ficcional. A su vez, la más reciente Elegía de abril —como El árbol y en camino a la trilogía que completará La casa— opera con los mismos fundamentos espectrales de la imagen y los bordes de la ficción en el cine.

En tiempos afectos a estrépitos diversos es ésta una obra excepcional, inclinada al susurro y de rara consistencia, que requiere el más atento cultivo y cuidado por parte de sus espectadores.

Eduardo A. Russo (especialmente para la retrospectiva de Kino Palais)

Programa I: Trilogía de los poetas

Canto del cisne, 1993-94, Argentina, Dir. Gustavo Fontán, 20 minutos.

Solamente fragmentos, trazos para descubrir la figura del poeta Jacobo Fijman, su obra, sus años de internación en el Hospital Neuropsiquiátrico Borda. Una indagación poética en clave libre de su visión del mundo.

El paisaje invisible, 2001-03, Argentina, Dir. Gustavo Fontán, 30 minutos.

Un viaje a la Quebrada de Humauaca, espacio inherente al poeta Jorge Calvetti, quien en sus últimos momentos de vida evoca, en un viaje inmóvil cargado de imágenes y palabras, “sus nacimientos”, su tierra, su gente, una manera particular de ver el mundo: “sostuve siempre que la realidad reposa en el misterio”. Por la evocación, los espacios y los tiempos se quiebran.

El relato propone un ir y venir constante entre Calvetti y las “imágenes salvadas” en sus recuerdos, entre su humanidad y su visión poética del mundo.

La orilla que se abisma, 2008, Argentina, Dir. Gustavo Fontán, 64 minutos.

Película planteada como un viaje, un recorrido por un río. Como los ríos, como todo viaje, la película tiene meandros, pequeños cauces, desvíos y momentos de descanso. El film es un “diálogo” con la poética del escritor entrerriano Juan L. Ortiz, y parte de algunos interrogantes: ¿Será posible mirar y mirar, y mirar, y llegar hasta el sentido del río más allá del río? ¿Será posible mirar el paisaje hasta descubrir las dimensiones de lo que lo trasciende, es decir, lo abisma?

Viernes 3 de junio, 18:00.
Sábado 4 de junio, 18:00 (Proyección + presentación del realizador).
Domingo 5 de junio, 16:00.

Programa II

El árbol, 2006, Argentina, Dir. Gustavo Fontán, 65 minutos.

Una discusión aparentemente leve y cotidiana trae como premisa uno de los elementos intrínsecos de la filmografía de Fontán: la memoria. Un ensayo magistral sobre el espacio y el tiempo en el que el dispositivo audiovisual está íntegramente emparentado con aquello que cuenta, sin preciosismos ni impostada naturalidad.

Viernes 10 de junio, 18:00.
Sábado 11 de junio, 18:00 (Proyección + presentación del realizador).
Domingo 12 de junio, 16:00.

Programa III

La madre, 2009, Argentina, Dir. Gustavo Fontán, 64 minutos.

Un relato en donde el deseo, la culpa y la responsabilidad encuadran la relación de una madre, su hijo adolescente, la novia del chico y la fantasmagórica figura del padre ausente. Film sintético y austero en el que se vislumbra la necesaria y traumática construcción del yo, el lugar de pertenencia y el concepto de identidad.

Viernes 17 de junio, 18:00.
Sábado 18 de junio, 18:00 (Proyección + presentación del realizador).
Domingo 19 de junio, 16:00.

Programa IV

Elegía de abril, 2010, Argentina, Dir. Gustavo Fontán, 64 minutos.

En su último film, Fontán lleva al extremo la deconstrucción y la fusión de los límites entre ficción y documental. El paso del tiempo vuelve a tomar cuerpo al interior de lo cotidiano, desplegándose en pequeños gestos, en objetos que evocan recuerdos y olvidos.

Viernes 24 de junio, 18:00.
Sábado 25 de junio, 18:00 (Proyección + presentación del realizador).
Domingo 26 de junio, 16:00.

Premio Konex

2011-04-27T19:50:00.000-07:00

Queridos amigos:

Recibí en estos días muchos mensajes y llamados a raíz del Premio Konex.

En principio quiero agradecer a todos y manifestar lo que he dicho siempre: el cine es un hecho grupal y por lo tanto el afecto y las felicitaciones quiero hacerlas extensivas a todos los que me acompañaron durante todos estos años de trabajo.

Un abrazo.

Gustavo

Crónica de un lector de rostros

2011-04-18T11:43:00.000-07:00

Por Gustavo Fontán

¿Qué son capaces de decirnos los ojos? ¿Qué emoción pueden transmitir las líneas de la boca? El autor de esta nota, director de cine y, por lo tanto, un profesional de la mirada acostumbrado a observar para ver más allá de lo obvio, intenta una respuesta.

Lo que se lee en un rostro. El tren viene semivacío: el viaje hacia Constitución, en ese horario de la tarde, es a contramano de casi todos los miles de usuarios. El último sol de un día agobiante entra rasante por las ventanillas. Nada, ni las ráfagas de viento que trae el movimiento, ni los ventiladores en el techo, pueden mitigar el calor. Por la disposición de los asientos tengo frente a mí a una mujer que viaja con su bebé en brazos. Por alguna circunstancia, quizás por la forma en la que el sol lo roza, me detengo en su rostro. Tiene unos ojos oscuros que sobresalen en su cara delgada, y aunque los párpados parecen pesarle, los mantiene abiertos. Por momentos baja la mirada hacia su bebé dormido y la deja allí un rato, como si acariciara la cabeza sudada del pequeño, pero casi todo el tiempo tiene la mirada perdida en el afuera. Estoy seguro de que no mira nada en especial, que probablemente no puede dar cuenta de la estación que acabamos de pasar, o de los vagones de carga abandonados en las vías muertas, o de los destellos anaranjados del sol sobre el riachuelo. Estoy seguro de que no mira nada en especial, sino simplemente se entrega al movimiento, y se fuga, ella también, en la fuga de todo. Ella, como su bebé, también tiene unos puntitos de sudor en su frente y en las sienes, unos puntitos que el sol vuelve brillantes, dorados, sobre la piel cobriza. Parece venir de un viaje infinito. En su rostro no es posible dejar de leer su cansancio, sus sacrificios; tal vez, una genealogía de dolores. Ahora vuelve de nuevo su mirada hacia el bebé, como si no tuviera más fuerzas que para esa caricia, y ahí se quedan sus ojos ahora, unos instantes. Hasta que, de pronto, fugaz, imperceptible casi, se le dibuja una sonrisa en los labios que restituye la esperanza, un antes y un después gozoso. La belleza de un rostro, me digo, reside en la capacidad de albergar el misterio. Todo está visible y oculto a la vez en un rostro. Imagino un tiempo (antes o después) en el que saber algo del otro implicaba-implicará, conocer las señales en un rostro.

Una memoria de rostros. Patricia me cuenta que anoche soñó con su padre. Su rostro era joven, no usaba anteojos todavía, me dice. Aunque los dos –ella por supuesto– conocíamos muy bien a ese hombre, muerto ya hace unos años, se empeña en describir los detalles: la piel blanca y lampiña, los ojos juguetones, la sonrisa pícara. En esa descripción minuciosa, entiendo, se juega para ella un montón de otras cosas: su propio rostro –el brillo en su mirada mientras me lo cuenta es insoslayable– lo revela. Ese rostro, el de su padre joven, es un momento robado al tiempo, la llave de un instante único que la contiene niña a ella y joven al padre. Aunque entiendo esto, hay una profunda, profundísima red de implicancias desconocidas por mí, sugeridas apenas, esbozadas en los destellos de luz en los ojos. En el sueño, el padre le dijo: “Ahora que estoy solo vení a visitarme.” Y Patricia cumplió al pie de la letra con el pedido, porque en la evocación opera el reencuentro. Le muestro entonces una foto que llevo siempre conmigo. Mi padre, que no llegaba a los 30 años en el momento de la imagen, me tiene en brazos. Aunque él mira hacia un costado del encuadre, algo en su gesto delata que es consciente de la foto. Yo –no tendría más de dos o tres años– miro fijamente la cámara. No hay espacio que pueda identificar, no hay circunstancia que la imagen relate; sólo estamos mi padre y yo en un tiempo real y mítico. Patricia me pregunta si llevo la foto como amuleto y no sé qué decirle. Tal vez sí, pero no sólo por eso. Me acuerdo entonces de una respuesta del poeta jujeño Jorge Calvetti. “¿Podría elegir un buen recuerdo de cualquier momento de su vida?”, le pregunto. Calvetti se queda en silencio, un buen rato, hundido en sí mismo. De pronto, levanta sus ojos casi ciegos y dice: “El hombre está lleno de triunfos, de derrotas, de miserias, y no puede elegir cuál fue su mejor recuerdo… Y agrega, después de un nuevo silencio: Quizás, la mirada final de mi madre…”

Los rostros representados. Las artes visuales y audiovisuales nos pusieron a menudo frente a los rostros. Muchas pinturas fundan su encanto en la capacidad de capturar y dejar detenido (robado al devenir) un gesto sugerente. Basta revisar los cuadros de Johannes Vermeer, Goya, o Carlos Alonso, por ejemplo. El cine, en su flujo, en su alteración constante de proporciones entre las cosas y el espacio de representación, resguarda el concepto de primer plano para el rostro (cuando lo encuadrado es una pierna o una cacerola, por ejemplo, lo llamamos plano detalle), y entiende que es el plano de mayor intimidad, la posibilidad de adentrarnos poéticamente en las emociones de los personajes. En el primer plano desaparece (a veces del todo y a veces casi todo) el espacio, entendido como parámetro referencial (casa, río, campo, calle…) y toda nuestra atención está sujeta a lo que sucede allí, en esa nueva geografía. Es ahí, y en ningún otro lado, donde debemos ver las señales y trazar nuestras hipótesis. Hay un riesgo; hablo de riesgo no de determinismo: la televisión muchas veces, y el cine a veces, con el abuso sistemático del primer plano, han bastardeado los rostros, transformándolos en una galería de muecas, de gestos impostados, de cáscaras donde no hay para leer más allá de lo que se lee en el primer trazo. Es el señalamiento de la evidencia: ya no hay nada para reponer, otro hizo el trabajo por nosotros. En el fondo, la posición es soberbia y tranquilizadora: Sé todo, sé lo que veo. En este camino, la representación nos aleja de lo real, en tanto nosotros en el mundo, abiertos al mundo, afectándonos por el mundo. El riesgo es que en ese aprendizaje de lo vacuo miremos lo real como cotejo con el modelo (la mueca, la cáscara vacía). Si es así (me lo propongo cada día porque nadie está exento, repito, nadie está exento), tendremos que ser desobedientes y recuperar el asombro. Imagino un tiempo (antes o después) en el que saber algo del otro implicaba-implicará conocer las señales en un rostro. Tal conocimiento por supuesto sólo puede estar ligado al ámbito de la intuición y lo sensible.

Publicado en la edición del diario Tiempo Argentino del 6 de febrero de 2011

Sobre directores jóvenes, el cine y el mundo

2011-04-09T07:24:00.000-07:00

Hola, amigos.

Siempre manifesté la convicción de la importancia de un cine plural, de búsquedas múltiples, de debates profundos sobre la relación entre las necesidades del relato y la producción de la película.

Quiero compartir la charla que tuvimos con Hermes Paralluelo, Luján Montes, Martín Sola, Cynthia Gabrenja y Marcelo Scoccia, rica en conceptos, y que fue publicada en Tiempo Argentino, en la edición de hoy, 9 de abril.

Saludos y hasta la próxima.

Gustavo

Seis directores jóvenes y seis miradas sobre el cine y el mundo

Por Gustavo Fontán, para Tiempo Argentino

Cómo conciben el guión cinematográfico, cuál es su estética, qué significa para ellos mirar la realidad a través de una cámara, cuál es su búsqueda. Una entrevista con realizadores que dan a conocer sus primeras películas.

Cada vez que se acerca el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) se renuevan las esperanzas de encontrarnos con una diversidad de de miradas que nos emocionen o nos sorprendan. La inmensa cantidad de películas que conforman la programación otorgan un panorama de un cine nuevo, renovador, que se hace en muchísimos lugares del mundo. Ese mosaico, en general, y cada una de las películas en particular nos obligan a reflexionar sobre estéticas, formas de producción, nuevas tecnologías.

Para hablar de estos temas, y para tratar de entender distintas formas de trabajo, reunimos a un conjunto de directores jóvenes que presentan en el festival su primera o segunda película: Hermes Paralluelo (es catalán pero ha filmado en nuestra Córdoba su película Yatasto), Luján Montes (en representación de los once directores de la película colectiva Teoría de cuerdas), Martín Sola (director de Mensajero) y Cynthia Gabrenja y Marcelo Scoccia (codirectores de Enero).

−¿Cuáles son las características del guión que usaron para rodar sus películas?

Marcelo Scoccia

:−Siendo honestos, no teníamos un guión tradicional. Sí, en cambio, contábamos con un argumento que delineaba las escenas en su totalidad, donde ya había propuestas de luz, sonido y cámara. La historia tiene una estructura clásica, el protagonista lucha tanto por vencer la narcolepsia como por volver a componer. En el guión de Enero habíamos trabajado, en un principio, el desarrollo del personaje a lo largo de la historia y algunas escenas claves. Se podría decir que este guión nació para ser completado en rodaje, estaban puestos los ladrillos iniciales, para poder terminar de construir la escena luego en el set con los actores.

Hermes Paralluelo

: −En Yatasto usamos imágenes para crear imágenes. No sé partir de palabras y conceptos para crear imágenes.

Martín Sola

: −Pensamos el guión como un camino. Para rodar Mensajero teníamos un recorrido por espacios. Sabíamos por ejemplo que la película terminaba en las salinas. Para mí el espacio es central. Dentro de ese espacio hay personas que podríamos llamar de algún modo “personajes”. Pero no hay relaciones de causa-efecto en su recorrido.

Luján Montes

: −En nuestro caso (Teoría de cuerdas) teníamos un guión sonoro: partimos de un disco de música conceptual, Adiós mundo cruel, de Gustavo Esnaola Moro. El disco está separado en partes que llevan nombres de elementos químicos. Respetamos estas divisiones y cada uno de los once directores tomamos algunas de estas partes. Cada uno trabajó con libertad y hay, por lo tanto, diversidad de registros. Alguien trabajó con un viejo VHS y otro director con un material bajado de Youtube, por ejemplo. La única condición que nos habíamos puesto es que teníamos que respetar la duración del tema musical.

−Las películas de cada uno de ustedes cuestionan las formas de producción tradicional. ¿Qué piensan sobre esto?

L. M.:

−Creo que Teoría de cuerdas apunta a “desmitificar” la unicidad de formas de producción y estructura de una obra. Cuestiona desde la conformación del equipo de trabajo hasta la estructura interna de la obra. No hay una, hay múltiples formas de hacer las cosas, de verlas y oírlas. En la película somos once directores: Gabriel González Carreño, Clara Frías, Laura Focarazzo, Luciana Foglio, Eugenia De Rossi, Oscar Maio, Juan Tancredi, Sergio Brauer, Antonio González Mendiondo, Amado Casal y yo. Es una película que se hizo en su devenir: se construyó etapa por etapa, en soledad y en grupo, repleta de rizomas y hallazgos efímeros y mutantes. Cada uno trabajaba en su casa, y cada tanto nos reuníamos para ver lo que hacía el otro y realizarnos sugerencias.

H. P.:

−Pienso que con una cámara y un micrófono uno tiene todo lo necesario para emprender el camino. Los sistemas tradicionales de producción son dependientes de un gran capital financiero y ese mecanismo pesado y lento la mayoría de las veces separa a los realizadores del cine mismo.

Cynthia Gabrenja

: −Las nuevas cámaras de fotos que graban y sistemas de edición más accesibles y prácticos, hacen posible realizar este tipo de producciones de bajo presupuesto con una alta calidad de imagen. Pero se necesita dinero de todas formas. Debería haber vías más accesibles para la realización de películas independientes.

M. Sola

: −Un tema central de la producción para mí está vinculado a la cantidad de tiempo en el sitio de rodaje. Para mí filmar no es sólo el registro sino la experiencia humana. Todo el tiempo que estuvimos rodando, que fue mucho en Mensajero, vivimos con las personas que “actúan” en la película.

−¿Qué vínculo encuentran entre sus películas y sus preocupaciones sobre el mundo?

M. Sola:

−En estos momentos a mí me interesa retratar a la gente que cree en algo. Admiro a las personas que en estos tiempos de pesimismo burgués, donde todo es cuestionado, creen en algo. Por eso intento filmar personas y no personajes. Para nosotros el tema central de Mensajero era el de la fe. Se la puede encontrar en la secuencia de la procesión, pero también en imágenes concretas: en las salinas inundadas cielo y tierra se tocan, se funden.

H. P.:

−Hacer cine es una manera de estar parado en el mundo y, por lo tanto, una manera de ver el mundo. Hacer una película para mí significa explorar cinematográficamente algo. Es decir, explorar una parte del mundo visual y sonoramente. Mis intereses pasan en gran parte por explorar lo que está en la superficie de las cosas y con el cine pretendo eso, nunca tratar de retratar algo que no está en la superficie.

L. M.:

−A nosotros nos interesaba pensar el relato como una multiplicidad de universos coexistentes, que chocan, se unen, se alejan. No había exigencia de tema sino que pensábamos un todo hecho de atracciones y rechazos. Así nos parece que es la realidad.

C. G.:

−Creo que al ser seres sociales toda producción artística está relacionada con nuestro entorno y con nuestras preocupaciones. Nuestras miradas son el reflejo de eso.

M. Scoccia

: −En nuestro film Enero el protagonista teme quedarse dormido todo el tiempo y ese miedo se refleja en su falta de inspiración para seguir componiendo. Nos interesó acercarnos al proceso de inspiración de un pianista a la hora de crear, quisimos retratar cómo influye su vida en cada nota y tempo vivido.

−¿Cómo fue la relación entre estas intenciones, estas búsquedas, y las decisiones estéticas?

H. P.:

−Los tres primeros meses de rodaje de Yatasto fueron de pura deriva. A los tres meses, revisando el material, me di cuenta de lo que estaba filmando. No sabía cuál era el tema de la película ni cómo la debía filmar hasta que no vi una imagen en la que se conjugaban ambos elementos (tema y forma) de tal modo que se diluían y no podía saber dónde empezaba una cosa y dónde terminaba otra. La forma de llegar a eso era tener fe en que las cosas suceden, y suceden siempre y cuando estés en el ángulo apropiado para verlas. Por eso los mayores esfuerzos siempre fueron destinados a encontrar ese ángulo en el cual se logra ver al mundo como una gran coreografía milimétricamente calculada.

C. G.:

−Trabajamos el sofocamiento del protagonista, con una cámara en mano sobre su hombro, generando así la proximidad necesaria para suscitar esa sensación entre el espectador y el personaje. A su vez relatamos el estado de semi somnolencia, a partir de la escucha del personaje, donde en ciertos momentos de la narración los sonidos ambientes se van distorsionado, cuando el protagonista pierde contacto con la realidad. En su interior resuenan recuerdos de partituras fragmentadas y deformadas, en él no existe una melodía que una esas notas. Desde la imagen, buscamos utilizar una veladura azulina que bañe los ambientes como las pieles de los personajes, para darle una sensación de detención en el tiempo, de frío, de quietud.

L. M.:

−Me gusta pensar que cada tema, cada búsqueda, propone una estética diferente. La estética está directamente vinculada a lo que uno quiere explorar y por eso creo que uno no debe encasillarse porque implica ponerse un límite. Y es más interesante el ámbito de la libertad.

M. Sola

:−Hoy me interesa profundizar una búsqueda en la que dos registros, uno documental y uno ficcional, se fusionan. En la imagen, se ve algo que está “puesto”, que está muy pensado, pero se busca que eso se fusione con un conjunto de cosas sobre las que no se tiene ningún control, algo de la luz, algo del azar. Cuando esas dos cosas se funden y conforman una unidad indisoluble, se produce algo incomparable, que me emociona mucho. Quizás algo del orden de lo trascendente

Cine Club La quimera

2011-03-07T15:33:00.000-08:00

Hola, amigos!

El pasado 22 de febrero el Cine Club La Quimera de Córdoba cumplió 30 años.

El 10 de marzo darán inicio a las actividades del año con la proyección de Elegía de abril. Será un honor para mí viajar a presentar la película y festejar los 30.

Al día siguiente, el 11, Elegía de abril se dará en otro cine club, La linterna mágica, de Río Ceballos, y también estaré ahí.

Comparto con ustedes esta nota que publicó el diario Tiempo Argentino, para contarles algo de lo mucho que hace La Quimera.

Un abrazo

Gustavo

Proyectar sueños sobre una pantalla

Por Gustavo Fontán

El 22 de febrero de 1981 nacía en lo que fue el Teatro de los siete, en la esquina de Humberto Primo y Avellaneda de la ciudad de Córdoba, el Cine Club La Quimera.

Juan José Gorasurreta, uno de los fundadores, recuerda así ese momento: “Había muchas ideas y ganas de hacer cosas en nombre del cine, ‘la expresión de los bellos sentimientos’: revisiones, ciclos, conocer autores, escuelas, géneros. Hacer pedagogía.”

Herederos de la tradición de los cineclubes de los ’60 y los ’70, donde el debate era fuente de encuentro y de apertura a nuevas ideas y nuevos sueños, La Quimera comienza las proyecciones en abril de ese mismo año, con un ciclo dedicado al realizador, integrante del Nuevo Cine Alemán, Alexander Kluge: “Nos prestaron una sala del Cine Teatro Córdoba y ese día estuvimos temprano para preparar la función que fue en 16 mm y esperar al público. Las tres películas que había en ese momento en la Argentina de Alexander Kluge, y que nos fueron facilitadas por la Cinemateca del Instituto Göethe de Buenos Aires, eran Anita G (1966), Trabajo ocasional de una esclava (1973) y Ferdinando, el duro (1976), se proyectaron en ese orden.

A pesar del ‘desconocido’ entonces puesto en pantalla, supimos ya quién sería nuestro público: jóvenes, intrépidos en sus máquinas voladoras que siempre nos acompañan”, recuerda Gorasurreta.

En 1981, la dictadura que había asolado al país comenzaba a declinar y la gente que conformaba La Quimera, como muchos en la Argentina, creyeron que era el momento de volver a pensarse grupalmente: “Nos pareció un modo de poner cuñas en la realidad. Después de una masacre muy dolorosa, trágica, era abrir una puerta para darle al cine un papel, una cabida como forma de expresión de los seres humanos, una expresión de todos y de todo el mundo. Nuestros ciclos fueron de cine ruso, japonés, latinoamericano, argentino, español. Por ejemplo, en 1982 exhibimos juntas El acorazado Potemkin, de Einsestein, y Dios y el diablo en la tierra del sol, de Glauber Rocha.”

Desde sus comienzos, La Quimera, como muchos de los cineclubes que hubo y hay todavía en la Argentina, ocupó un lugar de resistencia frente al cine-mercado, donde lo diverso queda anulado como estrategia. Contrastes, confrontaciones, puesta en crisis de los conceptos establecidos, desconfianza en los discursos dominantes, son una actitud frente al conocimiento que tenemos del cine y desde el cine, pero definen fundamentalmente el modo de habitar el mundo y de pensarnos. En relación a esto agrega Gorasurreta: “El cineclubismo debe cumplir una tarea pedagógica, formando conceptos amplios y diversos alrededor de las películas que se hacen en el mundo, e integrar a los seres humanos a esa pantalla para conocernos un poco más, tanto interna como externamente.

Entre 22 y 25 mil films se hacen por año en el mundo y, más allá de sus calidades, pintan aldeas que no conocemos. Siempre debe haber en un cineclubista una actitud generosa, humilde y colectiva que le permita ir corriendo a mostrar a sus pares la película que acaba de ver y lo conmovió, modificándolo. La libertad está lejos de la hipocresía y el cine, también.”

La actividad pedagógica, por lo tanto, no estuvo al margen del desarrollo de La Quimera. El mismo año de su fundación se creó el Taller de Cine Infantil para niños de cinco a 12 años y se dio comienzo a la Escuela de Aprendizaje Cinematográfico dedicada a adolescentes y adultos. Entre los realizadores argentinos que aportaron a la actividad pedagógica del Cine Club, estuvieron Juan Carlos Arch, Rodolfo Hermidas, Marielouise Alemann, Jorge Surraco, Manuel Antín, Ricardo Wullicher, Alejandro Doria, René Mujica, Eva Landeck, Carlos Orgambide, los realizadores alemanes Werner Schroeter y Haro Senf, la actriz Cipe Lincovski y el actor Raúl Brambilla.

Muchas cosas cambiaron en la Argentina y el mundo desde aquel 22 de febrero de 1981 hasta hoy. Desde el avance de las doctrinas neoliberales, pragmáticas, destructoras de sueños y utopías, hasta el vértigo de los cambios tecnológicos, el funcionamiento de la vida en general se vio afectado y mucho. Y los cineclubes no podían estar ajenos a estas transformaciones. Sin embargo, hoy se cumplen 30 años de aquel momento fundacional y hay que decir que La Quimera fue construyendo con paciencia los modos de resistencia y sigue desarrollando una actividad fértil. “Cambiamos de sala muchas veces. Demasiadas, tal vez. O no. Amantes del cine, nosotros tuvimos que aprender a trabajar con la pantalla ancha y el video. La tecnología y sus avances. La crisis visceral de este país y los otros. Vino el tiempo del cólera, con o sin amor. Seguimos trabajando porque la utopía existe. Las ideologías no han muerto. El muro existe entre los humanos”, dice Gorasurreta con convicción.

El presente no puede sostenerse en la nostalgia. A los integrantes de La Quimera, los de antes y los de ahora, tan jóvenes unos y otros, no los mueve la sensación de un tiempo pasado que fue mejor, sino la convicción de que el presente y el futuro deben fundarse en los valores de apertura que han pregonado siempre. Por ello, estos espacios, el de La Quimera y muchos otros, son el resguardo de convicciones transformadoras. Y los jóvenes quieren participar en la construcción de la historia.

EL LIMONERO REAL

2011-02-05T16:38:00.000-08:00

Amigos:

Quiero contarles que acabo de recibir la autorización para adaptar una novela amada, enorme, bellamente dolorosa: EL LIMONERO REAL, de JUAN JOSÉ SAER.

Durante mucho tiempo la vida de estos personajes me rondó, me asedió, y por el inmenso valor de la obra siento una enorme responsabilidad. También, claro, una gran alegría.

Comparto con ustedes la noticia y el fragmento inicial de la novela:

“AMANECE.
Y YA ESTA CON LOS OJOS ABIERTOS.
Parece no escuchar el ladrido de los perros ni el canto agudo y largo de los gallos ni el de los pájaros reunidos en el paraíso del patio delantero que suena interminable y rico, ni los perros de la casa, el Negro y el Chiquito, que recorren el patio inquietos, ronroneando excitados por el alba, respondiendo con ladridos secos a los llamados intermitentes de perros lejanos que vienen desde la otra orilla del río. La voz de los gallos viene de muchas direcciones. Con los ojos abiertos, echado de espaldas, las manos flojas sobre el abdomen, Wenceslao no oye nada salvo el tumulto oscuro del sueño, que se retira de su mente como cuando una nube negra va deslizándose en el cielo y deja ver el círculo brillante de la luna; no oye nada porque cincuenta años de oír en el amanecer la voz de los gallos, de los perros y de los pájaros, la voz de los caballos, no le permiten en el presente escuchar otra cosa que no sea el silencio.”

Dijo alguna vez Juan José Saer: “Escribir es sondear y reunir briznas o astillas de experiencia y de memoria para armar una imagen”.

Trataremos de hacer nuestras estas palabras. También el interrogante que subyace en ellas: ¿cómo acceder a lo real y expresarlo? Con la humildad necesaria, trataremos de haces nuestra la novela: sus personajes y su ámbito, sus sonidos y sus texturas, sus fragilidades y sus cuerpos.

Un abrazo

Gustavo

Elegía de abril - Cartas

2010-12-31T03:58:00.000-08:00

Queridos amigos:

A pocas horas de terminar el 2010 quiero compartir con ustedes algunas cartas que nos llegaron a raíz de Elegía de abril.

Expreso mis deseos para el año próximo con unos versos de Juan L.Ortiz

"Otro será el paisaje mañana en las mismas líneas puras.

Cantará con un múltiple canto entre las casas próximas con mesas, ah, seguras y con libros y músicas.

Como de la noche de su alma del sueño de los campos el hombre extraerá toda la maravilla.

No más dividido, no, con el hermano, ni consigo mismo, ni con la tierra, el hombre.

Uno consigo mismo y con el mundo para crearse sin fin en la gracia más alta de la criatura, y sonreir al rostro cejante de la sombra"

Felicidades y hasta el año próximo

Gustavo

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Querido Gustavo

Pocas veces agradezco haberme hecho parte de una peli, tener la posibilidad de hacerlo a su director y sinceramente, desde lo más íntimo así fue.

A veces, y ¡qué bueno que así sea! la emoción supera a las observaciones, a las devoluciones, a la palabra.

Elegía, es una película que supera toda palabra y lo más paradójico, lo más particular, es que tratándose de una obra que se vincula con la palabra no logre devolverte más que agradecimientos y felicitaciones.

Ví a un Gustavo Fontán en lo máximo. A un Gustavo comprometido que logra brindarnos una peli en un 100%, desde la madurez, desde lo más óptimo y eso hace que me haya suspendido para conectarme con algo más (como esa especie de "fantasmas" que encontré en la pantalla hacia el desenlace) un "no quiero que termine", una sensación de hipnotismo, de querer permanacer más allá de esa hora.

Hay algo que sobrevive en "Elegía..." algo que se instala, algo que no quiere ni puede borrarse... (una contradicción; el cine es magia, es ese no querer entrar en lógicas ni hipótesis, sin embargo, quise y quiero descifrar tus secretos!) y eso fue lo que me pasó.
A medida que pasoron los días quise saberlo todo (que me cuentes grandes incógnitas,
preguntas que NO DEBERÁN SER NUNCA REVELADAS!)

Una peli que se instala, que nos hace sentir parte, que nos mete y nos sacude... y esa es la gran cuestión. Minuciosa descripción de un estado, de un pasado, de un presente, de un futuro que cada uno imaginará (¿qué serán de esos libros, qué serán de esos "verdaderos" protagonistas, qué será de quienes los han reemplazado...)

Tu hijo es un Adonis; tu mundo más que un mundo que merece seguir siendo explorado, que nos dejes la posibilidad como espectadores de seguir haciéndolo.

Nadie en la sala se movió, todos nos quedamos en una especie de trance (ayudado por ese desenlace o resolución en la que todos quedamos "girando" como tus "personajes") ese salir sin salir, ese quedarse y permanecer.

Gran peli. Gran apuesta, quizás hasta ahora tu mejor apuesta (como cuando depositamos parte de las fichas en un número -parte- porque estoy segura, quedan más fichas por "jugarse")

Beso grande

Vanina Sierra

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Querido Gustavo,

Ya que tengo la posibilidad, que no se me da muy seguido la verdad, me refiero a poder escribirle humildemente al director de una película que me interesa y me queda dando vueltas en la cabeza, voy a abusar de mi suerte y a atreverme a hacerte algunos comentarios acerca de "Elegía de Abril".

Lo que mas me interesa de la película es la reflexión que plantea acerca del cine. ¿Qué es el cine? ¿Qué se necesita para hacer una película? ¿Cuál es la relación entre el cine y la vida? ¿Qué pasa cuando ante un mundo cotidiano se planta una cámara? ¿Qué pasa cuando enfrentás a una mujer cualquiera con una actriz que pretende imitarla?

Con esto no me refiero a lo obvio, a lo que ya esta ahí super claro, como hacen tantos que pasan al lenguaje oral o escrito, abusando de palabras poéticas, que no son mas que metáforas muertas, aquello que ya está dicho cinematográficamente, porque ¿qué ganaríamos con eso?

Sería cómplice de esa especie de paja culturosa, que no se cansa de repetirse y citarse a sí misma, subrayando guiños ya hechos, para poder enaltecer la propia poética de la que carece. Ya me los estoy imaginando: "la película de Fontan trata acerca de los límites cada vez mas borrosos entre la ficción y el documental, el cine dentro del cine" ESO ES OBVIO. Perdón por esta aclaración, pero me da fobia caer en eso, así que voy a hacer el esfuerzo por profundizar un poquito mas, ya que "Elegía" me lo permite.

Desde el inicio, se evidencia la puesta en escena. Parecería decirnos: "Señores, bienvenidos, estamos ante una película, esto significa que hay al menos una cámara (de a poco sabremos que son dos), un equipo que está trabajando para que esto que es una construcción sea posible, una casa, una anécdota-excusa en relación a un libro, 5 actores (3 no-profesionales y 2 ultra-profesionales), una taza, un gato y algo para decir".

El espectador no puede olvidar NUNCA que está en el cine, ni siquiera aunque las luces estén apagadas, ni siquiera aunque se trate de un burguesón que quiso ir a ver una película para hacer la digestión y se esfuerce por olvidarlo, esto no va a ser posible querido mío.

Porque no solo vemos al microfonista mientras graba a la que suponemos protagonista decir: "yo no actúo mas", no solo vemos a los actores ultra profesionales, reconocidos por todos los argentinos por su trayectoria, que van a reemplazar a estos nadies llegar con anteojos oscuros, no solo vemos a Fede con su camarita grabando desde su punto de vista adolescente, no solo te vemos a vos director, padre, sobrino e hijo, sino que vemos la cámara que los persigue a todos!!

Y eso no es fácil de olvidar, ni siquiera para el que se hace el zonzo, porque está puesta la puesta frente a sus narices constantemente, aunque se retuerza en la butaca. Entonces el lugar del espectador es incómodo, está en una brecha entre el adentro/afuera, sin estar en ninguno de los dos lugares.

Un entre, un intermedio que no se sabe bien que es, uno de esos espacios entre la vida-la muerte, el sueño-la vigilia, desde donde espía a los espías, a las copias de las copias, a los reflejos de los reflejos y así hasta el infinito que no se puede abarcar (por suerte). Pero toda esta apertura es a partir de muy pocos elementos, y el tiempo, y el espacio. Entonces me vuelvo a preguntar: ¿Qué es el cine? ¿Qué se necesita para hacer una película?

Y respecto a la relación ficción-realidad: No es que tu mamá no sea actriz ella también, no es que no vivamos todos dentro de una ficción, es que esa mujer tiene algo genuino que aunque le pongas una cámara adelante no se tamiza lo que ella es en-sí sino que se enaltece y lo mismo pasa con el hermano. Eso se ve, en las miradas, en pequeñísimos gestos y en sus formas de moverse. Por más que actúen no están actuando, son.

Y aparecen los actores, y ahí claro, empiezo a desconfiar. Noto su esfuerzo y lo valoro, pero veo su trabajo, porque me mostraron antes el original. Algo se pierde, quiero que vuelvan los "verdaderos". Y ahí está la cámara de nuevo, ah cierto, pero si todos están dentro de una película, nada de todo esto es real. Por suerte desde el montaje los cuidaron a estos actores tan profesionales, porque quedaron muy expuestos, muy como actores que actúan, pero claro ellos también son personas, y la verdad genuina también se les filtra en la comisura, aunque sean hábiles controladores. Así que con espectadores incómodos, actores conocidos expuestos y familiares abiertos de par en par, en que lío te metiste eh.

Una casa que transpira clase media argentina, en la que uno no puede dejar de verse reflejado. Que miedo. La clase media y sus costumbres, y sus silencios, me da terror. Lo que no se dice, la nada, el tiempo, el clima deeenso. El tanguero nostálgico que llevamos dentro, que solo vive de recuerdos arrastrando los pies. Y que tanto mas hay que contar? Sino lo ruin, las miserias, lo espeso, lo que mas conocemos. Al fin alguien que nos habla a nosotros! ¿O nos vamos a seguir haciendo los europeos?

Cuando terminé de ver la película me acordaba de una anécdota que nos contaste en clase. Hasta hiciste un dibujito en el pizarrón, era para explicarnos casualmente algo referente a la puesta en escena. La vecina que los visitaba en ese espacio enrarecido con un mueble en diagonal y levantaba su copa diciendo: "brindo por la muerte del hijo de puta de mi padre". Vos lo contabas mucho mejor. Pero pasaron los años, hiciste una película llamada "Elegía de Abril" y ese universo tan tuyo lo "pasaste" al lenguaje del cine. Y eso es lo que mas valoro: el riesgo y lo genuino que se mantuvo, en contraposición a tanto careta dando vueltas necesitábamos este empujón Fountain!

Pienso que nos facilitás un poco el camino, nos abrís una puerta, nos ayudas a poder expresarnos a aquellos que no queremos la fama, ni la guita, ni los premios, sino simplemente reflejar como sea eso que pensamos, que nos pasa y todavía no sabemos bien como. Porque así nos seguís enseñando que para hacer una película lo único que hace falta es tener algo genuino para decir y que mas allá del cine, y del arte en general, lo que importa es la vida, la muerte y lo indecible.

Me quedo con la mano de una mujer que guarda un pañuelo en la manga de su saco.

Gracias profe!

BRENDA SALAMA

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Hola Gus:

Ayer ví Elegía de abril. ¡Qué momento!

Creo que es la reafirmación de un camino de búsqueda. Difícil recorrido hacia vos mismo. Como siempre esa forma tuya de volcarse hacia adentro y hacia la imagen sin medir los riesgos.

Me pareció una explosión de texturas y colores montada sobre una historia siniestra. Porque la vida es en última instancia ese recorrido hacia la desaparición del afuera, del mundo, de las cosas y seres que nos rodean. Se narra un vacío que el documental transforma en presencia y se narran otros vacíos que alguien habrá de narrar.

Un libro arrumbado por años, un poeta, la terca tarea de un hombre, finalmente sale a la luz en el bolso de Federico. Un gran y pesado silencio se rompe y estalla en tramas de color y recorre escritorios de críticos absortos y un nombre vuelve a circular entre las voces.
Nombrar, hacer de un cuerpo verbo.

El gesto resulta de un gran esfuerzo, un ejercicio de memoria doloroso. No alcanza la ternura que Adriana Aizemberg le impone al personaje, ni las muecas repetidas de Quinteros ante la cámara de Federico para alejar de nosotros el cansancio de la mujer que ya no quiere seguir filmando, o la incongruencia de un tío que no puede sostener dos veces el mismo argumento, la misma razón. Hay entre los hermanos un pacto de silencio y de aceptación que la película viene a romper, como rompe los paquetes de libros.

Carlos siente que pierde algo valioso, su función de custodio del silencio, su gato. La realidad ha cambiado y un polen reseco se esparce sobre el mundo. Esporas que creo desconoce o ha decidido desconocer.

Personas y personajes, ambos reales, se buscan como en una ronda hasta desencontrarse, finalmente. No se sustituyen, son otros. Como otra es la película que la película nos muestra que está filmando Federico con mano temblorosa que avanza imperceptiblemente hacia el gesto firme y decidido. ¿De quién son los recuerdos? ¿A quién pertenece la memoria? En última instancia a quien puede resguardarla sin enmudecer, sin anular su propia voz. Al que puede hablar, decir, filmar.

Una casa como un laberinto donde se guarda el silencio. ¿Las palabras son un monstruo? ¿Una fiera que devora a los jóvenes y los aterroriza con una mirada vacía, con un repique que cuenta las horas que faltan, las que han pasado?

Alguien tuvo la muerte de los Santos. Pero no es cierto que de un sueño pasó a otro sueño. De un sueño pasó a lo que sueñan los otros. Y los sueños son un pasadizo a nuestras más enormes aventuras y también a nuestros terrores más grandes. Y hay quienes sólo sueñan sus miedos.
El sol, la luz, casi nunca o nunca es plena. Aparece velada tras lienzos y tules. Una taza cuenta su historia. Cofres ¿qué guardarán?

Un gato nos une a la vida, a caminos por recorrer, a algo que palpita y recelosamente escapa, abandona, deja atrás.

Una pareja de jóvenes sale del cine en la avenida Rivadavia en la tarde del jueves. El le dice a la chica al pisar la vereda: Otra vez la luz, el ruido.

Desde El Árbol a Elegía de abril la paleta se ensombrece, se ensordina, se adentra y se angustia. Sí, cuesta escapar, Cuesta salir de un estado de tristeza y de un clima en el que la película nos coloca. Se adhiere y uno queda con los ojos tristes para mirar más allá de esa cuatro paredes.

Te quiero mucho

Claudio Pérez

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Hola Gustavo,

a veces me cuesta escribir sobre algo que siento tan cerca de mí. Y la primera impresión que tuve viendo Elegía de abril fue la de la sentir verdaderamente la cercanía de la muerte. Justamente estuve pensando esto en las últimas semanas, luego de que mi madre fue operada.

Deambulé por mi casa mirando objetos y fotos, pensando en los que ya no están, entre ellos mi padre. Me preguntaba cuanto tiempo pasará hasta que tenga que despedirme de ese mundo en el que viví más de 20 años. Y recordé un frase del director polaco Lech Majewski cuando le preguntaron hace unos años en el Festival de Mar del Plata por qué el tema de la muerte está tan presente en sus films. Lech respondió: "yo no entiendo la vida, no entiendo la muerte, no entiendo el tiempo"...

Elegía de abril comienza como una continuación de El árbol, hasta que tu madre decide no filmar más. Allí el film se quiebra y uno se pregunta cómo va a continuar. La solución me parece magnífica. Es simple y compleja a la vez. Los actores reemplazan a las personas reales dramatizando las situaciones cotidianas. Pero tu madre y su hermano siguen estando allí, espiando, deambulando como fantasmas, a veces expresando incomodidad por la intromisión de la cámaras. Su intimidad se ve asediada por tu presencia y la de tu hijo. Los registros se contaminan, entre lo real y lo imaginario; los objetos se vuelven protagonistas, "hablan", se cargan de sentido. Lo no dicho toma cuerpo de forma sutil, se cuela por los intersticios. La aparición de los libros de tu abuelo saca a la luz recuerdos, sentimientos y también desacuerdos.

Somos concientes del paso del tiempo, de la fragilidad de nuestras vidas. Ante esto, hay una actitud de aceptación en tu madre, hay una actitud de dolor y quizás, de amarga resignación en Carlos.

Como en tus films anteriores, la luz vuelve a ser esencial. Cada reflejo, cada cambio en la intensidad o en su color comunica algo que está más allá de la representación. La luz expresa momentos de gran belleza, pero también nos hace pensar en su brevedad.

En fin, me encantó y me genera expectativa ver el fin de la trilogía.

Un gran abrazo,

Diego Menegazzi

Elegía de abril: Nuevos lugares y horarios de exhibición

2010-12-04T12:25:00.000-08:00

Amigos:

Les informo los nuevos horarios de Elegía de abril sigue en el Arte Cinema unos días más. Las fechas de función son:

- Sabado 4/ 12 - 15:30 hs

- Domingos 5/ 12 - 17:00 hs

- Martes 7/ 12 - 15:15

Y también esteremos en La Plata y Almirante Brown, los siguientes días:

ESPACIO INCAA KM 60 - 35mm / Digital
Calle 50 entre 6 y 7 – La Plata

- Jueves 2/ 12 - 18 hs y 20 hs
- Viernes 3/ 12 - 18 hs y 20 hs

- Sábado 4/ 12 - 20 hs

- Domingo 5/ 12 - 20 hs

- Martes 7/ 12 - 20 hs
- Miercoles 8/ 12 - 18 hs y 20 hs

ESPACIO INCAA KM 23, Graciela Borges - 35 mm
E. de Burzaco 750 - Almirante Brown

- Jueves 16/ 12 - 18 hs y 20:30 hs
- Viernes 17/ 12 - 18hs y 20:30 hs
- Sábado 18/ 12 - 18 hs y 20:30 hs

- Domingo 19/ 12 - 18 hs y 20:30 hs

Elegía de Abril: Nuevos horarios hasta el 1º de diciembre

2010-11-18T19:44:00.000-08:00

Amigos:

Les informo los nuevos horarios de Elegía de abril a partir del jueves 18 y hasta el miércoles 1º de diciembre.

Un abrazo.

Gustavo

Arteplex Belgrano
Av. Cabildo 2829 / Tel. 4781-6500 / Belgrano
Todos los dias: 22:20 hs.

Arte Cinema
Salta 1620 / Tel. 4304-8302 / Constitución
Martes, Jueves y Sábado: 15.30 hs.
Miércoles: 20.30 hs.
Domingo: 19.00 hs.

Elegía de Abril: Nuevos horarios

2010-11-11T03:53:00.001-08:00

Amigos:

Seguimos en tercera semana con la misma cantidad de funciones (algunos horarios se ajustaron).

Un abrazo!

Gustavo

Horarios desde el jueves 11 hasta el miércoles 17 de noviembre

Arteplex Belgrano
Av. Cabildo 2829 / Tel. 4781-6500 / Belgrano
Todos los dias: 22:15 hs.

Gaumont
Av. Rivadavia 1635 / Tel. 4371-3050 / Centro
Todos los dias: 13:00 – 15:55 – 20:30hs.

Arte Cinema
Salta 1620 / Tel. 4304-8302 / Constitución
Martes, Jueves y Sábados de noviembre: 16:00 hs.
Domingos de Noviembre: 20.30 hs.

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Miguel Frías, Clarín

“Gustavo Fontán elabora cine como si elaborara sueños. Combinando sus sensaciones y su cotidianeidad crea imágenes –leves o marcadas distorsiones de lo real- que, a la vez, generan nuevas y múltiples sensaciones en el que mira (o, mejor dicho, siente) sus películas. Pequeños milagros sensoriales”

Roger Koza, Con los ojos abiertos

“Inclasificable e inestable, Elegía de abril es un film de fantasmas. Lo real se despedaza, pierde su nitidez, y una ontología onírica, quizás suprasensible, desplaza la representación realista de un hogar cotidiano”

Diego Batlle, Otros cines

“Fantasmagórico, bello, climático, lírico, melancólico, íntimo y sensorial ensayo sobre la ausencia y el paso del tiempo, con algo del primer José Luis Guerín, se trata de otro interesante aporte en la persistente, infatigable carrera del realizador, siempre respaldado por su dream-team artístico liderado por el DF Diego Poleri y el sonidista Javier Farina”.

Luciano Monteagudo, Página 12

“Un film que se ocupa de borrar las fronteras entre documental y ficción. Es la mirada, el punto de vista de Fontán el que hace la diferencia, su capacidad para ver el detalle revelador y profundo allí donde otro director apenas vería la superficie de las cosas”.

Juan Pablo Cinelli, Tiempo argentino

“La nueva maravilla de Gustavo Fontán, Elegía de Abril, como el resto de su sólida filmografía representa un desafío estético que todo cinéfilo que se precie no debería evitar.”

David Obarrio, Cinemarama

“Elegía de Abril es un canto en estado de vigilia que no reniega de la pulsión incomprensible y arrebatada del sueño ni toma, sin más, lo pedestre y cotidiano como único reaseguro de un orden verdadero y perdurable. Por el contrario, este cine prefiere adentrarse sin red en lo desconocido, confrontar con su material para fundirse inesperadamente en él”

Amadeo Luka, Revista XXIII

“Una trama llena de sentimientos, evocaciones y pequeños tributos. El sustancioso aporte interpretativo de Quinteros, Aizenberg y el joven Federico Fontán redondean una breve pero entrañable joya”

Juan Carlos Fontana, La Prensa

“Con esta historia Fontán parece inaugurar un caudal creativo nuevo, de un hipnótico marco poético, en el que los personajes, representan las piezas de un relato lúdico que por momentos sólo parecen fruto de la imaginación del que ve la película”

Pablo Arahuete, Cinefreaks

“Representar no es otra cosa que renovar la mirada. Es reconstruir con lo que se tiene y con lo que no se tiene un espacio diferente. Objetos que evocan presencias; que evocan fantasmas que se niegan a ser recordados. Pero es la memoria, la de los recuerdos pasados, aquella que se empecina en atraparlos y de esa forma revivirlos aunque más no sea en esa instancia efímera que puede durar un parpadeo o un abrir y cerrar de ojos”.

Rodolfo Weisskirch, A Sala llena

“Es una película sobre la espera… No solamente es rica a nivel visual, no solamente es preciosista en cada plano detalle, sino que además tiene varios matices narrativos, capas que se van explorando sobre la memoria de los muertos y del tiempo. Un lenguaje sencillo, belleza en lo simple, que a la vez habla de los aspectos más básicos y trascendentes del hombre”.

2010, 64 min., Color.
Intérpretes: ADRIANA AIZENBERG, LORENZO QUINTEROS,
FEDERICO FONTÁN, MARÍA MERLINO, CARLOS MERLINO

Guión y Dirección: GUSTAVO FONTÁN

Fotografía: DIEGO POLERI

Foto Fija: GUSTAVO SCHIAFFINO

Sonido: JAVIER FARINA

Montaje: MARIO BOCCHICCHIO

Director de Arte: ALEJANDRO MATEO

Asistente de Dirección: JUAN GARCILAZO

Primero de Dirección: ALEJANDRO NANTON

Asistente de producción: MELINA BERNARDEZ

Productor ejecutivo: GUILLERMO PINELES

Producción: TERCERA ORILLA, INSOMNIAFILMS e INCAA

http://www.elegiadeabril.com.ar/
http://gustavo-fontan.blogspot.com/

Elegía de abril - Críticas II

2010-11-02T18:32:00.000-07:00

Memorias construidas a contraluz
Publicado el 30 de Octubre de 2010 en Tiempo Argentino

Por Juan Pablo Cinelli

La llegada a las pantallas de su cuarto largometraje confirma al director Gustavo Fontán como uno de los artistas del cine argentino más delicados y personales, volviendo a revelar su fascinación por lo extrañamente cotidiano.

No existe un diccionario donde encontrar explicaciones para cada una de las formas de entender y de hacer cine, una definición para cada película que se filma. En el cine, como en la literatura o la música, la definición debe intentarla cada uno de los involucrados, que son muchos. Como la vida, los objetos del arte transitan un estado de permanente work in progress. Es decir que su construcción, al pasar del artista al espectador, lejos de completarse ingresa en el limbo sin pausas de la continua resignificación.

Como pocas, las películas de Gustavo Fontán ponen en evidencia ese carácter de cinta de Moebius en que las obras de arte se convierten al entrar en la rueda sinfín que signa la relación entre creador y espectador. La última de ellas, Elegía de abril, estrenada el jueves pasado, no es la excepción. Será que, en su intento de abordar temas como el pasado y la memoria, lo único que deja claro es que no hay nada más incompleto, justamente, que esos conceptos.

Muy lejos de la narración cinematográfica tradicional, más proclive a la contemplación que a la verborragia y a la pausa más que al Fast Forward, el cine de Gustavo Fontán se toma su tiempo para ir a donde quiere llegar, y demanda del espectador la misma estrategia: la paciencia que siempre requiere la poesía. Y si justamente la poesía –la obra del entrerriano Juan L. Ortiz– había sido el eje sobre el que construyó la magnífica La orilla que se abisma, en Elegía de abril la cosa vuelve a empezar ahí: en un libro de poemas.

Como en su ópera prima El árbol, Fontán vuelve a meter su ojo en la vieja casa familiar del barrio de Banfield, el hogar de sus padres. El propio director prefiere hablar de ese ambiente como cotidiano antes que familiar: aquello que es extraño por proximidad (de ahí a la definición de lo siniestro de Freud hay apenas un empujoncito). Este nuevo retorno al hogar es la entrada a un túnel del tiempo más eficaz que el que en tantas versiones ha imaginado la ciencia ficción.

Entre las paredes de esa casa que habitan su madre y su tío, siempre iluminadas por un continuo atardecer (así es la luz en los suburbios), sin interferir, Fontán retrata con su cámara a su propio hijo mientras ayuda a Mary, su madre (nieto y abuela), a bajar de lo más alto de uno de esos enormes roperos viejos unos cuantos paquetones envueltos en resecos sudarios de papel madera. Se trata de la tirada completa de Elegía de abril, obra póstuma del poeta Salvador Merlino, el padre de Mary, que desde hace 50 años permanece sepultada allá arriba. La película construye un laberinto de esa cotidianidad familiar de la que habla Fontán: un director que filma a su madre y a su hijo exhumando un libro que su abuelo escribió en memoria de su propia madre, su bisabuela. De esa imbricada telaraña de parientes que orbitan el pasado nace la versión fílmica de Elegía de abril.

Pero enseguida esa complejidad argumental se traslada a lo formal. Y es que fondo y forma tienden a fundirse en la obra de Fontán. “En ese sentido soy medio ‘clásico’”, dice el director, “y creo que fondo y forma son una sola cosa.” La acción, que hasta entonces gira en torno a la madre, a su quiebre al recuperar ese pedazo de su padre, algo que fue evitado durante tanto tiempo. No pasan más de 15 minutos cuando Mary dice en cámara que está cansada y que no quiere seguir actuando. La película termina antes de empezar.

El propio director entra en el plano y pasa a formar parte de ese fresco: la realidad filmada se vuelve realidad concreta. Y como en la matemática, donde los términos iguales se simplifican, esa superposición de realidades desemboca en la ficción.

Lejos del final y del alivio, Elegía de abril agrega entonces un nuevo nivel: los actores Lorenzo Quinteros y Adriana Aizemberg llegan a Banfield, convocados para retomar los papeles que Mary y su hermano Carlos ya no quieren continuar. “Sus actos son así: pequeñas obras / que se agigantan porque se repiten / todos los días sin interrupción”; los versos de Salvador Merlino definen con 50 años de ventaja los papeles que los dos actores deben asumir.

Frente a sus máscaras, las presencias furtivas de Mary y Carlos se volverán fantasmagóricas, una característica que otras obras de Fontán ya exhibían. Los juegos con la luz, las persecuciones de originales y avatares por pasillos descascarados, los juegos con sonidos irreales y los rostros esfumados entre sombras, dan forma a un bajorrelieve en movimiento, en el cual la realidad nunca se pareció tanto a un artificio. Elegía de abril es un canto a la memoria, esa construcción incompleta que Fontán ofrece al espectador para que cada uno llegue a su propia definición. Para que otros encuentren las piezas secretas que él mismo no puede aportar.

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Magia y pérdida
Publicado en Cinemarama

Por David Obarrio

El proyecto del director Gustavo Fontán parece ser enorme, imposible. Filmar lo infilmable, eso que a cada rato se escapa: la memoria y el tiempo, las huellas secretas de aquello que, a falta de un nombre mejor, denominamos realidad; el sentimiento de pérdida y el modo implacable en el que sus señas permanecen sobre el mundo, como signos caligráficos cuya repentina visibilidad se adquiere a fuerza de mirar tenazmente a nuestro alrededor.

Es que, en verdad, el cine de Fontán podría estar sostenido en la premisa de que el cineasta no sabe prácticamente nada de antemano. No tiene pertrechos suficientes ni una guía confiable, apenas lo asisten la intuición y la voluntad. Claro que con eso no se hace una “película” cualquiera, mucho menos una “peli”: más bien se hace otra cosa, de una calidad diferente.

Un cine hecho en condiciones semejantes produce algo distinto, se aventura por los mismos senderos donde desfilan los fantasmas, que tienen semblantes difusos, proverbialmente elusivos.

¿La casa que vemos en Elegía de Abril es la misma que vimos en La madre? En todo caso, el chico es el mismo: Federico, el hijo de Fontán. Como si enhebrara un código de sangre, el director permite que la biografía y el sueño establezcan de una vez y para siempre una alianza de implicancias todavía por descubrirse.

Elegía de Abril es un canto en estado de vigilia que no reniega de la pulsión incomprensible y arrebatada del sueño ni toma, sin más, lo pedestre y cotidiano como único reaseguro de un orden verdadero y perdurable. Por el contrario, este cine prefiere adentrarse sin red en lo desconocido, confrontar con su material para fundirse inesperadamente en él; para encontrarse, de golpe, con que no se sabe qué hacer, cómo seguir adelante.

Como en el momento en el que la mujer que asiste al hallazgo de las cajas donde yacen unos libros intocados, salidos de la imprenta y olvidados desde hace cincuenta años, y cuyo autor es nada menos que su padre, se niega a seguir siendo filmada: “No quiero actuar más. Me cansé”, dice. Una vez más, el cine del director se torna una madeja de consistencia delicada ante la cual la percepción parpadea, incapaz de darse una tregua en la que el deslumbramiento ceda el paso a una comprensión cabalmente racional de lo que vemos. Elegía de Abril replica el nombre que da título al libro encontrado y se convierte, con un movimiento terminante, en rotunda continuación de la poesía por otros medios.

Aunque tiene en su centro el vacío de una pérdida, Elegía de Abril es melancólica de un modo extraño, apenas perceptible. El desdoblamiento de personajes reales y actores produce un vuelco definitivo que establece el modo en el que el cine puede acercarse al mundo: encarnándolo, poniéndole una cara y una voz.

Pero lo mejor del caso es que ese mundo al que se intenta domesticar con la representación no termina nunca de desvanecerse. En cambio, persiste como síntoma y advertencia: el cine sólo se acerca al mundo, hace fintas con su propia sombra, como mucho se repliega sobre sí mismo para apechugar el sinsabor de una derrota largamente presentida. En el cine de Fontán son esas presencias las que más cuentan.

Las que se conjuran y hacen magia. Las que le comunican, no al suyo sino a todo el cine, que aquello que se agita y gira a nuestro alrededor es opaco y en última instancia inaprensible. Como en el mejor cine, la falta de certezas deberá ser un alimento. Una clase de combustible difícil de conseguir, un estallido de júbilo cocido en el silencio y la sombra que ponga la mirada siempre en marcha, que la afile, que extraiga el aliento provisorio con el que seguir buscando.

Críticas: Elegía de abril, de Gustavo Fontán

2010-10-31T09:57:00.000-07:00

Diario Clarín
Por: Miguel Frías
Calificación: Muy buena.

Lo bello y lo triste

Con su clásica capacidad para crear filmes cargados de lirismo, Gustavo Fontán indaga en la memoria de su familia.

Gustavo Fontán elabora cine como si elaborara sueños. Combinando sus sensaciones y su cotidianidad crea imágenes -leves o marcadas distorsiones de lo real- que, a la vez, generan nuevas y múltiples sensaciones en el que mira (o, mejor dicho, siente) sus películas. Pequeños milagros sensoriales.

Elegía de abril nos deja un sedimento de belleza y melancolía, de asombro y resignación ante el paso del tiempo, de tristeza infinita ante la ausencia y, también, de consuelo por las pequeñas huellas dejadas en los otros, por la continuidad generacional. Elementos de un autor de enorme sensibilidad y valentía. De un realizador que jamás condesciende a lo que esté fuera de su pulsión artística: al mercado, por ejemplo.

Elegía ...es la segunda película de “El ciclo de la casa”. La primera fue la extraordinaria El árbol ; la próxima será La casa .

Elegía ...comienza con el hijo de Fontán, Federico, bajando de un placard los libros de poemas que el abuelo del realizador, Salvador Merlino, había enviado a imprimir antes de morir, en 1959. La madre de Fontán, Mary, recuerda en esas primeras secuencias a su padre escritor. También lo hace el tío de Fontán, Carlos, hermano de Mary. Pero, poco después, ella, tal vez arrebatada por la angustia, se niega a seguir participando en la película.

¿Qué hace Gustavo Fontán? Convoca a Adriana Aizenberg y a Lorenzo Quinteros, para que ocupen los roles de los dos hermanos que evocan, no siempre verbalizándolo, al padre muerto. Obviamente, no oculta este mecanismo; no procura hacer un docudrama . Al contrario: cruza a actores y no actores en un ejercicio de efecto onírico. Traspasa, deliberadamente, las difusas barreras de lo que consideramos real e irreal. ¿Son irreales los componentes del arte o de los sueños? Claro que no. Fontán sabe transmitir esta afirmación a través de imágenes tan delicadas como hermosas y dolorosas, cargadas de reflejos, sombras, fragmentaciones, enfoques y encuadres nuevos, texturas y sonidos.

La vejez, la muerte, el ejercicio de la memoria y, sobre todo, los legados generacionales recorren la obra del director. Somos la memoria de quienes nos han precedido y por supuesto lo que hacemos con eso. Fontán opta por hacer cine. Las secuencias en que su cámara capta en 16 mm a su hijo captando, en digital, a su abuela o a la representación de su abuela provocan un efecto de continuidad generacional, de modesta inmortalidad humana.

Por último: existe tensión entre Mary y Carlos. El no quiere “bajar a papá del ropero”. Ella sugiere “bajarlo y donarlo”. Antes de este estreno, Fontán regaló ejemplares de Elegía ...(un canto de Merlino a la muerte de su padre) junto con copias de su película, del mismo nombre. Una toma de posición ante la vida; un modo conmovedor de recuperar a su abuelo que ha muerto y que no ha muerto.

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Diario Ámbito Financiero
Por: Paraná Sendrós

Ensayo poético sobre los objetos familiares

Cabe entender esta obra como un paso intermedio, ya que es la segunda de una trilogía poética en formación. La primera fue «El árbol», donde un matrimonio mayor se ve en la obligación de cortar una acacia que el hombre plantó el mismo día del nacimiento del hijo, pero que con los años se secó y pasó a ser un peligro. Muy sensible obra. Se dice que la tercera, «La casa», tendrá como protagonista al hogar y los objetos del hogar cuando ya nadie lo habite. Entre medio está la que ahora vemos. Empieza mostrando a dos hermanos ya viejos con diferentes actitudes ante la remoción de algo del pasado, y de a poco se va dedicando a los rincones, los enseres ínfimos que acompañan toda una vida, el gato viejo, y la luz que da sobre las antiguas cortinas de la casa, cuyos habitantes también parecen parte del lugar, más que sus dueños.

«¿Qué lengua de poeta/ dará categoría a lo menudo, / a las cosas vulgares, despreciables, / esas que al parecer no dicen nada/ y llevan, sin embargo, muy adentro/ muchedumbres de flores escondidas, / como la caja de zapatos vieja, / como las ruedas de los carreteles, /como las piezas del reloj gastado (.)?», se preguntaba Salvador Merlino en su libro «Elegía de abril». Casualmente ese libro es el objeto del pasado que se remueve. Los dos hermanos son sus hijos Carlos Alberto, también poeta, y Mary, madre del cineasta Gustavo Fontán, quien registra el momento en que el biznieto abre los paquetes de una edición que llegó a la casa cuando el escritor ya había muerto, y ahí quedaron, guardados durante años.

Salvador Merlino escribió también «Elegía de octubre», «El amor desencantado», «Canción de vacaciones», varios otros, todos sencillos y tocantes. En la película su hija lee uno muy lindo sobre un inmigrante, seguramente su padre, «con los bolsillos solos, con sus alegres cantos», a quien la Argentina le dio «su trato llano, para envolver el sueño de la casa en Lugano». El vivía ahí. Una escuelita de Lugano lleva hoy su nombre. Pero nadie lo recuerda.

Gustavo Fontán, contemplativo, prácticamente no nos cuenta nada. Sólo deja que miremos como él y nos demos cuenta, mientras su hijo adolescente mira a su modo y registra todo con una camarita movediza, entrometida. Sucede entonces algo singular. Ante la retracción de los mayores, la mínima narración sigue con actores que los reemplazan, aportando otra energía. No es un documental, entonces, lo que vemos, sino un ensayo poético sobre los objetos que conforman la memoria familiar, y los mayores que mantienen a la vez memoria y distancia, permitiendo a los demás alimentar la fantasía y los recuerdos propios. Muy justo, en ese sentido, un episodio infantil que aparece inesperada pero muy adecuadamente hacia el final. Ahora esperemos la tercera parte.

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Sitio: Otros Cines
Por: Diego Batle
Calificación 3 ½ (sobre 5)

Fantasmas del pasado

El talentoso director de Donde cae el sol, El árbol, La casa, La orilla que se abisma y La madre combina documental y ficción para narrar una historia de índole autobiográfica: la de su abuelo, el poeta Salvador Merlino, y -más puntualmente- la de su libro póstumo, Elegía en Abril (su autor nunca lo vio publicado), cuyos ejemplares quedaron guardados durante cinco décadas en lo alto de un armario de la casona familiar.

La apertura de las cajas genera un cimbronazo emocional en las tres generaciones de la familia (la madre y el tío de Fontán, el propio director y su hijo adolescente). Pero, poco a poco, el realizador se juega con una apuesta riesgosa: los personajes reales van desapareciendo de forma progresiva para darles lugar a los de ficción (Lorenzo Quinteros y Adriana Aizenberg).

Fantasmagórico, bello, climático, lírico, melancólico, íntimo y sensorial ensayo sobre la ausencia y el paso del tiempo, con algo del primer José Luis Guerín, se trata de otro interesante aporte en la persistente, infatigable carrera del realizador, siempre respaldado por su dream-team artístico liderado por el DF Diego Poleri y el sonidista Javier Farina.

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Sitio: Escribiendo Cine
Por: Ezequiel Obregón
Calificación: 4 (sobre 5)

Memoria de familia

A través de una filmografía pequeña en torno a su producción, pero grande en cuanto a los sentidos que despliega, Gustavo Fontán ha ido gestando una poética en donde la imagen y su registro es un tema central. Con esta nueva película indaga en la memoria de su propia familia a través de la obra de su abuelo, el poeta Salvador Merlino.

Ya en El árbol (2006) Gustavo Fontán se sumergía en una eterna pregunta: la de la herencia. La posible desaparición de un árbol le servía para reflexionar sobre la fragilidad de la vida y la persistencia del recuerdo. Recuerdo -claro está- fragmentario, incompleto. Un tema ampliado en su nueva obra, que emerge del encuentro con los tomos de la obra que le da título al film, que estaban en prensa en el momento del fallecimiento de Merlino.

Si en su película anterior, La madre (2009) el realizador trabajaba la imagen desde un manierismo casi pictórico, aquí apuesta por la saturación, la mixtura de formatos, la cámara en mano. A tono con su estética, sus padres, su hijo y él mismo deambulan por la película, rememorando y trayendo al presente la biografía y obra de este artista. Hay una voluntad verista en la aproximación del registro cotidiano, en donde el trabajo con la banda sonora resulta crucial. Pero Gustavo Fontán impregna a su nuevo relato de una atmósfera fantasmagórica, cargada de sentido a través de la ausencia.

¿Qué vínculo entre la obra y la vida de su abuelo se puede desplegar en el anecdotario familiar? ¿Qué sucede cuando este vínculo produce confrontaciones ya no entre los que se fueron, sino entre los que quedaron? En un momento decisivo, los puntos de vista de sus padres se bifurcan, y entran en escena Adriana Aizemberg y Lorenzo Quinteros para continuar con la indagación. En este juego de presentaciones y representaciones hay mucho del Godard más anárquico (si se me permite el parangón político) y de la obra (la literaria y la cinematográfica) de Margarita Duras, en cuanto a la exploración obsesiva de cómo la producción de sentido de la historia y de la memoria suelen seguir carriles bien distintos.

Desde ya que Elegía de abril (2010) es una obra “abierta” e inconclusa adrede. La cámara digital de Federico Fontán (el bisnieto) puede decir mucho del espectador contemporáneo, pero esta aseveración y tantas otras quedan a libre interpretación del receptor. Se trata de una película compleja, que demanda un espectador capaz de aceptar este relato poético tan revelador y emotivo.

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REVISTA XXIII
Por Amadeo Luka
ELEGÍA DE ABRIL. Dirección: Gustavo Fontán. Con Adriana Aizenberg, Lorenzo Quinteros, Federico Fontán. ’64. 4 (cuatro) zapatos (4/5) Muy buena

Con creatividad y sensibilidad, el cineasta Gustavo Fontán presenta a través de Elegía en Abril una historia autobiográfica que gira alrededor de su abuelo poeta y la suerte de un libro póstumo que no alcanzó a ser distribuido. Nunca mejor dicho que una película combina documental y ficción como ésta, cuyo título cita el del libro de ese hombre llamado Salvador Merlino, punto de partida de un bello ejercicio cinematográfico. El director propone una experiencia singular para narrar esa situación que arranca con la búsqueda de unos olvidados envoltorios en lo alto de un placard, “reemplazar” a quienes hacían esa tarea –sus propios padres- con los actores Lorenzo Quinteros y Adriana Aizenberg, que ocuparán sus lugares para desarrollar dramáticamente vivencias que tienen que ver con una íntima reconstrucción de la memoria.

Como un ensayo puesto a la vista de un trabajo por editar que en realidad ya está –y muy bien- hecho, el film va desenvolviendo, al igual que esos polvorientos paquetes que guardaban ejemplares poéticos, una trama llena de sentimientos, evocaciones y pequeños tributos. Salpicada visualmente con apuntes sensoriales, estéticos y emocionales, Elegía de abril parece ser el mejor trabajo de Fontán, luego de su algo antojadiza La madre. El sustancioso aporte interpretativo de Quinteros, Aizenberg y el joven Federico Fontán redondean una breve pero entrañable joya.

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Sitio: Cinefreaks
Por Pablo Arahuete
9 puntos

“Representar no es otra cosa que renovar la mirada. Es reconstruir con lo que se tiene y con lo que no se tiene un espacio diferente, que visto desde una cámara (en este caso dos: una que registra lo que la otra filma) siempre resulta distinto pese a estar poblado por objetos inmóviles que no son otra cosa que la huella de algo que ya no está. Objetos que evocan presencias; que evocan fantasmas que se niegan a ser recordados.

Pero es la memoria, la de los recuerdos pasados, aquella que se empecina en atraparlos y de esa forma revivirlos aunque más no sea en esa instancia efímera que puede durar un parpadeo o un abrir y cerrar de ojos. Elegía de abril es el nombre de un libro de un poeta, Salvador Merlino –abuelo de Gustavo Fontán- que durmió durante casi 50 años en un estante y por ese capricho de la memoria recupera identidad a partir de este nuevo opus del mismo nombre, un desafío cinematográfico que nos propone el realizador de El paisaje invisible.

Como se decía anteriormente y siguiendo una línea conceptual, que ya aparecía tanto en El árbol y en La madre, la idea de la representación cinematográfica expone aquí sus dobleces en un relato de búsqueda en donde la poética del director suma elementos, como por ejemplo el de exponer el artificio del cine en un improvisado set de rodaje en la casa familiar donde vivió por más de 20 años, con actores reconocibles de la talla y prestigio de Lorenzo Quinteros y Adriana Aizemberg, que vienen a ocupar los roles que los verdaderos protagonistas, la madre del director y su tío, rechazan en medio del rodaje.

No obstante, lejos de quedarse con la mímesis de los actores, lo que se convoca verdaderamente en este film es el disparador de los propios recuerdos y fantasmas a partir de un espacio donde la realidad se diluye; y la casa, atestada de objetos, deviene espacio lúdico en el que la cámara y sus presas se trenzan en la lucha entre lo oculto y lo revelado y el propio Fontán reflexiona a partir de las imágenes (meritorio trabajo de Diego Poleri en la fotografía) y fragmentos sobre los propios límites del registro y la enunciación de lo que ocurre.

No importa tanto el nombre de Salvador Merlino o la casa familiar del barrio de Banfield más que como anécdota o pretexto narrativo. Lo verdaderamente trascendente en Elegía de abril –quizás el cierre de la que podría denominarse trilogía de Banfield si el director lo permite- es la voz de un poeta y la presencia de un gato negro de ojos inquisidores que nos mira como aquel de La orilla que se abisma en ese viaje mágico por el rio para confrontarnos con otro poeta como Juan L. Ortiz. La de Merlino es la voz de un poeta que nadie escucha pero que vive en el silencio de los objetos que la evocan como un busto sin ojos que le ganó la batalla al tiempo y a la muerte.

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Sitio: A sala llena
Por: Rodolfo Weisckrich
Elegía de Abril (Argentina 2010)
Guión y Dirección: Gustavo Fontán. Producción: Gustavo Fontán, Guillermo Pineles, Elenco: María Merlino, Carlos Alberto merlino, Federico Fontán, Adriana Aizenberg, Lorenzo Quinteros. Distribuidora: Lola Silberman. Duración: 63 minutos.

Aquel Querido Mes de Abril

“Cuando deseen filmar, elijan historias cercanas a ustedes. Relatos que sean amenos. Temas que conozcan”

Esta frase me quedó impregnada en el recuerdo. La dijo mi profesor de dirección cinematográfica en el segundo año de la facultad. Su nombre: Gustavo Fontán.
Muchos directores no son fieles a sus palabras, sus obras no muestran aquello que enseñan. Se contradice el discurso con la obra. Pero en el cine de Gustavo Fontán, esta norma es llevada casi al extremo. No hay película que no sea personal, y cuando me refiero a personal, no hablo solamente de un pensamiento, una ideología, una temática similar. Gustavo Fontán es un antropólogo de su propio árbol familiar, que logra converger la poesía, el cine y la memoria.
Licenciado en literatura en la UBA, poeta, profesor y director de cine, Fontán empezó su carrera con cortos mediometrajes dedicados a la vida de otros poetas como Leopoldo Marechal, Macedonio Fernández y Jacobo Fijman. Desde ese momento, empezó la búsqueda de una estética que intercala ficción y documental.

Su primer largometraje que no se basa en una historia verídica es Donde Cae el Sol (2002). Aunque se inspira en la relación que tenía él con su propio abuelo, este último trabajo de Alfonso de Grazia, demostraba que el realizador podía contar un pequeño cuento, con sencillez, sutileza, elementos amenos y cotidianos, pero sobretodo fluidez narrativa.
Con El Arbol comenzó la trilogía de “La Casa” que, sigue con Elegía de Abril y terminará con La Casa.

Recuerdo que para ejemplificar su pensamiento, Gustavo siempre nos hablaba sobre como estaba realizando El Arbol, en que se basaba para grabarla. Porque más allá del hecho de grabar a sus padres, y tener como actor fetiche a su propio hijo, el director utiliza elementos de su infancia que son palpables y se pueden conectar con el pasado de todos.

Y ahí está la verdadera conexión del director con el público. No, en lo que provocan las imágenes en el momento, sino en lo que cada uno conecta con sus películas. Sus obras no solamente son audiovisuales, sino que son palpables, tiene aromas reconocibles. Esa casa, ese árbol, esa familia, no es nuestra, pero de algún modo es nuestra propia familia.

Compañeros míos de la misma facultad donde da clases Fontán, Marcelos Scoccia y Cyntia Grabenja grabaron el corto La Mia Casa, ganador en el último Bafici, que justamente muestra lo mismo. Como el árbol familiar de uno se puede convertir en el nuestro, si reconocemos lo extra cinematográfico. Hablo de elementos que no necesitan explicaciones.

Es por eso que valoro Elegía de Abril y El Arbol sobre el resto de las películas de Fontán. Porque a pesar de que Donde Cae el Sol y La Madre, sus obras llanamente de ficción tienen el lirismo y la temática, de estos seudos documentales, están ausentes de aquello, por lo que el cine el Gustavo más me gusta. Como su historia es la mía.

En el medio de estas obras, también realizó un homenaje extraño y vanguardista sobre la vida de Juan L. Ortiz. Un trabajo más cercano al cine experimental: La Orilla que se Abisma. Un trabajo hermoso.

¿Por qué la hizo? Quizás la necesidad de que pase el tiempo… Ya que Elegía de Abril no se puede hacer en cualquier momento. Es una película sobre la espera…
“Salvador Merlino, fue poeta. Su poesía celebra lo sencillo de la vida, la belleza de lo simple y, a su vez, los aspectos más trascendentes del hombre”.

Esta es la definición que Fontán saca sobre su abuelo. Definición que quizas su nieto saque alguna vez de él.

Elegía de Abril, a pesar de todo no es la historia de Salvador ni sobre el último libro del mismo. Sino una mirada sobre los que están vivos: sus hijos Mary (madre de Gustavo) y Carlos (el tío).
A pesar de vivir juntos, Mary y Carlos están distantes. Les cuesta recordar la relación que tenían con su padre, y prefieren que su obra inédita, “Elegía de Abril” quede guardada en un ropero o se la lleve Gustavo.

En el principio, el director sigue a ambos desde dos perspectivas: la suya y la de su hijo, Federico que graba todas las acciones con una cámara casera. Pero pronto ambos, se cansan de “actuar” y Fontán se queda “sin película”.

Por lo que resuelve llamar a dos actores profesionales para que “reemplacen” a su madre y su tío: Adriana Aizemberg y Lorenzo Quinteros. El trabajo de ambos, obviamente es impecable, aunque los verdaderos son mucho más emocionantes.

Al igual que en Aquel Querido Mes de Agosto de Miguel Gomes, se pasa del documental a la ficción en un paso. En el medio solo vemos al equipo técnico definiendo que van a hacer.
Pero la estética no cambia en sí. Es un cine contemplativo, donde las conclusiones no se explican. El espectador se convierte en miembro de la familia a nivel literal y tiene que sacar sus propias conclusiones sobre porque las personas con las que vive, se comportan siempre de la misma manera, porque se relacionan de la manera en que lo hacen, porque se comunican como se comunican. Fontán no da respuestas, y no esperen un final conciliatorio de su parte.
El cine de Gustavo no solamente es rico a nivel visual, no solamente es preciosista en cada plano detalle, sino que además tiene varios matices narrativos, capas que se van explorando sobre la memoria que se tiene sobre los muertos y el tiempo. Porque más allá de que se vuelva o no monótono el relato, lo verdaderamente admirable es la paciencia que tiene para realizarlo y la eficiencia que tiene al transmitirlo.

Un lenguaje sencillo, belleza en lo simple, que a la vez habla de los aspectos más básicos y trascendentes del hombre. Salvador Merlino hubiese estado orgulloso de él.

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Diario La Nación
Por: Adolfo Martínez
Calificación: Mala

Elegía de abril (Argentina/2010). Dirección y guión: Gustavo Fontán. Con Adriana Aizenberg, Lorenzo Quinteros, Federico Fontán, María Merlino y otros. Fotografía: Diego Polero. Presentada por Tercera Orilla-Insomniafilms. Hablada en español. Duración: 64 minutos. Calificación: apta para todo público.
Nuestra opinión: mala

Poeta que celebró lo sencillo de la vida, la belleza de lo simple y, además, los aspectos más trascendentes del hombre Salvador Merlino escribió, entre otros quince títulos, el libro Elegía de abril , dedicado a la muerte de su padre, que no pudo ver publicado, ya que su fallecimiento se produjo cuando ese volumen estaba todavía en imprenta. A casi cincuenta años de la desaparición del poeta, el director Gustavo Fontán, y como parte de una trilogía fílmica integrada, además de por este film, por El árbol y La casa , esta última producción aún inédita intentó rendirle homenaje a ese hombre que con su pluma comprendió lo más hondo del ser humano. El tema era, sin duda, atrayente para ser llevado al cine, pero el realizador se dejó tentar por elementos tan oscuros como incomprensibles en su afán de dar a conocer el último intento literario de Merlino.

La trama (de alguna manera hay que llamar a lo que se ve reflejado en la pantalla) narra las diversas situaciones en las que el nieto del poeta desenvuelve los paquetes ya polvorientos de los ejemplares de Elegía de abril que habían quedado guardados durante décadas en lo alto de un armario. Ello genera un problema con las tres generaciones de la familia y de pronto los personajes reales van desapareciendo en forma ambigua para dar lugar a los de ficción. Con una cámara que se mueve lentamente sobre muebles y cortinados, Fontán supuso que ello era suficiente para dar calidez a su historia, pero la monotonía se apodera bien pronto de ese difícil entramado y cae indefectiblemente en una entreverada madeja que nunca llega a conmover ni a interesar.

Adriana Aizenberg y Lorenzo Quinteros se esfuerzan por dar vida a esas sombras fantasmales que recorren diversos aspectos de un guión tan presuntuoso como incomprensible, mientras que el resto del elenco transita sin emoción por este film que, sin duda, pronto caerá en el olvido. Lo que, sin duda, es lamentable, ya que Salvador Merlino merecía un mejor homenaje cinematográfico.

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LA PRENSA
Por Juan Carlos Fontana

Los recuerdos familiares

El argentino Gustavo Fontán habla de ausencias en este nuevo filme, en el que mezcla el documental y la ficción. El director y guionista elige nuevamente como en sus anteriores -"La madre" y "El árbol"- a integrantes de su familia, para contar una historia que habla de recuerdos y de una melancolía infinita, que tiene su punto de partida en su propio árbol genealógico.
El abuelo del realizador es el poeta Salvador Merlino (1903-1959) y uno de sus libros, el que da título a la película "Elegía de abril", habla de la muerte del padre. Es precisamente la madre de Fontán, María Merlino la que le pide a su nieto le baje unos paquetes de libros guardados en un placard. Esos libros que escribió el padre de la mujer, permanecieron archivados durante cincuenta años y en 2009, en una vieja casona de Banfield, la hija del escritor siente que es hora de que su hijo y su nieto den a conocer esa obra, la regalen o elijan qué destino darle.
RELATO INTIMO

La madre del director, que actuó en otros filmes, en determinado momento de esta película se rehúsa frente a la cámara a seguir actuando y Fontán debe buscar un reemplazo. Es en ese momento cuando el documental da lugar a la ficción y entran en "cuadro", Adriana Aizemberg y Lorenzo Quinteros, que hace el papel del hermano de la mujer.

A partir de estas nuevas incorporaciones, incluida la presencia del hijo del realizador, Federico, la historia se convierte en una saga familiar, prácticamente fantasmal, misteriosa, en la que los personajes reales, se mezclan con los ficcionales, para dar paso a situaciones, que en algunos casos incluyen pequeñas y humorísticas anécdotas y en otros, sólo van revelando un atisbo de negaciones que pueblan la vida de estas criaturas que parecen detenidas en el tiempo.

En "Elegía de abril" como en sus anteriores obras, Fontán invita al espectador a dejarse llevar por la imaginación y la sensorialidad que puedan despertarle sus imágenes, por instantes veladas, o poco legibles y en otros de contundente presencia, como algunos primeros planos de un gato negro, que parecen agudizar la cuota se extrañeza que el mismo filme es capaz de desencadenar en el espectador.

Con esta historia Fontán parece inaugurar un caudal creativo nuevo, de un hipnótico marco poético, en el que los personajes, representan las piezas de un relato lúdico que por momentos sólo parecen fruto de la imaginación del que ve la película.

El filme tiene la intención de dejar que el propio espectador complete la obra con sus recuerdos, o la observe como un relato bastante hermético, pero en todo caso son las mismas imágenes las que despiertan una percepción distinta en el que la ve. Un interrogante que parece querer abrir el director con esta nueva película es si el cine, en verdad no es nada más que un grupo de figuras fantasmáticas que pueblan la imagen de extrañas sensaciones.

María y Carlos Merlino y Adriana Aizemberg y Lorenzo Quinteros, aportan su capacidad de juego y profesional permitiendo que la historia adquiera un notable nivel de verosimilitud.

J. C. F.

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Página 12
Por Luciano Monteagudo
Calificación: 7

Una casa hecha de recuerdos y fantasmas

El autor de El árbol vuelve a trabajar sobre una experiencia personal que logra trascender ese límite para intentar una reflexión sobre la inexorabilidad del paso del tiempo.

El cine de Gustavo Fontán siempre ha trabajado un registro íntimo en un sentido poético, más allá de si su inspiración es una reinterpretación de la obra de Juanele Ortiz, como sucedía en La orilla que se abisma (2008), o toma como excusa la exhumación del libro póstumo de su abuelo, Salvador Merlino (1903-1959), como sucede ahora en Elegía de abril. Esa intimidad esencial de los films de Fontán tiene a su vez un fuerte anclaje familiar, que aquí es casi aún más poderoso que en El árbol (2006), la primera entrega de una trilogía dedicada a la casa de Banfield donde nació el realizador y de la que esta nueva elegía dedicada al transcurso del tiempo es su segundo capítulo.

La singularidad de la obra de Fontán radica precisamente en la operación por la cual aquello que pertenece al ámbito de su propia experiencia personal alcanza a transcender ese límite para intentar una reflexión sobre la inexorabilidad del paso del tiempo y sobre los ecos que el pasado sigue haciendo resonar sobre el presente. Es la mirada, el punto de vista de Fontán el que hace la diferencia, su capacidad para ver el detalle revelador y profundo allí donde otro director apenas vería la superficie de las cosas.

Y las cosas, los objetos, la casa misma son determinantes en Elegía de abril, un film cargado de reminiscencias, empezando por esos libros que el abuelo de Fontán llegó a recoger de la imprenta, pero que nunca alcanzó a distribuir, porque pasó de un sueño a otro. “Tuvo la muerte de los santos”, recuerda Mary, su hija, la madre del realizador, que al comienzo del film parece que será la protagonista.

Es ella quien intenta sacar a su hermano Carlos de la postración en que se encuentra, recluido en su cuarto, dedicado a sus recuerdos, “pagando viejas deudas de amor”, como él mismo dice. Es ella quien autoriza a sacar los libros de Merlino del armario donde estuvieron recluidos durante cincuenta años, para que vuelvan a respirar fuera de su mortaja de papel madera e hilo sisal. Pero el esfuerzo parece demasiado y de pronto la señora Mary dice: “Ya no actúo más, me cansé”. Allí Fontán da cuenta de su desconcierto, del quiebre que produce esa determinación en la película, desnudando el artificio del cine. Los planos, que hasta ese momento eran cerrados, se abren y se ve al sonidista con su “jirafa” y al propio director, repartiendo entre su equipo los libros de su abuelo, como si con ese gesto diera por terminado el film que acababa de iniciar.

¿Verdad o artificio? Poco importa en un film que se ocupa de borrar las fronteras entre documental y ficción. Ante el renunciamiento de su madre, no tardarán en llegar dos actores a la vieja casa de Banfield. Adriana Aizenberg y Lorenzo Quinteros tocan a la puerta, saludan a Mary y a Carlos y asumen sus personajes, sus manías, sus tics. Se diría incluso que sus recuerdos. Hay una suerte de ejercicio de memoria emotiva en sus improvisaciones a la vista. Es evidente un espíritu lúdico en ese juego en el que personas y personajes comparten un mismo plano.

En un film que asume esos riesgos, no se puede pedir homogeneidad. Hay momentos que funcionan mejor que otros. La textura de la cámara profesional compite con la camarita digital que opera el hijo de Fontán y no siempre queda claro por qué la edición elige uno u otro registro. Hay tiempos muertos que se cargan de significados y otros que pesan quizá más de lo que deberían. Pero hay una secuencia, cerca del final, que le da al film su verdadero carácter fantasmagórico, una puesta en abismo en la que los actores parecen perseguir por los pasillos y por las habitaciones de la casa los cuerpos de aquellos de quienes tienen que apropiarse, aquellos a quienes tienen que “encarnar”. Mientras, se sigue escuchando, imperturbable, la tenue, solitaria campana de un reloj carrillón, que clava sus horas como agujas en la conciencia.

Crítica: Elegía de abril, por Rodolfo Weisskirch

2010-10-26T17:12:00.000-07:00

Hola, amigos.

Esta crítica es muy emotiva para mí y por eso la quería compartir con ustedes.

Un abrazo

Gustavo

Elegia de Abril
Por Rodolfo Weisskirch

Aquel Querido Mes de Abril

“Cuando deseen filmar, elijan historias cercanas a ustedes. Relatos que sean amenos. Temas que conozcan”.

Esta frase me quedó impregnada en el recuerdo. La dijo mi profesor de dirección cinematográfica en el segundo año de la facultad. Su nombre: Gustavo Fontán.

Muchos directores no son fieles a sus palabras, sus obras no muestran aquello que enseñan. Se contradice el discurso con la obra. Pero en el cine de Gustavo Fontán, esta norma es llevada casi al extremo. No hay película que no sea personal, y cuando me refiero a personal, no hablo solamente de un pensamiento, una ideología, una temática similar.

Gustavo Fontán es un antropólogo de su propio árbol familiar, que logra converger la poesía, el cine y la memoria. Licenciado en literatura en la UBA, poeta, profesor y director de cine, Fontán empezó su carrera con cortos mediometrajes dedicados a la vida de otros poetas como Leopoldo Marechal, Macedonio Fernández y Jacobo Fijman. Desde ese momento, empezó la búsqueda de una estética que intercala ficción y documental.

Su primer largometraje que no se basa en una historia verídica es Donde Cae el Sol (2002). Aunque se inspira en la relación que tenía él con su propio abuelo, este último trabajo de Alfonso de Grazia, demostraba que el realizador podía contar un pequeño cuento, con sencillez, sutileza, elementos amenos y cotidianos, pero sobretodo fluidez narrativa.

Con El Arbol comenzó la trilogía de “La Casa” que, sigue con Elegía de Abril y terminará con La Casa.

Recuerdo que para ejemplificar su pensamiento, Gustavo siempre nos hablaba sobre como estaba realizando El Arbol, en que se basaba para grabarla. Porque más allá del hecho de grabar a sus padres, y tener como actor fetiche a su propio hijo, el director utiliza elementos de su infancia que son palpables y se pueden conectar con el pasado de todos.

Compañeros míos de la misma facultad donde da clases Fontán, Marcelos Scoccia y Cyntia Grabenja grabaron el corto La Mia Casa, ganador en el último Bafici, que justamente muestra lo mismo. Como el árbol familiar de uno se puede convertir en el nuestro, si reconocemos lo extra cinematográfico. Hablo de elementos que no necesitan explicaciones.

Es por eso que valoro Elegía de Abril y El Arbol sobre el resto de las películas de Fontán. Porque a pesar de que Donde Cae el Sol y La Madre, sus obras llanamente de ficción tienen el lirismo y la temática, de estos seudos documentales, están ausentes de aquello, por lo que el cine el Gustavo más me gusta. Como su historia es la mía.

En el medio de estas obras, también realizó un homenaje extraño y vanguardista sobre la vida de Juan L. Ortiz. Un trabajo más cercano al cine experimental: La Orilla que se Abisma. Un trabajo hermoso.

¿Por qué la hizo? Quizás la necesidad de que pase el tiempo… Ya que Elegía de Abril no se puede hacer en cualquier momento. Es una película sobre la espera…

“Salvador Merlino, fue poeta. Su poesía celebra lo sencillo de la vida, la belleza de lo simple y, a su vez, los aspectos más trascendentes del hombre”.

Esta es la definición que Fontán saca sobre su abuelo. Definición que quizas su nieto saque alguna vez de él. Elegía de Abril, a pesar de todo no es la historia de Salvador ni sobre el último libro del mismo. Sino una mirada sobre los que están vivos: sus hijos Mary (madre de Gustavo) y Carlos (el tío). A pesar de vivir juntos, Mary y Carlos están distantes. Les cuesta recordar la relación que tenían con su padre, y prefieren que su obra inédita, “Elegía de Abril” quede guardada en un ropero o se la lleve Gustavo. En el principio, el director sigue a ambos desde dos perspectivas: la suya y la de su hijo, Federico que graba todas las acciones con una cámara casera.

Pero pronto ambos, se cansan de “actuar” y Fontán se queda “sin película”. Por lo que resuelve llamar a dos actores profesionales para que “reemplacen” a su madre y su tío: Adriana Aizemberg y Lorenzo Quinteros. El trabajo de ambos, obviamente es impecable, aunque los verdaderos son mucho más emocionantes.

Al igual que en Aquel Querido Mes de Agosto de Miguel Gomes, se pasa del documental a la ficción en un paso. En el medio solo vemos al equipo técnico definiendo que van a hacer.

Pero la estética no cambia en sí. Es un cine contemplativo, donde las conclusiones no se explican. El espectador se convierte en miembro de la familia a nivel literal y tiene que sacar sus propias conclusiones sobre porque las personas con las que vive, se comportan siempre de la misma manera, porque se relacionan de la manera en que lo hacen, porque se comunican como se comunican. Fontán no da respuestas, y no esperen un final conciliatorio de su parte.

El cine de Gustavo no solamente es rico a nivel visual, no solamente es preciosista en cada plano detalle, sino que además tiene varios matices narrativos, capas que se van explorando sobre la memoria que se tiene sobre los muertos y el tiempo. Porque más allá de que se vuelva o no monótono el relato, lo verdaderamente admirable es la paciencia que tiene para realizarlo y la eficiencia que tiene al transmitirlo.

Un lenguaje sencillo, belleza en lo simple, que a la vez habla de los aspectos más básicos y trascendentes del hombre. Salvador Merlino hubiese estado orgulloso de él.

Elegía de abril: estreno en el cine Gaumont

2010-10-17T18:19:00.001-07:00

Amigos:

A partir del 28 de octubre podrán ver ELEGIA DE ABRIL en el cine Gaumont!

Todos los que hicimos la película esperamos ansiosos el momento!

Si quieren pueden ver el trailer en http://www.elegiadeabril.com.ar/

Un fuerte abrazo a todos

Gustavo

Intérpretes

ADRIANA AIZENBERG, LORENZO QUINTEROS, FEDERICO FONTÁN, MARÍA MERLINO, CARLOS MERLINO

Guión y Dirección

GUSTAVO FONTÁN

Fotografía
DIEGO POLERI

Fotografia Fija
GUSTAVO SCHIAFFINO

Sonido
JAVIER FARINA

Montaje
MARIO BOCCHICCHIO

Director de Arte
ALEJANDRO MATEO

Productor ejecutivo
GUILLERMO PINELES

Asistente de dirección
JUAN GARCILAZO

Primero de Dirección
ALEJANDRO NANTÓN

Producción
TERCERA ORILLA, INSOMNIAFILMS e INCAA

Los fantasmas materiales, por Roger Koza

2010-09-26T15:30:00.000-07:00

Sobre Elegía de abril, de Gustavo Fontán, Argentina, 2010

“El cine es un arte de fantasmas, una batalla de espectros… Es el arte de facilitar que los fantasmas regresen”. La sentencia, extraña pero precisa, es de Jacques Derrida, el famoso filosófo de la deconstrucción. Así lo expresa en un film no lineal dirigido por Ken MacMullen, Ghost Dance (1983). Allí, Derrida se presenta como un fantasma, un ventrílocuo de otro mundo que habla a través de su cuerpo.

Lo que dice el autor de El animal que luego estoy si(gui)endo se aplica a la perfección al último film de Gustavo Fontán. Un libro surge de las cenizas: guardado en un placard por más de 50 años, Elegía de abril, del poeta Salvador Merlino, libro póstumo de un género casi póstumo, el poético, que siempre parece estar destinado a la postergación y al anacronismo, es redescubierto cuando la hija del autor decide revivirlo; o más bien testifica sobre su existencia para que otros decidan, eventualmente, sobre su precario futuro. En efecto, María no sólo establece una herencia y una posta, y una cierta responsabilidad que su hijo y nieto habrán de aceptar. Ella también se ha cansado de ser objeto, más que sujeto, de la película. Su extenuación ontológica decreta una sustitución estética. ¿Cómo seguir con un film en pleno desarrollo en el que la protagonista decide darse a la fuga?

Inclasificable e inestable, Elegía de abril muestra su autopoiesis. Lo que vemos, al menos, insinúa que Fontán está una vez más capturando pacientemente los avatares de un microcosmos familiar en el que él es parte de una tensión narrativa y existencial. Un libro deviene en una película, y en ese universo familiar el realizador entiende que se evoca un orden que excede lo doméstico: la memoria de su familia y la resistencia legítima por parte de su madre y su tío a reconstituir una existencia real y poética, la de Salvador Merlino, configuran un dilema universal. Puede ser que las memorias no sean exclusivamente placenteras. No se sabrá, aunque los dos testigos desean huir del objetivo de la cámara. La cámara caza recuerdos y el presente. Es un motivo recurrente: la captura de lo real, atrapar a los vivos y convertirlos luego en fantasmas materiales.

Aquí no se trata, como en El árbol, de decidir sobre la suerte de una acacia. Lo que está en juego, en esta ocasión, es la misma existencia de una película. En otras palabras, Elegía de abril cuestiona, entre otras cosas, la voluntad arqueológica del cine, el imperativo del registro, o el reencuentro con lo que ya ha sido y que el poder de una cámara puede llegar a resucitar. En el inicio del film, la madre de Fontán anuncia su retiro en pleno rodaje, y su hermano sintoniza ostensiblemente con este deseo. El cineasta expone el problema y la solución. A los veinte minutos llegarán los reemplazos. El supuesto documental sobre el hallazgo literario deviene en una ficción. Lorenzo Quinteros será el tío, y Adriana Aizemberg será la madre del director. La película muestra la llegada de los actores y sin previo aviso tomarán los lugares de los dos protagonistas. Todo se repite o, en realidad, se yuxtaponen lo real y su representación, y, eventualmente, la trama avanzará hacia algún lado, venciendo el complot de sus personajes iniciales.

En el cine reciente de Fontán puede divisarse una confrontación dialéctica entre una deriva narrativa (relato) y una poética del registro orientada a la experiencia perceptiva (contemplación). En La madre, un film que materializa a través de sus planos una depresión psicótica y un drama edípico, Fontán alcanza una nueva dimensión de su cine: su proclividad a la contemplación del tiempo se hilvana sensiblemente con un relato mínimo pero preciso. En Elegía de abril este desarrollo continúa y evoluciona en una dirección todavía más conflictiva. Diríase que el dilema ya no es solamente cómo inventar un modelo narrativo que no desestime ni traicione el ADN de su mirada, sino algo mucho más temible y caro para el director. La negativa de su madre a filmar y el doble registro desconcertante y arriesgado (la home movie, literalmente en manos de su hijo –una presencia poderosa en los dos últimos films–, evidencia una modalidad amateur en contraposición al virtuosismo formal característico de los camarógrafos de Fontán) son señales de que el sistema del realizador está en proceso de cambio. Es un pulso novedoso que late en el film; un espectador (o crítico) que desconozca las películas del director podrá creer que existe aquí una imperfección. Es cierto que no hay un equilibrio entra la desprolijidad de las imágenes del hijo oficiando como camarógrafo y la firmeza lúdica y lúcida de los característicos planos del director. Aquí, el montaje, la unión de una perspectiva de cámara con respecto a la otra perspectiva, no parece finamente articulado. ¿Es una debilidad del film? Posiblemente sí, aunque quizás exista en esa asimetría de composición un impulso destructor en el que se presiente otro orden de creación. Pero lo esencial pasa por otro lado: es el deseo de superar la familia como institución poética y Banfield como territorio simbólico. En Elegía de abril se inicia un viaje hacia otra parte. Es quizás demasiado temprano para saberlo. No se trata de la elegía del abuelo, sino de la elegía del propio realizador con su propia herencia sensible.

Es por eso que Elegía de abril es un film de fantasmas. La casa es una entidad, una bóveda en donde el pasado reposa en los objetos, las paredes, las cortinas, las copas, los platos. El rigor del plano detalle constituye un idioma de los objetos. La única figura viviente fuera de esta prisión simbólica es el gato de la casa. En ese sentido, la casa hasta posee una sonoridad. Hay una música concreta y pretérita por la que suena más el pasado que el presente. El bellísimo plano en el que la abuela “falsa” de Fontán es observada tras el vidrio irregular de una puerta va tomando preponderancia. Lo real se despedaza, pierde su nitidez, y una ontología onírica, quizás suprasensible, desplaza la representación realista de un hogar cotidiano.

Hacia el final, el film alcanzará instantes sublimes y fantasmales. Varios espectros femeninos imponen discretamente una textura difusa. Son apariciones, inexplicables y misteriosas, como los últimos planos, en los que una niña juega con su padre. En efecto, las últimas imágenes de Elegía de abril ya no parecen humanas. Es que Fontán va preparando esta epifanía de otro mundo, una intuición del paso a un territorio de donde nadie ha regresado para describirlo. Algunos movimientos veloces en zig-zag en donde las apariciones repentinas de su madre se confunden con las de la actriz que la ha reemplazado van enrareciendo el orden de lo visible y el mundo ordinario. Es un método, un tránsito de lo ordinario a lo extraordinario.

¿Alguna vez Fontán confrontará con la Historia? ¿Podrá su sensibilidad como cineasta traspasar el resguardo de la intimidad y lo doméstico? ¿Dejará Banfield y encontrará otro cosmos, más conflictivo, menos protegido por la austeridad casi monacal que destila su cine? Un gran cineasta como Sokurov filmó la muerte de una madre, pero también supo contar la secularización de una deidad japonesa. Los grandes cineastas se imponen desafíos. Fontán tiene un camino, pero su destino es felizmente incierto. Y es un gran cineasta, a pesar de que su cine todavía no ha sido reconocido del todo, y mucho menos visto.

Roger Koza

Noticias de Río Negro Proyecta

2010-09-10T14:12:00.001-07:00

En Bariloche, en el marco del Río Negro Proyecta, se hizo la primera proyección de ELEGÍA DE ABRIL.

El contacto con el público es siempre un momento conmovedor. Es el tiempo en el que la obra toma sentido: siempre creí que el arte se justifica por el encuentro con el otro.

Como el cine es un hecho grupal, quiero detenerme a agradecer a todos los que me acompañaron en la realización de la película:

ADRIANA AIZENBERG, LORENZO QUINTEROS, MARIA MERLINO, CARLOS ALBERTO MERLINO, FEDERICO FONTAN, DIEGO POLERI, JAVIER FARINA, JUAN GARCILAZO, ALEJANDRO MATEO, ALEJANDRO NANTON, GUSTAVO SCHIAFFINO, MARIO BOCCHICCHIO, JULIAN MARQUEZ, MALENA MARQUEZ, GUILLERMO PINELES, MARIA MARTA ROMERO, ALEJANDRO NAKANO, VIRGINIA WITTMAN, LUIS VENOSA.

También quiero agradecer a ROGER KOZA y PABLO MAZZOLA, programadores y directores artísticos de Río Negro Proyecta, porque pensaron un Festival que tiene su centro en la diversidad de miradas. ¡Es enriquecedor para todos!

Un abrazo

Gustavo

Ver trailer del filme en http://www.elegiadeabril.com.ar/

Elegía de abril: Avant Premiere en Río Negro Proyecta

2010-08-14T16:16:00.000-07:00

2do. Festival Nacional de Cine y Video
RIO NEGRO PROYECTA

Del 1 al 5 de Septiembre de 2010 en la ciudad de San Carlos de Bariloche

La Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Río Negro, tiene el orgullo de anunciar la presentación de la programación de la nueva edición del Festival RIO NEGRO PROYECTA que se realizará por primera vez en Bariloche, la misma estará compuesta por:

De las Competencias

• Competencia Nacional de Largometrajes: integrada por 9 (nueve) largometrajes, uno de ellos en calidad de avant premiére mundial, Elegía de abril del director Gustavo Fontán; también se exhibirán obras que han participado en los prestigiosos festivales internacionales como Cannes (La mirada invisible, de Diego Lerman y Los labios, de Santiago Loza e Iván Fund) y Berlín (Rompecabezas, de Natalia Smirnoff); todas participarán por un premio de $ 25.000.- pesos otorgados por la Subsecretaría de Cultura de Río Negro.

1 – Vikingo, de José Campusano (2009)
2 - Elegía de abril, de Gustavo Fontán (2010)
3 - Orquesta roja, de Nicolás Herzog (2009)
4 - La mirada invisible, Diego Lerman (2010)
5 – Rompecabezas, de Natalia Smirnoff (2010)
6 – Invernadero, de Gonzalo Castro (2010)
7 - Los labios, Santiago Loza e Iván Fund (2010)
8 - Los jóvenes muertos, de Leandro Listorti (2009)
9 - Hacerme feriante, de Julián D`Angiollilo (2010)

• Competencia Regional de Largometrajes: compuesta por 7 (siete) obras que participan por un premio de $ 15.000.- pesos otorgados por la Subsecretaría de Cultura de Río Negro; y el Premio “Mama chita seguí rodando” otorgado por la productora Masa Latina. Entre las películas ya confirmadas de esta sección se encuentra Lo que más quiero, de Delfina Castagnino premiada en el último BAFICI.

1 - Vienen por el oro, vienen por todo, de Pablo D´alo Abba y Cristián Harbaruk, 2010
2 - Lo que más quiero, de Delfina Castagnino, 2010
3 - Camino al Tembrao, de Federico Laffite, 2010
4 - Hago la calle, de Mario Tondato, 2010
5 - El camino del cóndor, de Cristian Holler, 2009
6 - India, vislumbres de otra realidad, de Jean Studler, 2008.
7 - Laberintos de hielo, de Miguel Rossi, 2009

• Competencia Regional de Cortometrajes: compuesta de 10 (diez) obras que compiten por $ 10.000.- pesos otorgados por la Subsecretaría de Cultura de Río Negro; y un Premio Especial “3 Becas del Centro de Formación Profesional de S.I.C.A.”.

1 - Marcela, de Gastón Siriczman
2 - Erosión, de Ulises Labaronnie
3 - A partir del agua regreso, de Julieta Anaut
4 - Keket, de Walter Ponzo Ferrari
5 - Singapur, de Agustín Grego y Manuel Reyes
6 - ICH(YO), de Javier Van de Couter
7 - Raúl Perez: Luthier, de Cristina Chilimoniuk
8 - Dorita, de M. Gabriela Vallecillo, Fermín Valeros, Marion González Prieto, Marcela Palacio y Carolina Bacchiocchi
9 - Fortín Chacabuco, de Mariano Benito
10-El examen, de Hugo Grandi

• Competencia Nacional “PEC” (Películas en Construcción): compuesta de ocho (8) proyectos que compiten por un premio de $ 15.000.- pesos otorgados por la Subsecretaría de Cultura de Río Negro. En esta sección podrán verse trabajos de los directores Marco Berger (Plan B), Nicolás Prividera (M), y Gastón Solnicki (süden), entre otros:

1 - Yatasto, de Hermes Paralluelo
2 - Que sois ahora?, de Gustavo Galuppo y Mariano Goldgrob
3 - Ausente, de Marco Berger
4 - Escondidos al oeste de Pichi Leufu, de Natalia Cano
5 - Tierra de los padres, de Nicolás Prividera
6 - Bosque, de Mariano Luque
7 - Viaje al olvido, de Ulises Labaronnie y Sebastián Heynig
8 - Mateo 00, de Gastón Solnicki

Secciones Fuera de Competencia

• Muestra Nacional:

Funciones Especiales

1 - Por tu culpa, de Anahí Bernerí
2 - Juan, como si nada hubiera sucedido, de Carlos Echeverría
3 - Carancho, de Pablo Trapero

• Muestra Cortos Nacionales:

1 - Un día sin chanchos, de Javier Zevallos y Fabián Cristóbal
2 - Spiderman, de Francisco Vázquez Murillo
3 - Exposición para goteras en lluvias sostenidas, de Grupo Humus

• Retrospectiva Nacional: se realizará una retrospectiva de la obra del director Adrián Caetano que estará compuesta por los siguientes trabajos:

- Francia
- Crónica de una fuga
- Un oso rojo
- Bolivia
- Pizza, birra y faso
- La expresión del deseo
- Visite Carlos Paz
- La Cautiva
- Piedra líquida

• Reconocimiento Regional: las películas ganadoras de la competencia regional de la primera edición del festival se proyectarán en Bariloche.

- Volver a la tierra, de Pablo Quesada (ganadora del 1°Premio de la Competencia regional de Largometrajes, 2009)
- Dulce Espera, de Laura Linares (ganadora del Premio Especial de la Competencia regional de Largometrajes, 2009)
- El Empleo, de Santiago Bou Grasso (ganadora del Primer Premio de la Competencia Regional de Cortometrajes, 2009)

• Mirada Internacional:

Latinoamérica hoy: Nuevo cine chileno

- Huacho, de Alejandro Fernández Almendras (2009)
- El cielo, la tierra, la lluvia, de José Luis Torres Leiva (2008)
- Turistas, de Alicia Scherson (2009)

Maestros del Cine Mundial Contemporáneo:

- Independencia, de Raya Martín (Filipinas, 2009)
- Policía, Adjetivo, de Cornelio Porumboiu (Rumania, 2009)
- La Pivellina, de Tizza Covi y Rainer Frimmel ( Italia – Austria, 2009)

• El día de las películas familiares

Jornada de concientización sobre la preservación de materiales cinematográficos en la que se invita a participar a la comunidad de Bariloche con sus propias “películas familiares”. Actividad conducida por las restauradoras Paula Félix-Didier y Evangelina Loguercio.

• Cine + Niños: Jugar en la sala

El festival incorpora una nueva sección dirigida a los niños y niñas. En esta edición han sido especialmente invitados los alumnos de las escuelas de Bariloche a través de la Delegación Andina del Ministerio de Educación de la Provincia.

Jurados de Competencias

- Competencia Nacional

Fernando Martín Peña
Es investigador e historiador, crítico de cine, coleccionista y restaurador de películas. Es director de la Filmoteca de Buenos Aires. Ha sido director artístico
del BAFICI (2005-07) y del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en el año 2008. Además, es el director de programación de la sala de cine del Malba.

Anahí Berneri
Es egresada de la carrera de Productor de Medios Audiovisuales del Instituto ORT y graduada del Institute National de l´audiovisuel de París. Ha dirigido Un año sin amor (2005), Encarnación (2007) y Por tu culpa (2009). Todas sus películas han pasado por diversos festivales internacionales; su último film, Por tu culpa, avant premiére en la última Berlinale, será estreno en Bariloche.

Miguel Pereira
En 1988 dirigió La deuda interna, su primer largometraje de ficción, que representó a Argentina en los Oscar. Entre su filmografía se destacan La última siembra (1991), Che... Ernesto (1997), La transformación es el camino (1999), Historias de Argentina en vivo (2001) y El destino (2005). Ha sido director artístico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en los años 2004 al 2007.

- Competencia Regional de Largos y Cortos

Diego Brodersen
Es crítico de cine y docente. Desde 1996 escribe en la revista El Amante/Cine, además de colaborar regularmente en la sección Espectáculos del diario Página/12, el suplemento cultural Ñ y la revista Rolling Stone. Ha sido programador del BAFICI (2002-2004). Actualmente se desempeña como Asistente de Programación de la Sala Leopoldo Lugones del Teatro Gral. San Martín y conduce el programa “Ficciones de lo real”, dedicado al cine documental, que se emite semanalmente en Canal 7, la televisión pública.

Juliana Pousiff
Realizadora pampeana y gestora cinematográfica. Desde hace 7 años, organiza la Muestra Nacional de Cine en la provincia de La Pampa.

Laura Linares
Desde el año 1999 se ha desempeñado en diferentes áreas del cine documental y la televisión. Su primer película documental, Zapatillas Nuevas, rodada en Bariloche, fue premiado y producido por el INCAA en el marco del concurso “13 películas documentales sobre la crisis” (2005). Su segundo largometraje documental, Dulce Espera, fue premiado en la 1ra. edición del festival y será estreno en la presente edición.

- PEC (películas en construcción)

Nicolás Batlle
Productor y director de cine. Especializado en cine documental en la EICTV (Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba); socio gerente de la productora Magoya Films, que realizó los documentales Rerum Novarum y Mundo Alas, de León Gieco, entre otros.

Marcelo Alderete
Es egresado de la Escuela Superior de Cinematografía. Se desempeño en el área de producción artística del BAFICI (2000-2009). Actualmente es programador del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, y ocasional programador invitado del MALBA.

• Clínicas: durante el festival se realizarán 3 (tres) clínicas sobre diversas áreas del quehacer cinematográfico, dadas por prestigiosos directores y productores de la industria.

1- Producción ejecutiva en cine: Tres modelos de producción posible
Dictado por los directores Gonzalo Castro y Sergio Mazza, y el productor Nicolás Batlle.

2- Guión: la escritura del cine
Dictado por el dramaturgo, guionista y director Santiago Loza.

3- Dirección de Fotografía: "Aproximación a la búsqueda de una mirada personal"
Dictado por el realizador y director de fotografía Iván Fund.
Próximamente estaremos anunciando los invitados que acompañarán la 2da. edición del festival.
Para mayor información sobre el Festival ingresar a:
http://www.culturarionegro.gov.ar/

Agradecemos la difusión de la presente información
Prensa & comunicación Agencia Lola Silberman
festivales@lolasilberman.com.ar
(+ 54 11) 63 80 31 61
prensa@lolasilberman.com.ar www.lolasilberman.com.ar
Nicasio Oroño 2558 dpto. 4 (1426) Bs.As. Argentina

ELEGIA DE ABRIL (Notas del Diario de Trabajo)

2010-07-18T09:12:00.000-07:00

ELEGIA DE ABRIL

(Algunos fragmentos del diario de trabajo)

Queridos amigos: pronto tendremos terminada ELEGÍA DE ABRIL y estamos realmente orgullosos del trabajo. Nos pareció oportuno compartir con ustedes algunos de los fragmentos del diario de trabajo. Ahí van:

"Bajar el libro del ropero (después de cincuenta años) es agitar las aguas. Salvador es un enigma a resolver, un enigma sin solución. La memoria como agua agitada; ésa es la figura. Lo que importa, lo que debemos mirar, es el agua agitada: fragmentos, retazos, detalles, detallecitos, minucias cargadas de emotividad. Pero también los huecos, las fugas (¿dolorosas?) en el tiempo. Tal vez, en estos versos de Salvador, esté la clave:

“Esta cordial blancura,
este modo de hablar, esta manera
no serían mi voz si no pusiera,
junto a lo simple y junto a la hermosura,
el dolor de la pena verdadera.”

(julio 2009)

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"Ayer filmamos un conjunto de pequeñas acciones: Ella abre cajones, libera cosas de su encierro. El busca el gato. Ella ha movilizado cosas en la casa y el gato se fue. El lo busca, lo espera. Acusa a su hermana. Hoy llueve. Es de mañana y la lluvia ofrece un pequeño momento para la contemplación. En el patio, la luz se mueve lentamente. Pasa de un gris plomizo a una espesura de brillos sobre las plantas mojadas. Todo con una simpleza que deslumbra y abisma.

Ese movimiento sugiere el tono de lo íntimo. Así debería ser la película."

(noviembre 2009)

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"Qué otro camino nos queda: hacer películas pequeñas, sinceras, provocadoras. Intentarlo, al menos."

(noviembre 2009)

Un abrazo a todos...

Gustavo

La madre, en el Festival de Cine del Mar - Punta del Este

2010-07-04T20:54:00.000-07:00

Entre el 14 y el 18 de julio tendrá lugar una nueva fiesta del cine en Punta del Este. La tercera edición de la Muestra Cine del Mar, ofrecerá una cuidada selección de un cine de calidad, producido en países de la región, especialmente Argentina, Bolivia, Chile, Paraguay y también de nuestro país.

El festival tendrá su apertura con la presentación especial de la película argentina El mural, realización de Héctor Olivera, con actuación de Luís Machín, Carla Peterson, Ana Celentano, Bruno Bichir, Mónica Galán y Juan Palomino. La película toca la conflictiva historia del mural realizado en los años treinta por el artista mexicano David Alfaro Siqueiros en Argentina, y la relación de su mujer, la uruguaya Blanca Luz Brum (nacida en Pan de Azúcar) con el magnate Natalio Botana.

La presencia del cine argentino será uno de los ejes del festival, con el estreno para nuestro país de recientes producciones como Mis días con Goria, de Juan José Jusid, con el regreso al cine de Isabel Sarli junto a Luis Luque, Nicolás Repetto, Carlos Portaluppi e Isabelita Sarli, estando previsto la presencia del director y de parte de elenco incluida Isabelita Sarli.

También se verá Eva & Lola de Sabrina Farji con Celeste Cid, Emme (Mariela Virtale) y Alejandro Awada; La madre, de Gustavo Fontán; Adopción, elogiado documental de David Lipszyc; Un fueguito, la historia de César Milstein, de Ana Fraile con Juan Leyrado, Arroz con leche, de Jorge Polaco y Zenitram, de Luis Barone con Juan Minujín y Luis Mollá.

En el marco de las celebraciones por el Bicentenario en el vecino país, el festival propondrá una sección especial integrada por varios clásicos y producciones con temática histórica como La guerra gaucha (1942), de Lucas Demare; Pampa bárbara (1945), de Lucas Demare y Hugo Fregonese; Nace la libertad (1949), de Julio Saraceni; La muerte en las calles (1957) de Leo Fleider; El santo de la espada (1970) y Guemes, la tierra en armas (1971), ambas de Leopoldo Torre Nilsson; Yo maté a Facundo (1975), de Hugo del Carril, y el documental El exilio de San Martín, de Alejandro Areal Vélez.

Presencia latinoamericana

Además de la nutrida participación del cine argentino, se ofrecerá una selección de recientes producciones de otros países del cono sur, como las chilenas Teresa, de Tatiana Gaviola sobre la poetisa Teresa Wilms Montt, y la comedia El regalo, de Christian Galaz, y la boliviana Los Andes no creen en Dios, del importante realizador Antonio Eguino. También de Bolivia se podrá ver El atraco, de Paolo Agazzi.

Como país invitado este año habrá una participación especial del cine venezolano con los siguientes títulos: Macuro, de Hernán Jabes; La virgen negra, de José Ignacio Castillo; Libertador Morales, el justiciero, de Efterpi Charalambidis; Zamora, del gran cineasta Román Chalbaud; Venezzia, de Haik Gazarian; Bloques, de Carlos Caridad; Los venezolanos, documental de Anabel Rodríguez y Andrea Herrera; y los cortos Jesus TV, de Gastón Goldman y Héctor Orbegoso y La uva de Alexandra Henao.

Como siempre el cine nacional también tendrá un espacio destacado con una serie de trabajos documentales entre los que se destaca un ciclo de producciones con temática medioambiental producidos por la Dinama integrados por: Esteros de Farrapos e Islas del Río Uruguay; Cerro Verde e Islas de la Coronilla; Quebrada los Cuervos;Humedales del Santa Lucía; Valle del Lunarejo; Cabo Polonio; Cuencas de los Arroyos Laureles y Cañas; Laguna de Rocha; Fortalecimiento de la capacidad de Gestión de Calidad de Agua en Montevideo y Área Metropolitana, Río de los Pájaros Pintados, Reserva de Biosfera Bañados del Este.

Se presentará además el largo Desde las aguas, de Pablo Martínez Pessi rodado en Villa Soriano y producido por Gabinete Films y la Universidad ORT y el corto documental Eterna juventud, dirigido por José Cozza y producido por la Universidad Católica. Se exhibirá en forma especial el corto Aloha Uruguaii, de Juan Miguel Bonner sobre la actividad del surf en las costas de nuestro país.

Esta propuesta, de carácter cultural surgida hace tres años, en el marco de las celebraciones por los 100 años de Punta del Este, apuesta a convertirse en un acontecimiento de referencia en el calendario cinematográfico anual. Cuenta con los auspicios de la Intendencia Municipal de Maldonado, Ministerio de Turismo, ICAU, INCAA y las embajadas de los países participantes.

La programación se completará con charlas y mesas redondas con historiadores, críticos y cineastas. El festival procurará además generar instancias que faciliten la presencia y participación de jóvenes y estudiantes de cine del país. Así mismo se buscará que el festival se convierta en un punto de encuentro para realizadores, productores, críticos y autoridades vinculadas al quehacer audiovisual nacional y regional.

2010-06-27T17:04:00.000-07:00

¡Hola, amigos!

LA MADRE sigue su recorrido de estrenos en el interior. Esta vez le toca Córdoba. Y como ha sucedido en otros sitios va acompañada por EL ÁRBOL y LA ORILLA QUE SE ABISMA.

El martes 29 de junio estaré presente para una charla con los espectadores. Y la mesa es un lujo: acompañaré a Juan José Gorasurreta, Oscar del Barco y Roger Koza.

Ahí les paso horarios y dirección:

ESPACIO INCAA KM 700 - 35mm

Av. Ricchieri y Concepción Arenal Bº Rogelio Martinez – Córdoba

Lunes 28 - 19:30 hs - La orilla que se abisma/ 21:30hs - La Madre
Martes 29 - 19:30 hs - El árbol/ 21:30hs - La Madre
Miércoles 30 - 19:30 hs - La Madre/ 21:30hs - La orilla que se abisma

Un abrazo

Gustavo

Elegía de abril

2010-05-30T04:36:00.000-07:00

Hola, amigos.

Quería contarles que ya entramos en la etapa de postproducción de sonido de ELEGÍA DE ABRIL. La película lleva el mismo título del libro póstumo de Salvador Merlino, de quien ya hemos hablado en otras entradas.

Volvimos a rodar en la casa de “El árbol”, con Diego Poleri, y fue un regocijo nuevamente el trabajo con la luz. El sonido es de Javier Farina y el montaje de Mario Bocchicchio. Juan Garcilazo fue el asistente de dirección, y esta vez se agregó Alejandro Mateo en arte.

La primera parte de la película se desarrolla con la presencia de María y Carlos, los dos hijos de Salvador. Pero la segunda parte se lleva adelante con dos actores, grandes actores, queridísimos y admirados: Adriana Aizenberg y Lorenzo Quinteros.

Huellas de un siglo en el Bicentenario

2010-05-01T14:03:00.000-07:00

HUELLAS DE UN SIGLO EN EL BICENTENARIO

Una serie documental realizada por el Area de Cine de Canal 7
Presentado por MARÍA JULIA OLIVÁN - A partir del 3 de Mayo en la TV Pública
De Lunes a Viernes a las 23:30

Con motivo de cumplirse el Bicentenario de la Argentina como Nación libre, el área de cine de la Televisión Pública, produjo íntegramente Huellas de un siglo, una serie de 26 documentales de media hora.

Cada uno de ellos toma un acontecimiento significativo del siglo XX, desde el Centenario hasta los sucesos de 2001.

Responsables Área Cine: Alejandro Fernández Mouján y Pablo Reyero
Contenido histórico: Javier Trímboli
Investigación histórica: Ariel Yablon
Directores: Alejandro Fernández Mouján, Pablo Reyero, Hernán Khourian, Gustavo Fontán, Carlos Echeverría, Marcel Cluzet
Investigación y guión: Mariana Iturriza, Fernando Ansotegui, Dodi Scheuer
Producción Ejecutiva: Walter Soffiantini
Equipo de Producción e investigación: Victoria Pérez, Ricardo Ottone, Martiniano Cardoso, Marcelo Tejeira, Ignacio Santillán y Andrés Bozzo
Producción: Canal Siete – Televisión Pública (2010)

En la primera semana:

Lunes 3: Bombardeo a la Plaza de Mayo
Dirección: Carlos Echeverría

Martes:4 Juicio a las Juntas
Dirección: Gustavo Fontán

Miércoles 5: El Centenario
Dirección: Hernán Khourian

Jueves 6: El malón de la Paz
Dirección: Pablo Reyero

Viernes 7: Eva Perón, último año con su pueblo
Dirección: Alejandro Fernández Mouján

Huellas de un siglo narra la historia argentina del siglo XX a partir de días o años claves, en los que procesos sociales y políticos de vasta duración, adquieren una forma precisa e inquietante.

Es entonces cuando significados que suelen permanecer disueltos o evaporados en los momentos de “normalidad”, cobran una expresión nítida. Huellas de un siglo se propone hilvanarlos en una misma constelación, haciéndolos dialogar entre sí y con el presente.

Documentar las disputas de los sectores populares en la escena de la vida política y social de la Argentina. Disputas que implicaron victorias y derrotas, que delinearon biografías o quedaron a veces inscriptas en la memoria colectiva. “Instantes de peligro” en los que queda plasmada la historia de una Nación y del sujeto que quiso y aún quiere en ella realizarse.

Pensar la Argentina en el Bicentenario para imaginarnos en un futuro de inclusión social, igualdad y justicia.

Algunos de los títulos de esta serie documental son: Bombardeo a la plaza de Mayo; Juicio a las Juntas; Eva Perón, último año con su pueblo; El malón de la paz; El centenario; La semana trágica; La primavera de los pueblos; El cordobazo y otros azos; Malvinas, la guerra que nos contaron; Puebladas de Cutral co y Mosconi; Madres, la primera ronda; El fin de la primavera alfonsinista; 19 y 20 de diciembre de 2001; entre otros.

Huellas de un Siglo es una producción del Área Cine de Canal 7 a cargo de Alejandro Fernández Mouján y Pablo Reyero.

MAS INFORMACION COMUNICARSE AL TEL 4808 2500 int. 424 - Oficina 11 - CANAL 7 o escribir a: areacine@tvpublica.com.ar

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2010-04-24T04:40:00.000-07:00

PRIMER CICLO DE CINE EN AAMNBA “NUESTROS DIRECTORES"

Una coproducción DobleV Producciones/AAMNBA

LO PICTÓRICO EN MOVIMIENTO

Tres películas, tres directores y un mismo espacio que los reúne reivindicando la intención plástica presente en sus films.

El sueño del perro, de Paulo Pécora, La orilla que se abisma, de Gustavo Fontán y Samoa, de Ernesto Baca, se presentan durante el mes de Mayo en el ciclo “Nuestros directores” en el Auditorio de la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes.

¿Cómo nombrar a una obra plástica que adquiere movimiento y se despliega en un tiempodado?

Sólo en ocasiones, ése es el recorrido que trazan algunas películas. Films que apuntan a un estado de contemplación que sin embargo no es pasivo, que trabajan las texturas y la paleta de colores con el mismo nivel de detalle que pone en juego un artista plástico frente a su mesa de trabajo.

Cada una de estas películas propone una atmósfera única y original, subjetiva, a la que invita asumergirse, una experiencia intransmisible que sólo puede ser vivida en el aquí y ahora decada proyección. En ninguno de los casos se trata de una reproducción de los paisajes de la realidad, sino deuna recreación, un volver a crear.

Espacios y personajes son tomados de un exterior para serconstruidos artesanalmente de nuevo desde dentro; se trata en cada una de estas obras, de la manifestación de un mundo, del mundo interior.

De esta manera, el ciclo “Nuestros directores” de Mayo, en el Auditorio de la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes los invita a ver tres obras poéticas, pictóricas, cinematográficas.

Débora Landi Giammarini

Curadora

Av. Pte. Figueroa Alcorta 2280 (C1425CKO) - Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Teléfonos: 4803-4062 y 4804-9290. E-mail: cursos@aamnba.org.ar

Ciclo de cine en San Telmo

2010-04-09T18:51:00.000-07:00

Hola!

El ciclo empieza el 19 a las 19 hs, con una presentación a cargo de DAVID OUBIÑA.

Si pueden ir estaría buenísimo!

Un abrazo

Gustavo

ABRIL

Lunes 19 - 18 hs. - La Orilla que se abisma / 20.30 hs. - La Madre

Martes 20 - 18 hs. - El árbol - La linterna mágica / 20.30 hs. - La Madre

Lunes 26 - 18 hs. - La Orilla que se abisma / 20.30 hs. - La Madre

Martes 27 - 18 hs. - El árbol / 20.30 hs. - La Madre

LA LUZ NATURAL

En las sombras profundas del cuarto alguien da dos pasos. O no los da y es simplemente el movimiento de la luz que entra por la ventana la que alcanza su rostro. De pronto, algo se nos revela: hay algo en la forma en que la luz acaricia ese cuerpo, en ese encuentro único de la luz y un gesto, en esa unidad ferozmente real, que nos conmueve.

Ahora, la luz se mueve nuevamente y las sombras avanzan. Pero ya ese hueco espeso al que ha huido el cuerpo (la película) no podrá ser nunca más un espacio vacío. Porque hay algo ahí que nos atañe, simple, misteriosamente.

Cuándo me preguntan qué hay de común en El árbol, La orilla que se abisma y La madre, lo primero que respondo es: el trabajo con la luz natural.

Creo que la luz nos vincula emocionalmente con el mundo. Con Diego Poleri (fotógrafo de El árbol y La madre) y con Luis Cámara (fotógrafo de La orilla que se abisma) desarrollamos el arte de la espera, hicimos propia la intención de Juan L. Ortiz de “ver el color más allá del color”.

Alguna vez nos dijo el poeta Jorge Calvetti, hablando de su Maimará natal: “Es muy importante para mí, no sólo el paisaje, los árboles, la vieja casa. Es muy importante el aire, lo que no se ve, pero se siente. Es muy importante para un hombre sensible el regresar, el volver. El secreto está en mirar. Uno vuelve, muchos vuelven, y están contentos con el paisaje que se ve. Yo estoy contento con el paisaje que no se ve, con la conmoción que significa pensar en los días vividos, resplandecientes como joyas”.

Estamos convencidos de que la potencia no está en lo que la luz visibiliza, en lo espectacular, sino en lo hondamente íntimo, en la relación dinámica de lo visible y lo invisible, en la construcción, en fin, de una poética de la sugerencia.

Gustavo

La solitudine, de Alicia Silva Rey

2010-03-23T19:29:00.000-07:00

Vital, la poesía de Alicia Silva Rey es siempre la expresión de una experiencia (alguien podría decir que la poesía siempre lo es, pero me permito ponerlo en duda). También lo es, expresión de una experiencia, el conjunto de poemas que conforman La solitudine, que acaba de publicar la Editorial Casi incendio la casa, en su colección GAMA.

La experiencia (siempre velada, siempre pudorosa) que encuentro en estos poemas es doble: la del dolor y la del pensamiento -del dolor-.

La paradoja es apenas aparente: las formas de ser del dolor, puro cuerpo, carne y alma, y las formas de ser del pensamiento, sus sistemas, sus distancias y sus velos, son disueltas -sin dejar de ser dolor, sin dejar de ser pensamiento- en el lenguaje. No hay en este libro ni emoción pura ni razón pura. Hay, y por eso sus poemas nos perturban, un lenguaje nuevo que encuentra en las vísceras su razón.

Vaya de ejemplo:

“Crear la encendida calidad del lapacho
que pierde sus fulgores,
los pierde.
Crear aún lo que está contenido en las cosas:
poder, saber, lenguajes, caducidad
del tiempo en las cosas
que dicen: nos encontramos en la llanura
y hay guerra,
yacemos con el rostro en el barro,
hemos caído con los objetos
infectados de luz.
Es el lugar de la fuga, de La Fuga.
Hemos perdido
el control
de lo real,
hemos
caducado,
somos
definitivos
sobre este puente de madera
que cuelga entre el vacío
de las palabras
y el de la
oscuridad.”

(Fragmento de La solitudine, de Alicia Silva Rey. Editorial Casi incendio la casa. Buenos Aires, 2009)

NOTA SOBRE LA EDITORIAL CILC

La colección GAMA presenta a 16 poetas que durante la década de los '80 comenzaron a trabajar en red. Cooperando, autoeditándose, federalizando la palabra y expandiendo las posibilidades de una escritura que sienta precedentes en la independencia poética, literaria y editorial. Todos los poetas publicados se caracterizan por una actividad permanente y constante en diversos circuitos literarios y artísticos; su obra excede la escritura poética: críticos, ensayistas, antólogos, editores de plaquetas, revistas (Tsé-tsé; Los rollos del mal muerto; Cuadernas; El Litoral), carpetas de poesía (Alguien llama),dramaturgos, narradores y guionistas, organizaron encuentros de escritores, eventos literarios de toda índole, recitales de poesía como las Fiestas Danzantes; arte correo, intervenciones artísticas en las que se escucharon, se leyeron; compartieron. Esta colección no es una casualidad, aunque tampoco hay en ella una causalidad, sino un deseo de dar a leer, como conjunto, a una selección de quienes trabajan en la escritura poética desde los años '80, porque nos preceden, porque nos gustan, porque queremos un proyecto que muestre una gama posible de la poesía argentina, abriendo canales de lectura necesarios. La colección GAMA está integrada por los siguientes títulos:
Coman, Roberto Aguirre Molina Tendedero, María Teresa Andruetto Cuando salí de La Plata, Mario Arteca Cuerpos de palabras, Concepción Bertone Caperucita roja y otros, Enrique Butti Hacer la de Elvis, Graciela Cros La enagua cuelga de un clavo en la pared, Leonor García Hernando La indefensión, Reynaldo Jiménez La bruta bruz, Laura Klein Libro de buen amor, Liliana Lukin Héroes, Silvio Mattoni Esta boca es nuestra, Juan Carlos Moisés La conversación, Daniel Muxica Átomos, Alejandro Schmidt La solitudine, Alicia Silva Rey Aves de paso, Susana Szwarc.

Pueden conseguirse en:

Capital Federal: Crack Up \ Costa Rica 4767, Palermo. El escritorio \ Gurruchaga 1851, Palermo. En el camino \ Borges 1664, Palermo. Espacio Moebius \ Bulnes 658, Almagro. Eterna Cadencia \ Honduras 5574, Palermo. Gambito de Alfil \ Puán 511, Caballito. Guadalquivir \ Callao 1012. I-DONT \ Santa Fe 1670, Loc. 73, Bond Street La Internacional Argentina \ El Salvador 4199, Palermo. Librería del Fondo Nacional de las Artes \ Rufino de Elizalde 2831, Barrio Norte. Libros del pasaje (ex Boutique del Libro) \Thames 1762, Palermo. Libros del pasaje (ex Boutique del Libro) \Costa Rica 4562, Palermo. Los Hermanos Tanner \ Av. Avellaneda 306 (casi esq. Campichuelo) Otra lluvia \ Bulnes 640, Almagro. Rayo Rojo \ Santa Fe 1670, Loc. 20-22, Bond Street
Buenos Aires: La Cueva Libros \ Av. San Martín 2651, Caseros. Librería Guardia \ Alsina 61, Ramos Mejía. Ramos Libros \ Mitre 579 - Locales 15 a 22. Quilmes. Ramos Libros \ Belgrano 460 (Hall central del Complejo Cultural Mariano Moreno), Bernal.
Santa Fe: Iván Rosado \ Salta 1859, Rosario.

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Crítica: Cinemarama, marzo 2, 2010

2010-03-10T13:43:00.001-08:00

La madre

Publicado por Cinemarama en Marzo 2, 2010

Año: 2009

Origen: Argentina

Dirección: Gustavo Fontán

Guión: Gustavo Fontán, Alicia Silva Rey

Intérpretes: Gloria Stingo, Federico Fontán, Marisol Martínez

Fotografía: Diego Poleri

Edición: Marcos Pastor

Duración: 64 minutos

Cine: Gaumont - Av Rivadavia 1635 - Horarios 13.15 - 14.40 -19.20 - 20.40

por David Obarrio

Qué es esta extraña película. No sabemos. Tendemos a perdernos en ella, dentro de sus imágenes, de su ambiente, en sus inquietantes murmullos y en la circularidad casi maníaca con la que las acciones de los personajes horadan discretamente sus planos.

Misterio y más misterio. Mejor para nosotros: La madre, en algún punto, es todo ganancia, porque ¿cuántas veces en el cine que nos deparan nuestros días uno tiene la oportunidad de sentir que nada en una película le es dado sino que, por el contrario, todo hay que ir a buscarlo –y sin embargo está ahí, tan lejos, tan cerca, en parte es cuestión de voluntad – como se va detrás de un pensamiento, un recuerdo o un sueño que despiadadamente se escabullen dentro nuestro?

Hay que jugar, dejarse ir en esta película, abandonarse a la lógica aparentemente amorfa con la que sus planos se suceden, siempre dotados sin embargo de un raro esplendor diurno, una condición irrenunciable de materialidad.

Es que Fontán no cede un ápice a la tentación de refugiarse en un onirismo fácil para poder así justificar de un modo espurio la ausencia de una narración lineal y de una progresión dramática en su película. Y por qué habría de hacerlo.

Por el contrario, las escenas de La madre son implacablemente concretas sin perder por ello su cualidad misteriosa (milagros del cine): la madre que se tambalea con la copa de vino en la mano o permanece en el jardín bajo la lluvia, o deja el cigarrillo apoyado en el colchón. En algún momento, la voz de su hijo adolescente que la llama –“mamá,” dice, “¡qué hiciste, mamá!” – y la voz en off de la mujer empieza a contar el fragmento de un sueño que es maravilloso, y también aterrador, y que retoma luego con parsimonia, una y otra vez. Y de nuevo a empezar.

El chico, por su parte, tiene sexo con una mujer que tal vez sea su novia y que aparece de a ratos por la casa, o se dedica a darle sepultura en el jardín al cadáver ya rígido del perro, mientras el ojo abierto del animal parece que permaneciera expectante hasta el último adiós, antes de que las paladas de tierra terminen de quitarlo de la vista del mundo.

La película parece postular una conexión obligatoria entre la madre degradada por la soledad y (acaso) el abandono, y la serena perplejidad del hijo que deambula por la casa y por los alrededores ante el universo que se abre delante suyo.

La madre es una película en la que abundan escenas cuyo significado es perfectamente legible pero que a pesar de ello no sabemos cabalmente cómo hay que interpretar. Como en El árbol o en La orilla que se abisma, Fontán se revela como un cineasta preocupado en extremo por el peso de los detalles, que se evidencia por ejemplo en el extraordinario trabajo con el sonido y con la luz. Solo los fragmentos le importan al cine, parece decir. La tarea de Fontán como director entonces, podría ser la captura incesante de esos segmentos sueltos del mundo, esos destellos con los que todo parece iluminarse brevemente, para volver luego a su inconsolable opacidad.

La madre (lo que dijo la prensa)

2010-02-27T08:00:00.000-08:00

Cine Gaumont: Av Rivadavia 1635 (Congreso)

Horarios: 13.45 - 17.20 - 21 - 22.20

Miguel Frías, Clarín

“Gustavo Fontán y su equipo consiguen tallar un melancólico vínculo familiar y hasta darle forma al devorador paso del tiempo; al dejar de ser, con extrema belleza. Optan por el lirismo visual, las interpretaciones medidas, la luz natural y la ausencia de música. También por lo sugestivo, lo ambiguo y lo velado”

Paraná Sendrós, Ambito Financiero

“Film bello e inquietante. Hermosa iluminación, largos planos fijos, contemplativos, un ambiente suburbano de antiguo verdor, la sugerencia de lo indecible, y un aire final de callada tragedia.”

Claudio Minghetti, La Nación

“Gustavo Fontán ha dado muestras suficientes de un infrecuente talento narrativo, un cuidado estético y una fuerza poética que lo hacen uno de los cineastas independientes con mejores herramientas para resolver cuestiones que tienen que ver, principalmente, con la vida misma.”
Diego Brodersen, Página 12

“Una obra con una sensibilidad fantasmagórica, onírica, que el relato en off de un sueño (o pesadilla) recurrente no hace más que potenciar. Los encuadres logran una cualidad tan precisa milimétrica que terminan transformándose en retratos de la abstracción.”

Pablo Arahuete, Cinefreaks

“Si en El árbol la idea del tiempo imperceptible se hacía perceptible a través de la quietud de la naturaleza, en La madre los fantasmas de la ausencia se hacen visibles en la quietud del tiempo. Aparecen inertes como el viento en los resquicios del silencio de una casona donde los objetos parecen más animados que los propios seres que la habitan”

Catalina Dlugi , TN

“Gustavo Fontán hace un cine distinto, donde la imagen poética se impone a los dialogos, con intensidad. Ya los hizo en "La orilla que se abisma", "El Árbol". Aquí bucea en la relación de un hijo con una madre enajenada. Para los que buscan lo distinto.”

Marcelo Pavazza, Crítica

"Madre e hijo en lucha. Silenciosa, sorda, desarticulada, ubicada en una zona que el espectador debe ir descubriendo, en su textura y en su intensidad"

La cita es el 25, en el cine Gaumont

2010-02-15T04:45:00.000-08:00

Amigos:

Confirmado.... La madre será estrenada el 25 de febrero próximo en el cine Gaumont (frente a la Plaza Congreso). La cita es a las 20.30 hs.

Desde ya, muy agradecido por lo que ustedes puedan hacer para difundir la noticia.

Nos vemos el 25.

Gustavo

Falleció en Milán el artísta plástico Julio Paz

2010-02-07T12:03:00.000-08:00

En su libro Fragmentos de un discurso amoroso, Roland Barthes cita a François Wahl:

"La muerte es sobre todo esto: todo lo que habrá sido visto, habrá sido visto para nada. Duelo de lo que hemos percibido".

Creo que nunca es así de una manera definitiva. Y mucho menos cuando la muerte es la de un pintor: su obra (deberíamos explorarla), salva, para todos nosotros, su mirada.

Un abrazo a todos.

Gustavo

Julio Paz
Falleció en Milán el artista plástico argentino, Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado 1971 (por Claudio L. Pérez)

El viernes 5 de febrero falleció en el Hospital Sacco, de Milán, Italia, el gran artista plástico argentino Julio Paz.

Había nacido en Avellaneda, en 1939, y residió en Quilmes desde 1949 hasta 1976, año en que partió al exilio después de haber sido amenazado de muerte en su lugar de trabajo, la Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel, de la ciudad Quilmes.

Diseñador gráfico, dibujante, grabador y pintor su obra recibió innumerables premios nacionales e internacionales: Salón Internacional de Grabado de Biella, Italia, en 1992: VIII Internacional de Arte Gráfico en Berlín, República Democrática Alemana, en 1987; Medalla de Honor en la IV Exhibición Internacional de Arte Gráfico en Lodz, Polonia, en 1985; Premio Internacional de Grabado, en Japón, en 1885, entre otros.

Expuso en museos y galerías de nuestro país y el exterior: Museo Municipal de Artes Visuales de Santa Fe; Museo Provincial de Bellas Artes de Tucumán; Museo Municipal de Artes Visuales de Quilmes; Langsan Gallery, de Armandale, Australia; Galería Arte Vigente, Caracas, Venezuela; Academia de Bellas Artes, de Brera, Milán; Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Bs. As., Argentina; Café Paz, en Kulturhaus Mitte, Berlín, Alemania; Museo de Historia de la Ciudad de Lodz, Polonia; por nombrar sólo algunas de las instituciones que mostraron su trabajo.

Poseen obra los muesos de Arte Contemporáneo, de Artes Plásticas Eduardo Sívori, del Grabado, de Arte Moderno, Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires, y distintos museos del interior del país. En el exterior disponen de obras de Julio Paz: el Museo Nacional de Bellas Artes de La Paz, Bolivia; el Museo de Arte Gráfico Moderno de El Cairo, Egipto; la Biblioteca Nacional de París, Francia; el Museo del Libro y la Escritura de Liepzig, Alemania; Museo del Grabado Latinoamericano de San Juan, Puerto Rico; y distintas instituciones y colecciones privadas del país y el mundo.

Su obra transmite la búsqueda quimérica de los sueños incumplidos del humanismo latinoamericano. Fiel a su época, registra los hechos más crudos de nuestra realidad sin ceñirse a un anecdotario cronológico sino que se adentra en nuestros problemas con una crítica sutil a la insensibilidad y el individualismo. El color es un elemento que Julio Paz ha manejado con visible talento y con una fuerza que trasmite siempre esperanza y calidez.

La literatura fue uno de los ríos que alimentó su trabajo artístico, desde la serie de “Los inventos” donde receraba los más vulgares objetos de nuestra cotidianeidad, como un Verne sudamericano, hasta sus retratos de Onetti, con quién compartió una larga noche en Montevideo y Cortázar, a quién conoció en el exilio.

El Luna Park, Gardel, los pugilistas, los circos sin nombre, las Madres de Plaza de Mayo, sus alusiones a Quilmes y Bernal, los lugares en los que fue feliz, aparecen en su obra una y otra vez, como si nunca hubiera partido definitivamente del país que lo expulsó y no supo, todavía, recuperarlo.

Su última gran muestra antológica “La mano que…” tuvo lugar en el Palazzo Reale de Milán, en mayo de 2008, coincidiendo con la celebración de la Semana Argentina en Milán. Una vez más Julio Paz dio muestras de su talento compositivo con pinturas y grabados que volvieron sobre sus temas de siempre, el amor, la patria lejana, la soledad, y el arte. Como si Van Gogh, Chagall, Frida Kahlo, Gauguin, Goya, alimentaran aún su solitario, inconfundible, noble camino hacia una belleza que, no sabía, ya había encontrado muchos años atrás.

Claudio L. Pérez
06/02/2010

LA MADRE: NUEVA FECHA DE ESTRENO

2010-02-06T19:06:00.000-08:00

Amigos:

El estreno de La madre sufrió un nuevo cambio: la fecha, ahora, y creo definitivamente, es el 25 de febrero.

Lo cierto es que está bastante complicado el estreno para las películas argentinas.

Por eso, me animo a pedirles que nos den una mano con la difusión de la noticia y, por supuesto, viendo la película.

Saludos a todos

Gustavo

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La luz

2010-01-25T14:41:00.000-08:00

Hace un tiempo, un viejo amigo al que hacía años que no veia, Marcelo Cernich, me contó algo sobre su profesión: él siempre creyó que la arquitectura, y hablaba de la construcción de una casa, un puente o un templo, implicaba entender el espacio como el marco para la ceremonia de sus habitantes.

Me pareció en ese momento una idea luminosa. Desde hace unos días, la convicción de Marcelo me ronda.

Pensé que lo que llamamos forma en cine podría entenderse como el marco para las ceremonias que allí se ponen en juego; una fundamentalmente: la Ceremonia de la Luz.

Volví a visitar, entonces, el libro "Culto a la luz", de Sven Nykvist, del que quisiera compartir con ustedes un fragmento:

"No cabe duda de que fue Ingmar Bergman el que me enseñó a sentir veneración (respeto, gratitud) por la luz, la luz real, verdadera y viva. Fue trabajando con aquellas películas en blanco y negro, Como en un espejo, Los comulgantes, El silencio, Persona, y luego en las películas en color, Pasión y Gritos y susurros".

Del trabajo en Los comulgantes, cuenta:

"Creí que tenía una tarea más fácil ante mí (más fácil que en Como en un espejo, rodada en momentos como el amanecer o el atardecer). Se desarrollaba a la luz del día, la mayor parte en una iglesia, durante unas pocas horas.

- Esto va a ser fácil-le dije una Ingmar, en tres horas, dentro de una iglesia en pleno día, la luz no puede cambiar mucho.

Ingmar casi se enfadó.

- No tienes ni idea. Eso es precisamente lo que ocurre y eso es precisamente lo que busco. El cambio gradual, casi imperceptible, casi sin sombras.

Desde el punto de vista de la iluminación, Los comulgantes es una de las películas más notables de Ingmar, pero pocos son quienes lo perciben cuando la ven. La sencillez resulta mucho más ingrata que la hermosa luz. Nadie entiende el trabajo que hay detrás de eso. Para mi el rodaje fue como una importantísima escuela con un profesor que, a veces, me parecia demasiado exigente. Como suele ocurrir, esto se agradece después "

Un abrazo a todos

Gustavo

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La madre se estrenará el 4 de febrero

2009-12-25T18:55:00.000-08:00

No sin antes desearles felices fiestas a todos los que nos han seguido a lo largo de este año, les comento que se ha confirmado la fecha del estreno comercial de LA MADRE.

Será el 4 de febrero de 2010; oportunamente, por este medio informaremos salas y horarios. Los dejo con la información del filme, y algunas críticas recibidas en ocasión de su presentación en el BAFICI 2009.

Un abrazo.

Gustavo

LA MADRE

Con Gloria Stingo, Federico Fontán y Marisol Martínez
Guión Gustavo Fontán con la colaboración de Alicia Silva Rey. Fotografía y Cámara Diego Poleri. Sonido Javier Farina. Montaje Marcos Pastor. Asistencia de Dirección Juan Garcilazo.
Dirección Gustavo Fontán
___________________________________________

Críticas sobre La madre durante su participación en el Bafici

Diario Clarín, por Diego Lerer:
“Fontán cuenta esta historia de una forma no tradicional, apelando a la contemplación del espacio y de los cuerpos, narrando en forma circular, impresionista”.

Diario La Nación, por Claudio Minghetti:
“Fontán vuelve a generar sensaciones, esta vez desde una ficción descarnada. A pura poesía trágica el cineasta consigue poner al espectador en el lugar de este muchacho que debe tomar la primera gran decisión de su vida”.

Otros cines, por Diego Batlle:
“La película es bellísima, mérito compartido con sus técnicos (ese mago de la luz que es Diego Poleri, el editor Marcos Pastor y el sonidista Javier Farina). Otro interesante aporte de este director que busca su camino con una coherencia y una independencia admirables”

Agenda del Sur, por Josefina Sartora:
“Fontán deja de lado el diálogo y se confirma como exquisito creador de climas sugerentes. La sucesión de planos fijos, primeros planos de personajes y objetos -un insecto, una planta- primerísimos planos de la madre, todos ellos conforman una galería de imágenes como pocas veces podemos contemplar con tal gozo en el cine argentino. Una propuesta arriesgada y nada convencional, que propone una radicalización del relato muy poco complaciente”.

Sin aliento (Diario del BAFICI):
“Un cine que rechaza la dicotomía forma/contenido para sellar una obra particular con una lírica y una poética propia.”

Catálogo del 11° BAFICI:
“(…) esa intimidad de sus imágenes que recuerda a la fusión entre carnal y mística del díptico de Sokurov sobre padres, madres e hijos. Tampoco la madre de este film responde al estereoticpo de lo maternal, e incluso está menos preocupada por seguir siendo madre que enajenada por su situación de mujer en vías de dejar de ser objeto del deseo masculino”.

2009-11-29T04:16:00.000-08:00

Hace unos años, Alicia Silva Rey me habló de Arnaldo Calveyra. Me pasó algunas entrevistas y me prestó un libro: “Diario del Fumigador de guardia”
Calveyra nació en Mansilla, Entre Ríos, en 1929.

Mientras estudiaba Letras en la Universidad de humanidades de La Plata consiguió un trabajo. Lo cuenta el propio Calveyra:

“Encontré un trabajo de fumigador de barcos. Era un trabajo muy insalubre, peligroso, había que tener una máscara. Abajo nos esperaba un equipo médico y había que aventurarse siempre de a dos, nunca aventurarse solo a los sitios donde se inyectaba el ácido cianhídrico… Yo estaba muy contento, escribía, escribía mi diario”

“Diario del Fumigador de guardia” se publica por primera vez en Francia, en 1987, treinta años después de su escritura. Hace unos días volví a visitar el libro, breve, abrumador. Me emocionó, como en la primera lectura, la voluntad por encontrar poesía entre los hierros oxidados, el gas y las ratas.

Comparto con ustedes un fragmento:

“Para hacer tiempo, luego que inyectamos el gas, porque no vaya a resentirse de poca importancia la importancia de nuestra tarea, nos vamos a cubierta, al abrigo de los médicos y de los empleados municipales, de cara al canal y a los barcos más grandes, los vidrios de mi máscara empañados por la respiración, el capataz cuenta con los dedos las latas de cianhídrico que hemos abierto.

Disfrazada, la realidad se asoma con delicadeza de esa voz vestida de elefante, mi amigo de la infancia llega para asombrarme con alguna visión que lo estará visitando.

Me tiendo en cubierta, no a descansar sino a aguardar la irrupción de la memoria”.

Saludos a todos.

Gustavo

(Ediciones VOX, de Bahía Blanca, publicó en 2002 “Diario del Fumigador de Guardia”)

MENDOC - Primer Festival de Cine Documental de Mendoza

2009-11-14T15:10:00.000-08:00

La Secretaría de Cultura de la Provincia de Mendoza, el Cine Universidad, la Escuela Regional Cuyo de Cine y Video, y la Asociación Mendocina de Cine y Artes Audiovisuales (AMCAA), realizarán el Primer Festival de Cine Documental de Mendoza, “MENDOC”, durante las jornadas del 2 al 5 de diciembre de 2009.

Del mismo, participará LA ORILLA QUE SE ABISMA. Estaremos presentes en Mendoza el día de su proyección. Los esperamos.

Gustavo.

BASES DEL CONCURSO DE CINE DOCUMENTAL “MENDOC”

1- Objetivos: Ofrecer a los realizadores audiovisuales mendocinos y residentes en la provincia un espacio de encuentro, difusión, desarrollo y competencia de sus obras. Se deberá acreditar al menos dos años de residencia en la Provincia de Mendoza. Queda excluida la participación de cualquier persona vinculada laboralmente con la Secretaría de Cultura.

2- Fecha del certamen: Tendrá lugar desde el día miércoles 2 al sábado 5 de diciembre del 2009.

3- Lugar de la muestra: Cine Universidad, Teatro Independencia y Cinemóvil en Plaza San Martín.

4- Categorías del certamen: El festival es exclusivamente de documentales. Se establecerán dos categorías competitivas que estarán sujetas a la presentación de material suficiente y de calidad necesaria para la conformación de las mismas. En caso de no poderse constituir alguna de las categorías, el premio estipulado de la misma pasará a formar parte de un segundo y tercer premio de la categoría única del festival.
A) Largometraje o Mediometraje: Competencia oficial para documentales con una duración de más de 25 minutos, rodados en cine o digital y terminados en formato digital.
B) Cortometraje: Competencia oficial para documentales con una duración de hasta 25 minutos, rodados en cine o digital y terminados en formato digital.

5- Condiciones generales de postulación:
A) Podrán participar aquellas obras terminadas a partir de enero del 2006.
B) Las obras recepcionadas para la competencia en las distintas categorías serán preseleccionadas por un consejo de programadores instituido para el festival. Este consejo estará compuesto por tres miembros: uno (1) por la Escuela de Cine, uno (1) por el AMCAA y uno (1) por el Cine Universidad.
C) Para participar en cada una de las categorías los realizadores deberán enviar una copia en formato DVD Pal, habladas en español o subtituladas. Además deberán incluir lo siguiente: fotografías digitales de la obra; una fotografía del realizador/a; sinopsis (4 renglones); ficha técnica y datos completos del director y productor.
D) Acreditación mediante fotocopia del documento, de que el postulante es nativo de la Provincia de Mendoza o acreditación fehaciente de que hace al menos dos (2) años que reside en la misma.
E) Las obras, para la etapa de preselección, deberán ir dentro de una caja o estuche cuya portada contenga la siguiente información: título; duración; nombre del director; correo electrónico; teléfono; año de realización y departamento de origen del realizador. Además, el DVD deberá estar identificado con el título de la obra y el nombre del realizador.
F) La inscripción se debe hacer en la Web oficial http://www.cultura.mendoza.gov.ar/, dónde se podrá descargar la ficha de inscripción, la cual debe ser enviada junto al material a los lugares señalados en el punto 6.

6 – Envío de material y fecha de inscripción.

MENDOC – Primer Festival de Cine Documental de Mendoza.
Gutiérrez 204 (esquina España) – Mendoza.
Código Postal 5500.
Horario 9:00 hs a 13:00 hs.
Para mayor información contáctese al e-mail: cineuniversidad@uncu.edu.ar Teléfonos (0261) 449-5821 (de 9:00 hs a 13:00 hs).
A) La ficha de inscripción, el material en formato DVD, así como toda la información requerida para la preselección, se recepcionará hasta el día 13 de noviembre del 2009 como PLAZO MÁXIMO.
B) La selección de obras será informada por la Web oficial, teléfono, fax y/o e-mail a quien haya inscripto la obra en la web del evento a partir del 20 de noviembre del 2009.

7- Jurado.
A) El jurado estará compuesto por 5 personalidades del medio audiovisual, de las artes y la cultura provincial, que serán los responsables de elegir los trabajos ganadores durante la muestra. El jurado estará formado por: dos (2) por la Secretaría de Cultura, uno (1) por la Universidad, uno (1) por la Escuela Regional Cuyo de Cine y Video y uno (1) por el AMCAA.
B) Estarán inhabilitados de formar parte del jurado las personas que estén directamente relacionadas con las obras en competencia.
EL FALLO DEL JURADO ES INAPELABLE.

8- Premios:
- Premio mejor largometraje o mediometraje (de más de 25 minutos): Diploma y un premio de $ 3.000.-
- Premio mejor cortometraje (de hasta 25 minutos): Diploma y un premio de $ 2.000.-
- Premio Mención Honorable del Jurado: Diploma.
- Premio del público: Diploma.

9 – Traslado de copias
A) Los gastos de envío de las obras serán responsabilidad del inscriptor. El material recepcionado quedará en poder de la organización del MENDOC como archivo patrimonial audiovisual, el cuál podrá ser utilizado con fines promocionales sin fines de lucro en muestras o foros con previo aviso a sus realizadores.

10 – Seguro de copias

A) El MENDOC no se responsabiliza por los daños o pérdidas ocurridas durante el traslado de las copias.
B) En caso de daño grave o pérdida durante el desarrollo del certamen y mientras está en poder de la organización, ésta responderá por el costo de la reposición de la copia, siempre y cuando esta situación sea notificada durante el evento.

LAS OBRAS RECEPCIONADAS QUE NO CUMPLAN CON LAS CONDICIONES GENERALES DE PARTICIPACIÓN Y LOS REQUISITOS DE PRESELECCIÓN NO SERÁN INSCRIPTAS.

AL INSCRIBIRSE, EL INSCRIPTOR ENTIENDE QUE ACATA LAS BASES ANTERIORMENTE MENCIONADAS Y QUE CEDE LOS DERECHOS DE PROYECCIÓN DURANTE LA FECHA DEL FESTIVAL Y EN DÍAS ANTERIORES COMO PARTE DE LA PROMOCIÓN DEL MISMO.

CUALQUIER SITUACIÓN NO PREVISTA EN LAS BASES, SERÁ RESUELTA POR LOS ORGANIZADORES DEL MISMO.

Elegía

2009-11-01T16:43:00.000-08:00

Cómo se habrán dado cuenta, desde hace un tiempo venimos indagando en la figura de Salvador Merlino: imágenes, recuerdos, libros. Huellas de alguien que ya no está.

Y no se puede agitar el agua sin consecuencias.

En principio, todo esto nos fue llevando a ciertas preocupaciones que podríamos sintetizarlas en las siguientes: ¿Cómo se puede evocar al otro? ¿Dónde encontrar cierta certeza que nos libere de lo esquivo de las imágenes, de la poca fiabilidad de nuestra memoria? ¿Cómo puede el cine transformarse en instrumento de evocación?

Y de pronto, las preguntas encuentran respuestas simples, únicas, válidas en un instante, en el momento en que algo salta, irrumpe desde algún abismo, y se ofrece.

Sabemos, nos lo han enseñado ya, que el misterio está en saber esperar, en aprender a mirar.

Habrá una película, casi con seguridad, que llamaremos “Elegía”. No será más que un conjunto de preguntas; una forma, también, de aceptar el misterio.

Un abrazo

Gustavo

DOCSBSAS 2009

2009-10-10T17:03:00.000-07:00

Del jueves 15 al lunes 26 de octubre, DOCBSAS presenta su novena edición.

La Ciudad de Buenos Aires será el escenario donde se verán y discutirán las mejores producciones internacionales de cine documental de creación.

Entre los trabajos programados se verán algunos de los capítulos que la Televisión Pública prepara para el año que viene, con motivo del bicentenario. La serie llamada HUELLAS DE UN SIGLO consta de 26 documentales de 26 minutos de duración.

La idea fundamental del ciclo es contar la historia argentina del siglo XX a partir de acontecimientos claves ocurridos en fechas precisas, como mojones históricos o momentos epifánicos, contextualizados a través de sus antecedentes y consecuencias en el quehacer nacional, haciendo al mismo tiempo visibles los vínculos entre capítulos.

Esta serie apunta a provocar la reflexión sobre los hechos o momentos históricos tratados; la historia en permanente movimiento, y no los hechos aislados como compartimentos estancos, sino contados desde una óptica abierta.

Los títulos de los seis capítulos que se exhibirán en el marco del DocBsAs09 son los siguientes:

SABADO 17 DE OCTUBRE - 17 HORAS (Duración total: 78 minutos)

1973, La primavera de los pueblos (Hernan Khourian): El 25 de Mayo de 1973 asume la presidencia de la nación Hector Cámpora. La efervescencia de lo que Perón había descripto como juventud maravillosa está en pleno apogeo. ¿Cómo eran posibles de conciliar la patria peronista y la patria socialista? Esta es la historia del camino a Ezeiza.

1976, Descabezamiento de la clase obrera (Gustavo Fontán): Atilio López, Rene Salamanca y Agustín Tosco eran dirigentes sindicales de la rama más combativa del movimiento obrero. Ninguno de los tres está hoy con vida. El plan de aniquilamiento sobre los trabajadores que se inicia con el último golpe de estado es la historia que se cuenta en este documental.

El malón de la paz (Pablo Reyero): Alentados por Perón, 174 kollas caminan hasta Buenos Aires en 1946 por la restitución de sus tierras. A su paso, en todo el país se aviva el anhelo de la reforma agraria. El flamante presidente los recibe en la Casa Rosada y les promete soluciones. Pero los kollas son alojados en el hotel de inmigrantes y veinte días después enviados por la fuerza hasta Abra Pampa, en el límite con Bolivia. ¿Son estos los límites inclusivos y redistributivos del gobierno de Perón? (HS)

SABADO 24 DE OCTUBRE - 17 has (Duración total: 78 minutos)

El grito de Alcorta (Marcel Cluzet): En 1912 un grupo de chacareros de la localidad de Alcorta declara una huelga por tiempo indeterminado. Reclaman entre otras cosas baja de arrendamientos y contratos por un mínimo de cuatro años. Arrendatarios y peones se ponen por primera vez del mismo lado. Este es el comienzo de la Federación Agraria.

Eva Perón, último año con su pueblo (Alejandro Fernández Mouján): El 22 de Agosto de 1951, en la Avenida 9 de Julio, una multitud dialoga con Eva Perón y le pide que sea candidata a vicepresidente acompañando a Perón. Unos días después Evita rechaza la candidatura. Son muchas las especulaciones: la enfermedad que avanza, la presión militar. Aún persiste la incógnita. El documental se centra en la relación que establece Evita con su pueblo. Las voces e imágenes de este relato son las que más tarde constituirán el mito.

Bombardeo a la Plaza de Mayo (Carlos Echeverría): El 16 de junio de 1955 aviones de la Marina lanzan sobre la Plaza de Mayo 14 toneladas de bombas. Hay más de trescientas víctimas, fundamentalmente civiles. La conspiración terrorista adujo como objetivo derrocar a Perón e involucró a autoridades de las Fuerzas Armadas y destacados dirigentes de partidos opositores. El decurso posterior de la historia política argentina hará que este acontecimiento ocupe un lugar desplazado en la memoria pública.

Salvador Merlino y Baldomero Fernández Moreno

2009-09-18T17:32:00.000-07:00

Hola amigos.

Tardé unos días en cumplir la promesa pero acá va: dos sonetos de Salvador Merlino y un poema de Baldomero Fernández Moreno.

En unos días habrá noticias del estreno de “La madre”, que será muy pronto.

Un abrazo

Gustavo

Al lado de un camino
el poeta Merlino.

Delante de su casa
ve todo lo que pasa.

Tiene lejano el cielo
y cerca el Riachuelo.

Tiene cañaverales
claros, meridionales.

Y ligustro profundo
que es la sombra del mundo.

A cabras y gorriones
les dice sus razones.

Tiene a Villa Lugano
debajo de su mano,
como si bendijera
la casa y la pradera.

BALDOMERO FERNÁNDEZ MORENO

"BARRIOS"

De TRASIEGO, 1943

Tienden mis barrios, ante el pie, su piso:
Flores, Constitución, Villa Lugano,
y tengo así, al alcance de mi mano,
el perfume, la sal, el paraíso.

Por sus rasgos más nimios los preciso
y les doy tratamiento casi humano.
Éste me place por modesto y sano
y aquél porque me quiere y no me quiso.

Más, entre todas las barriadas una
con palabra distinta está llamando:
Parque de los Patricios fue mi cuna.

Y allí mi voz amaneció cantando.
Digo: Caseros, Catamarca, Luna;
nombro estas calles y me estoy nombrando.

"CIELO INTACTO"

De COLOR Y FORMA, 1951

¡Qué lumbre vegetal! Qué artesanía
prodiga el cielo para socorrernos,
pues cerca ya de los cincuenta inviernos,
tengo mi cielo verde, todavía.

Ni el desvío del hombre, cuya fría
mano trabaja para entristecernos;
ni la memoria de los años tiernos
le quitan el color del primer día.

Porque el verde del cielo matutino
que aún me cubre, no sufrió mudanza
en el sueño y la voz del peregrino.

Y, como el desaliento no me alcanza,
siempre estoy a la orilla del camino
para partir con toda mi esperanza.

SALVADOR MERLINO

Muestra de cine argentino en Brasil

2009-08-05T02:58:00.000-07:00

Hola, amigos...

Brasil está preparando la muestra de cine argentino más importante que haya habido en el país vecino. Se llama "Del nuevo al nuevo cine argentino - Birra, crise y poesía".

Eligieron 27 películas de los períodos 1958-1966 y desde 1997 en adelante. Del primer período incluyeron películas como Crónica de un niño solo (1965), de Leonardo Favio; La cifra impar, (1961) de Manuel Antín y Tres veces Ana (1961), de David J. Kohon.

Del segundo películas como Bolivia (2001), de Adrián Caetano, Tan de repente (2002), de Diego Lerman, y Los muertos (2004), de Lisandro Alonso.

La buena noticia es que entre las 27 películas está EL ÁRBOL.

La muestra se llevará a cabo en las siguientes fechas:

del 19 de agosto al 06 de sepiembre - San Pablo
del 15 de septiembre al 04 octubre - Río de Janeiro
del 08 a 27 de Septiembre - Brasília

Saludos a todos.

Gustavo

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"La madre" se exhibe en Mar del Plata

2009-07-18T16:44:00.000-07:00

Una buena noticia para quienes no pudieron verla en el BAFICI...

El próximo domingo 26 de julio, a las 20.15 hs, "La madre" será proyectada en el MUSEO DEL MAR, sito en Avda. Colón 1114, de la ciudad de Mar del Plata.

Estaré presente en la sala, y seguramente compartiremos una charla al término del filme. Nos vemos...

Gustavo

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Algo más sobre Salvador Merlino

2009-07-05T06:50:00.000-07:00

Hola a todos!...

A raíz del comentario de Ana, y otros amigos, comparto con ustedes algunos poemas más de Salvador Merlino.

Gustavo

De "ELEGIA DE OCTUBRE"

Soneto inicial

A medio siglo de los pasos ciertos
y tras mucha sonrisa y primavera,
esta es la vez primera, la primera
que mis palabras lloran por mis muertos.

Yo sabía del linde, de los puertos,
de lo breve del aire y de la carrera,
pero ignoraba que en la muerte hubiera
muchos grados de llantos y de muertos.

Como quien reza una oración, quisiera
llevar mi voz por los antiguos huertos
y hablar del padre, como si durmiera.

Pero son varios los dolores ciertos,
y esta es la vez primera, la primera
que sufro de otro modo ante los muertos.

De ELEGÍA DE ABRIL

VII

Con tiernos dones la mañana llega
para que marche la ilusión sin daño,
para que tenga primavera el año.
Y la ilusión a la ilusión se entrega.

El buen amor con sus ternezas llega
para que el daño, el delicioso daño
vea en la sal con que se aroma el año
la delicada fruta que le entrega.

Llega la pena porque llega el daño;
llega la herida porque el daño llega,
y, donde marca con la cruz el año

el término vital, la luz se entrega.
Y siempre y siempre, indiferente al daño,
cada mañana la mañana llega.

XXVIII

¿Quién podrá dar un día
la justa dimensión de tierra y cielo?
¿Qué lengua de poeta
dará categoría a lo menudo,
a las cosas vulgares, despreciables,
esas que al parecer no dicen nada
y llevan, sin embargo, muy adentro
muchedumbres de flores escondidas,
como la caja de zapatos vieja,
como las ruedas de los carreteles,
como las piezas del reloj gastado,
como los mangos de los cucharones,
como las plumas del plumero inútil
que, transformados en juguetes, sirven
para alcanzar una sonrisa al niño
y entretener el ocio de los hombres
el sábado, el domingo, cualquier tarde?
¿Qué lengua afortunada
dará categoría a lo menudo?

SALVADOR MERLINO

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Proyección de "El paisaje invisible"

2009-06-23T19:03:00.000-07:00

El documental sobre el poeta jujeño Jorge Calvetti (2003), será proyectado en la la librería Cobra el domingo 28 de junio y el jueves 2 de julio a las 19 hs.

La cita es en Aranguren 150, en el barrio de Caballito, de la Capital Federal.

Los espero.

Gustavo

2009-06-06T09:24:00.000-07:00

El 2 de marzo pasado se cumplieron 50 años de la muerte del poeta Salvador Merlino.

Su poesía celebra lo sencillo de la vida, la belleza de lo simple y, a su vez, los aspectos más trascendentes del hombre.

Salvador, mi abuelo, nació en 1903 y publicó quince libros:

CANCIÓN DE VACACIONES (1922), JACULATORIAS DE LOS SENTIMIENTOS MORALES (1927), EL ORO DEL HIJO (1928), EL AMOR DESENCANTADO (1930), MELODIAS (1932), HEHE MARIA VA EN LA COPLA (1934), LOS METAFISICOS (1935, Ensayos); EL RUMBO JALONADO (1938), LA VOZ Y EL RIO (1940), SINDÉRESIS (1942), TRASIEGO (1943), COPLA (1945), COLOR Y FORMA (1951), ELEGIA DE OCTUBRE (1954), ELEGIA DE ABRIL (1960, PÓSTUMO).

Gustavo

IDENTIDAD

De Color y forma, 1951

Como a la vida que me doy me allano
y ella a mi ruego no se muestra esquiva,
llevo un poco de pluma a la deriva
y una rosa de tierra en cada mano.

Por ellas vierto mi contento humano
en bien de verso o prosa sensitiva,
y soy feliz porque la flor cautiva
no me llama verdugo, sino hermano.

Y este gozo, que acrece el señorío,
multiplicando el fruto en el acodo,
porque me viene de la sangre, es mío.

Pero si el aire me quitase todo,
para cambiarle su color al río,
siempre sería el mismo, de otro modo.

Salvador Merlino

159 SS Autopista, un libro de Claudio Pérez

2009-04-26T13:22:00.000-07:00

En la portada, además del título del libro y del autor, se anota: “Textos fuera de registro”. Esta brevísima mención es inquietante, ya propone un modo de ingreso, un enigma, ¿un destino?

Hay dos grandes movimientos en el libro: uno continuo, vinculado al viaje que Pérez hace diariamente desde Ezpeleta hasta a su trabajo en Capital Federal, y uno discontinuo, jugado en los intersticios, donde aparecen una serie de textos autónomos, es decir sin continuidad narrativa, textos que obedecen, uno tiene derecho a pensar, a las diversas preocupaciones e intereses del autor, variados, múltiples, como, por ejemplo, los grabados de Hilda Paz, los diversos desamparos políticos, o las revelaciones ocurridas en el seno, siempre fantasmal, del Bar El Destino.

A su vez, la continuidad del viaje, implica otra fragmentación. Permanece el viaje pero se altera lo observado. Retazos, impresiones sobre un alma. Esos fragmentos del mundo se ofrecen a los ojos y al espíritu y enseguida son presas de su fugacidad. Y vienen otras cosas en su reemplazo.

Todo se fuga, como la luz. Pero deja huella. Deja un tiempo sin tiempo. Deja texto.

Por su característica esencial, el libro es ideal para ser leído en los viajes. Sobre todo si esos viajes son repetidos, monótonos, complicados siempre cuando se va desde el conurbano al centro. Uno descubrirá de pronto un resquicio en su memoria, un retazo aletargado de colores, un conjunto de señales, otros textos fuera de registro, esta vez personales, íntimos. Uno descubrirá de pronto que esos fragmentos, en su suceder, hablan de nosotros. El viaje, es necesario decirlo, cobra entonces sentido, más allá de la urgencia por llegar al trabajo, más allá de la soledad y del cansancio, más allá de los desamparos.

Pérez resiste. Pérez ve retazos de mundo por la ventanilla, y los ordena, los privilegia, les otorga sentido en el montaje. Nada más parecido al cine. Al buen cine, que nos deja resquicios para que nos sintamos vivos. ¿Hay algo, en estos días, más revolucionario que esto?

Gustavo

Para los que quieran comunicarse con Claudio L. Pérez pueden dejar su mensaje en este blog o escribirle al mail clperez@infovia.com.ar

Marfici 2009: retrospectiva de Gustavo Fontán

2009-04-19T12:18:00.000-07:00

El MARFICI es el festival de origen privado mas grande del país y uno de los principales a nivel Latinoamericano, tanto si se considera el número de películas participantes, los días de duración o la cantidad de público y medios asistentes.

En el corazón del evento se encuentra la muestra cinematográfica, que abarca más de 100 films y se desarrolla entre los días 2 al 9 de Mayo, en seis o más salas de la ciudad, que incluyen el Teatro Colón, el Cine Olympia, el Cine Santa Fe, la Alianza Francesa, el Centro Cultural Pueyrredón, el Museo del Mar, y otros.

En esta edición, la quinta, los organizadores de este prestigioso festival decidieron exhibir gran parte de mi trabajo como director (*), a modo de restrospectiva.

Será, pues, que tendremos una nueva oportunidad para compartir un grato momento. Los esperamos...

Gustavo

(*). La sección estará conformada por los filmes La madre (2009), La orilla que se abisma (2008), El árbol (2006), El paisaje invisible (2003), Donde cae el sol (2002), Marechal o la batalla de los ángeles (2001), Ritos de paso (1997) y El canto del cisme (1994)

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Diario La Nación (Crítica)

2009-04-03T02:59:00.001-07:00

Poesía trágica

La madre (Argentina/2007/2009), de Gustavo Fontán. Competencia argentina (29-3-09, 19 hs y 30-3-09, 14.30, en el Hoyts Abasto; 1-4-09, 19 hs, en el Teatro 25 de Mayo).

Gustavo Fontán ( El árbol, La orilla que se abisma ) vuelve a generar sensaciones, esta vez desde una ficción descarnada basada en un veinteañero que debe optar entre la decadencia de su madre, atrapada en una vejez anticipada y la vida como hombre que le espera.

A pura poesía trágica, la del dolor y la culpa que significa la partida para siempre, el cineasta logra poner al espectador en el lugar de este muchacho que debe tomar la primera gran decisión de su vida. Se destaca la fotografía de Diego Poleri.

Claudio D. Minghetti

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BAFICI: La cita es el domingo 29 de marzo...

2009-03-22T14:29:00.000-07:00

"La madre" será estrenada el próximo domingo 29, a las 19.30 hs., en el HOYTS ABASTO.

Repetimos el lunes 30, a las 14.30 hs, en el HOYTS, y el miércoles 1 de abril, a las 19.00 hs, en el cine 25 de Mayo.

Seguramente, nos veremos después de cada función. Los espero.

Gustavo.

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Novedades del BAFICI

2009-03-14T19:07:00.000-07:00

Hace unos días nos llegó la confirmación: "La madre" había sido seleccionada para participar de la XI edición del BAFICI. Una vez más, este querido festival nos invitaba a su casa, como lo hiciera con El árbol (2006) y La orilla que se abisma (2008).

El BAFICI tiene una singular significación para los que hacemos cine independiente, porque es un lugar donde nos sentimos cómodos, a gusto, siempre bienvenidos.

Este año el evento se inicia el 25 de marzo,y finaliza el 5 de abril. En breve, les haremos llegar noticias de los días y horarios de las funciones. Por ahora, los dejo con la imagen de la postal que se entregará a los asistentes al festival.

Gustavo.

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Se acerca el día de "La madre"

2009-03-02T12:57:00.000-08:00

"La Madre" está en su fase final.

Es el momento sublime que todos esperamos, el del alumbramiento.

Donde confluyen el esfuerzo, los afectos, los deseos y las esperanzas.

Un hijo más, de este hermoso vientre de imágenes que nos regala la profesión.

Es en este instante cuando uno reflexiona sobre la gente que hace posible que lleguemos a la meta.

A esta madre que nos dio este nuevo hijo, y a todos los amigos y profesionales que supieron darle su amor durante este largo embarazo....

Muchas gracias.

Gustavo

De árboles, lluvias, rostros y cine....

2009-02-01T05:50:00.000-08:00

Queridos amigos:

Hace unos meses, los organizadores del Festival de Cine Documental de Navarra, Punto de vista, tuvieron la amabilidad de enviarme el excelente libro "ERMANNO OLMI, Seis encuentros y otros instantes”, editado por el Gobierno de Navarra.

Quiero compartir con ustedes algunos pensamientos del director de “El empleo”, “El árbol de los zuecos”, “El misterio de las armas”, entre tantas e importantes películas.

EL ARBOL

“Un árbol real es creativo siempre, incansable y permanentemente. Posee virtudes que le hacen cambiar permanentemente: responde a la luz y refleja la luz de una manera distinta, impredecible, cada vez. Un cineasta vive con ansiedad el no poder capturar un instante irrepetible cuando la luz está cambiando. Y esto es hermosísimo, porque entre la primera y la cuarta o la quinta toma hay variaciones: está palpitando constantemente”.

LA LLUVIA

“Incluso de forma extraña, la lluvia siempre sugiere una tregua. Cuando un pastor o un agricultor tenían que enfrentarse a la lluvia, lo hacían interrumpiendo su actividad: la lluvia era una señal de pausa. La lluvia, de una manera u otra, debería empujarnos a hacer una pausa de vez en cuando: mientras llueve se puede pensar, hacer un pequeño balance, meditar sobre lo que hay que hacer. Hoy casi hemos relegado al olvido estos momentos de tregua”.

EL ROSTRO

“El rostro de una persona no sólo es la síntesis de la persona responsable y dueña de ese rostro, sino la síntesis de la historia universal. Aquello que sucede en el rostro del hombre es incluso más importante y luminoso que lo acontece a su alrededor”.

EL CINE

“Rossellini me hizo entender la diferencia que existe entre el cine como construcción y el cine como pacto con la realidad”.

Un abrazo, hasta la próxima...

Gustavo

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Un viejo recuerdo...

2009-01-19T18:30:00.001-08:00

Lo encontré en Internet casualmente. Me había olvidado que se hallaba alojado en You Tube.

Se trata del trailer de Donde cae el sol, mi primer largometraje, una experiencia única.

Pensé que sería bueno compartir esos minutos con ustedes. Especialmente con aquellos que no pudieron verlo.

Pueden hacerlo sin salir del Blog, haciendo click sobre la imagen de la película ubicada sobre el margen derecho.

Espero que les guste.

Gustavo

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Una carta muy especial

2009-01-01T09:51:00.000-08:00

Queridos amigos, feliz año nuevo!

A todos!... A los que han sido consecuentes visitantes durante estos 2 años de vida del Blog, como a aquellos que lo hacen por vez primera.

Entre todos estos amigos que nos han honrado con sus saludos, elogios y críticas, llamó mi atención una carta, que recibí hace muy poco tiempo. Era hermosa, conmovedora... Y se me orcurrió que debía estar en el Blog.

Le pedí autorización a su autora, y me la concedió. Su nombre, María Elizabeth Wester.

Gracias, Eli...

Gustavo

LA CARTA DE ELI

Hola Gustavo, no se si recuerdes que me comunique contigo preguntándote sobre la posibilidad de reunirme con tu película El Árbol. En este sentido tu actitud generosa me llevó a Juan José y él hizo posible no sólo El Árbol sino su película sobre Juanele y la Orilla que se Abisma.

Fue importante el impacto de las imágenes vistas en La Orilla…, eso me llevó a contactarme; ahora habiendo visto El Árbol, siento la necesidad de comunicarme con vos para contarte un nuevo impacto, un nuevo disfrute, en esas imágenes que tanto te describen, que tanto hablan de vos sin nombrarte.

El inicio de la película con Primavera del 2004, me sitúa de lleno en un momento, hablo de cronología, que tuve un aneurisma, esa misma primavera del 2004.

La gravedad del cuadro clínico era de muerte, igual que El Árbol, esa línea sutil y transparente entre la vida y la muerte, entre la esperanza y la tragedia.
La fisura en la arteria en el cerebro determinó entre otras causas y azares, una intervención que hicieron médicos especialistas en imágenes, que al poco tiempo de curada me dijeron: ”pensar que de vos teníamos tan pocas imágenes…”

Estas palabras cobraron desde entonces para mí una relevancia significativa que se tradujeron y se enlazaron, en algún otro momento de la historia, con tus imágenes de la Orilla y luego El Árbol aunque repito, con una cronología no ordenada.

Este relato excesivo para mi práctica literaria, que es ninguna, tiene como única intención compartir con vos mi agradecimiento y especial valoración por tus obras, tus creaciones, tu manera de hablar con imágenes, imágenes que para mí se traducen en poesía, en algo muy disfrutable, en vida!!.

Disculpa la extensión, gracias por haberlo posibilitado

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La orilla viaja a Pamplona

2008-12-20T12:53:00.000-08:00

Una nueva alegría para el grupo de trabajo de La orilla.

"La orilla que se abisma" ha sido seleccionada para participar de la Sección Oficial del V Festival Internacional de Cine Documental de Navarra “Punto de Vista”, que se celebrará en Pamplona del 13 al 21 de febrero de 2009.

En breve, por este medio, comunicaremos la fecha y hora exacta de proyección de la película.

La orilla ha sido elegida junto con otras 25 obras, de un total de 603.

Un abrazo.

Gustavo

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Nuevo proyecto: La madre

2008-12-06T15:36:00.000-08:00

Hola, amigos.

Cerca de fin de año quiero contarles del nuevo proyecto: se llama La madre.

El equipo es el mismo con el que hicimos El árbol: DIEGO POLERI, en la cámara y fotografía, JAVIER FARINA, en el sonido, MARCOS PASTOR, en el montaje. La película cuenta con las actuaciones de GLORIA STINGO, FEDERICO FONTÁN y MARISOL MARTINEZ.

Hace casi dos años que empezamos con el proyecto, explorando y profundizando cosas que nos interesan.

Por hoy les cuento su sinopsis y les hago llegar un par de fotos:

Sonia (45) y Jonatan (18), madre e hijo, comparten la casa: territorio para el dolor de la madre, espacio para la huída del hijo.

El marido está ausente, se ha ido, y los intentos por encontrarlo no conducen a nada.

El hijo se irá en cualquier momento.

La angustia empaña las horas, moldea la percepción de la madre.

Sonia bebe, se emborracha, cuenta sueños extraños y realiza acciones peligrosas.

Jonatan se siente responsable. Cuida de ella.

Si los episodios se repiten, si la madre se vuelve cada vez más frágil y vulnerable.

¿Podrá el hijo marcharse?

Saludos a todos y gracias por los mensajes.

Gustavo

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Novedades desde Ecuador...

2008-11-22T19:43:00.000-08:00

"La orilla que se abisma" fue galardonada con los premios al "Mejor Director" y "Mejor Fotografía" (Luis Cámara), en la 7ma. Edición del Festival Internacional de Cine de Cuenca, en Ecuador.

Felicitaciones a todos los que hicieron posible esta gran alegría.

Gustavo.

La orilla viaja al Festival Internacional de Cine de Cuenca (FICC)

2008-11-11T17:08:00.000-08:00

La orilla que se abisma viajará a Cuenca, Ecuador, en el marco de la Séptima Edición del Festival Interncional de Cine (FICC), que se desarrollará entre el 13 y el 20 de noviembre.

El festival es organizado por la Corporación Ecuatoriana de Artes Cinematográficas con el aval del Ministerio de Educación, el Ministerio de Cultura, y la Universidad de Cuenca, junto al apoyo de varias instituciones públicas y entidades privadas.

El Festival cuenta con las siguientes secciones:

* Competencia Oficial de Largometrajes
* La Música y el Cine
* Visión Latinoamérica
* Retrospectiva
* Los premios otorgados por el festival son para:
* Mejor Película
* Mejor Director
* Mejor Actuación
* Mejor Guión
* Mejor Fotografía
* Premio del Público

"La orilla..." participará de la Competencia Oficial.

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La orilla que se abisma, en la SEA

2008-10-24T08:28:00.001-07:00

Están todos invitados. Los esperamos...

Gustavo.

La orilla que se abisma, por Román Cárdenas

2008-10-11T04:41:00.000-07:00

Sí, estamos todos cansados y nos olvidamos demasiado del oro del otoño. Acaso la revolución consista en lo que el hombre por siglos ha estado postergando: la necesidad del verdadero descanso, el que permite ver como crecen, día a día, las florcitas salvajes.

- Juan L. Ortiz -

Riesgo, humildad, poesía, sensorialidad, evocación, misterio… son parte de los enormes atributos de “La Orilla que se Abisma”. Uno intuye desde el inicio del film la descomunal sensibilidad de Gustavo Fontán, ya desde el momento mismo de su empresa.

No es un documental sobre la vida del genial poeta entrerriano; tampoco una ficción radical basada en su vida y obra. Es mucho más y mucho menos que eso: un diálogo. Diálogo de formas, sin palabras; una consumación basada en la pesquisa: una confirmación; dos universos que, desde la autonomía de su arte, se aúnan, se besan y se entretejen.

El calor y el olor de la siesta litoraleña, un gato en un patio que, como tantos, no tiene límites definidos sino una circunspección regida por una maleza domada, más baja, que alguien, en el pasado ya, alguna vez desmalezó y que termina sobre los árboles que dan a la suave barranca, silvestre y mansa que da a su vez a la costa (la orilla) con su pequeño pero infaltable cinturón de arena que muere y renace (que se abisma) sobre el Río Paraná.

Una canoa que se hamaca sobre la luz frágil que el río en su reflejo devuelve al sol, guarda en su interior un par de remos para nadie. El sonido es el ruidoso silencio de la vegetación arcaica, que invade de a poco y en el que junto a la imagen sin saberlo aún vamos penetrando para llegar a la esencia misma de las cosas.

Y ahí aparece Ortiz, en espíritu. Acaso la genialidad de “La Orilla que se Abisma” sea este diálogo consumado. Un diálogo con las formas fantasmales de los árboles fuera de foco y una casa que emula la presencia de Ortiz valiéndose de recursos tan inteligentes como netamente cinematográficos. Un material de archivo, en super 8, se suma a la conversación como vestigio de alguien que tuvo similares móviles.

Fontán propone un diálogo de preguntas sin respuestas, quizás porque la Orilla se abisma en el misterio, ese mismo misterio que para Ortiz es fundamento y elemento de la verdadera revolución del hombre. Y si estamos todos un poco cansados y nos olvidamos demasiado del oro del otoño la anulación de todo canon clásico de representación hará que el cine renazca en su máximo esplendor, demostrando no sólo el tino y la valentía de un cineasta coherente y concreto, ni la vigencia y premonición de un poeta fiel a sus principios sino, y sobretodo, la confirmación de que el cine pequeño y autónomo es el Cine en mayúsculas; aquel que no reconoce aún sus propios límites sino que, lejos de eso, en sus orillas se abisma cada vez más rumbo al misterio.

Román Cárdenas

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Rosario, nueva escala...

2008-09-21T16:11:00.000-07:00

"La orilla.... " llega a Rosario. Se proyectará en el Museo del Diario La Capital, el miércoles 24, el sábado 27 y el domingo 28 de septiembre próximos.

Al cierre de la proyección del día sábado, Fontán coordinará un debate con el público.

Nos vemos pronto!

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Las puertas de la percepción

2008-09-14T18:52:00.000-07:00

DIARIO "LA VOZ DEL INTERIOR" - CRITICA

AUTOR: ROGER ALAN KOZA

CALIFICACION: **** (Muy buena)

LAS PUERTAS DE LA PERCEPCIÓN

El árbol fue una película notable y su director parecía un solitario en un ecosistema desentendido de cualquier búsqueda poética en el cine. La orilla que se abisma confirma la belleza de su radical singularidad, y las posibilidades del cine cuando éste va más allá de la dictadura del relato.

Proscripta de la cotidianidad, depreciada por su carácter antipragmático y no lucrativo, o, todavía más escandaloso, apropiada para exaltar lo kitsch de lo que se codifica como bello en nuestra sociedad del espectáculo, la poesía es un género fantasmal, en vías de extinción, aunque es posible que sin ella nuestro modo de habitar el mundo sería brutalmente indolente, casi inhumano.

La nueva película de Gustavo Fontán es un riguroso ensayo poético sobre la obra del poeta entrerriano Juan Laurentino Ortiz (1896-1978), más conocido como Juanele. No se trata de una evocación atroz como se hiciera en algún momento con Oliveiro Girondo en nuestro cine, o de un cuento ingenuo sobre algún momento en la vida del poeta, como se hizo con Neruda.

Fontán elige el camino menos transitado: traducir una experiencia verbal en imágenes, es decir, transfigurar los versos en planos. La aventura estética de Fontán consiste en mostrar lo poético y dejar de nombrarlo. Su película es un viaje perceptivo precedido de la palabra de Ortiz, aunque ésta está prácticamente ausente, excepto por dos placas con fragmentos de poesía y la voz de Juanele recitando un poema en el epílogo.

“Acaso la revolución consista en lo que el hombre por siglos ha estado postergando: la necesidad del verdadero descanso, el que permite ver cómo crecen, día a día, las florcitas salvajes”. Éste es el punto de partida, sentencia engañosamente candorosa, y que Fontán habrá de materializar plano tras plano hasta el final. En efecto, se trata de purgar la mirada de la saturación indiscreta de lo audiovisual masivo y publicitario que no permite ver. Así, la cámara de Fontán deviene en un préstamo de ojos, con los que se habrá de ver un mundo, el nuestro, el de Juanele, uno poblado por gatos, hojas, tormentas, lluvias, ríos, cielos, hombres que pescan y navegan con sus botes en la bruma, pero vistos como si éstos estuviesen brotando desde las rimas de Ortiz.

En un contexto en el que el cine narrativo domina y subyuga, la apuesta por un cine concebido como una experiencia sensorial y poética conlleva un gesto de desobediencia bienvenida. No son muchos los partisanos de un cine poético. Kiarostami en Cinco, Sokurov en Madre e hijo han demostrado que el cine puede intentar registrar el acontecimiento, el mundo en su devenir, sin el capricho tan humano de imponer un relato allí en donde sólo hay instantes salvajes despojados del orden del discurso.

Aquí, Fontán opta por un paulatino extrañamiento del registro: planos medios y generales de la naturaleza van perdiendo su nitidez a través de una doble operación formal: primero, el desenfoque: las formas de la naturaleza pierden sus contornos; después, los fundidos encadenados: las imágenes se yuxtaponen, procedimiento que llega a ser sublime cuando el cielo se refleja en el río y la sobreimposición de planos transforma la naturaleza en arte.

El filósofo Oscar del Barco ha sugerido que la poesía de Juanele es una teofanía real, y Fontán así parece percibir el encuentro del lenguaje poético con el mundo. El Litoral es Juanele, el río es él. Nadarlo es casi un imperativo fisiológico.

NOTA: Esta crítica fue publicada por el diario La Voz del Interior de la provincia de Córdoba.

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Se repone La orilla en el Tita...

2008-09-01T19:28:00.000-07:00

A la novedad publicada hace un par de días, se suma otra. "La orilla..." vuelve!.

Estará en el Tita Merello -Suipacha 442, Capital- los días 8, 9 y 10 de septiembre, y luego una semana completa, entre el 11 y el 17 de septiembre.

Para los que no la alcanzaron a ver, y para quienes gusten una segunda vuelta... Están todos invitados! Nos vemos...

Gustavo

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La orilla en Córdoba

2008-08-30T13:23:00.000-07:00

Con motivo de la recordación del trigésimo aniversario de la muerte de Juanele, "La orilla que se abisma" será presentada en la provincia de Córdoba.

A continuación, detallamos el cronograma de acciones previstas y lugares de realización.

Día 2/9: 20,30 horas:

- Lectura de poemas y análisis de la obra de Juan L.Ortiz, a cargo de Carlos Surghi, Gaby Milone y JJG

- Proyección del documental "La intemperie sin fin", de Juan J. Gorasurreta

En el Teatro LA LUNA, Pje. Escutti esq. Fructuoso Rivera. B°.Guemes. Con entrada libre y gratuita.

Días 03 a 06/9:

- Proyección del filme "La orilla que se abisma".

En Espacio INCAA, Km. 700. Av. Ricchieri esq. Concepción Arenal. 20,00 horas.

Día 5/9:

- Gustavo Fontán se presentará en Córdoba acompañando la película. 20,00 horas.

Día 6/9:

- Análisis del filme y comentarios a cargo de Silvio Mattonmi y Oscar del Barco

- Proyección del filme de Fontán.

En CineClub LA LINTERNA MAGICA. Centro Cultural Cooperativo Casa AZUL. Salta 55 (a50 metros de la terminal de ónmibus). Río Ceballos.

Días 10 a 13/9:

- Proyección de "La orilla...". EspacioINCAA Km. 700. Av. Ricchieri esq. Concepción Arenal. 18,00 horas.

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Detrás de la cámara...

2008-08-23T15:38:00.000-07:00

En este post elegí publicar una pequeña carta de mi amigo Luis Cámara, el director de fotografía de La orilla que se abisma. Él estuvo presente en una proyección del filme en la ciudad de Oberá , y me pareció interesante mostrar su impresión de aquella experiencia. Nos vemos pronto...

Gustavo

"Hola, Gustavo, quiero contarte algunas impresiones. En principio, por ser entrerriano y más precisamente nativo de Paraná, te cuento que estaba muy ansioso y expectante por el estreno ya que no sólo era la primera vez que se exhibía en una sala cinematográfica una película donde había trabajado sino que allí, seguramente, se encontrarían espectadores que habían conocido a Juan, habían sido su amigos y lectores, por lo que estar frente a ellos con nuestra película era todo un desafío.

Luego de la proyección y al escuchar los comentarios me emocionó mucho que gente de mi ciudad y personas tan cercanas a Juan hayan sentido lo mismo que sentí y sentimos al hacer la película. Recorrer junto a ellos la poesía de Juan a través del río audiovisual que es La Orilla. Esto también sucedió en Santa Fe y ya, luego de compartir tres estrenos de La orilla,en Paraná, Santa Fe y Oberá, me pone contento que la película además de llegar a la gente sólo con lo escencial del cine sea una invitación a la lectura de Juan como nos siguen diciendo muchos que ven la película. Bueno, te mando un fuerte abrazo."

Luis

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